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1. Non sono mai stato una persona incline allo stupore, nemmeno da ragazzo. Eppure, ricordo la mia sincera meraviglia, non priva di una notevole dose di incredulità, allorché un compagno del liceo (ultimo anno) sostenne di non essere particolarmente attratto dal cinema. La dichiarazione, sincera ancorché non priva di una qualche esuberanza provocatoria, lasciò ancor più basiti me e altri compagni, giacché esternata in primo luogo da un giovane certamente colto, preparato e fornito, si potrebbe dire, di un quoziente di intelligenza considerevole, in secondo luogo in occasione di una delle riunioni “impegnate” del mercoledì, che noi compagni di scuola eravamo soliti tenere per confrontarci su tematiche “serie”, da quelle culturali a quelle di politica, ecc.
Quel mercoledì si stava parlando, lo ricordo benissimo, de “La ragazza di Bube”, che avevamo letto tutti da poco tempo (benché pubblicato ormai da alcuni anni), dal momento che avevamo avuto l’occasione e, aggiungo, la fortuna di potere vedere il film in un cinema di terza (o forse di quarta?) visione: già, perché all’epoca (e non sto parlando proprio di tempi preistorici) esistevano le sale di prima, di seconda e almeno di terza visione (per non parlare delle sale parrocchiali, dove talvolta, molto raramente a dire il vero, poteva valere la pena di andare). La notevole differenza di prezzo fra le tre (o quattro) categorie era dovuta non solo alla maggiore o minore tempestività con la quale venivano proiettate le pellicole, ma anche ad una considerevole disparità di comodità. Si passava dalle poltrone piacevolmente imbottite, di colori gradevoli e disposte in file adeguatamente distanziate l’una dall’altra (onde si scongiurava il pericolo di essere colti dal desiderio quasi irrefrenabile di decapitare la testa dello spettatore troppo alto e talvolta anche ondeggiante assiso dinnanzi), da schermi ampi e lindi e da un sonoro fedele e, mi pare di ricordare, addirittura in certi casi già stereofonico, si passava a mano a mano, dicevo, da una tale situazione di confort al disagio più assoluto, narcotizzato soltanto nel momento in cui sul telo bianco (almeno così doveva essere in origine) cominciavano a scorrere le immagini del film.
Non v’è dubbio, lo confesso, che al di là della storia di Mara («la prima apparizione umana positiva di grande statura della nuova narrativa italiana», come ebbe a scrivere Calvino), al di là della sapiente regia di Luigi Comencini (ai nostri giovani e impegnati occhi ormai riscattatosi con “Tutti a casa” e con appunto “La ragazza di Bube”, dagli esordi segnati da “L’imperatore di Capri”, “Pane, amore e fantasia”, Pane, amore e gelosia, ecc., ma da tempo queste ultime pellicole potrebbero essere giudicate diversamente), al di là della presenza di George Chakiris (mitico protagonista dell’ancor più mitico “West Side Story”), ciò che catturò e tiranneggiò la nostra ammirazione fu la bellezza straordinaria di Claudia Cardinale, vera e propria chimera ingenua e nel contempo conturbante e intrigante per quasi tutti noi, sin dai tempi de “I soliti ignoti”, “Un maledetto imbroglio”, “Il bell’Antonio” e soprattutto “La ragazza con la valigia”.
Ma torniamo alla stupefacente e, nell’approdo conclusivo, provocatoria posizione del mio compagno di liceo. In effetti egli aveva finito con l’estremizzare e il radicalizzare un discorso partito da una iniziale considerazione in molti casi condivisibile, anche se per certi versi discutibile in relazione al film di Comencini. Egli infatti aveva esordito col sostenere che non solo non era possibile tradurre in linguaggio cinematografico un’opera letteraria, ma altresì che inevitabilmente un film finiva col banalizzare il più autentico messaggio, le complesse implicazioni, i molteplici piani narrativi e il pathos stesso di un romanzo o di un racconto. A riguardo egli ricordava alcuni casi a suo avviso esemplari: da “Il cielo è rosso” di Giuseppe Berto (portato sullo schermo da Claudio Gora, esordiente regista, se non erro) a “Filumena Maturano” di Eduardo De Filippo (divenuta “Matrimonio all’italiana” per la regia di Vittorio De Sica), dai vari romanzi di Fogazzaro a quelli di Moravia (in specie “Gli indifferenti”), per non parlare di alcuni autori “classici” della letteratura straniera: da Čechov a Dickens, da Doyle a Dumas padre, da Fitzgerald a Hugo, ecc, fino a giungere alle numerose quanto spesso ridicole trasposizioni del Michele Strogoff e di altri romanzi di Verne o di altri autori che non moltissimi anni prima avevano fatto “volare” la nostra fantasia.
A poco o a nulla valse controbattere che il panorama complessivo era ricco di altri casi. Ad esempio, “La lunga notte del ’43”, tratto da “Cinque storie ferraresi” di Bassani, grazie alla regia di Florestano Vancini, con eccellenti recitazioni di Gabriele Ferzetti, Enrico Maria Salerno, Andrea Checchi, Gino Cervi ed altri, era riuscito ad emozionarci e a concretizzare, in virtù anche della suggestiva atmosfera di una Ferrara cupa e quasi minacciosa, l’ambiente e la tensione della tragica esecuzione di un gruppo di antifascisti. Ugualmente inutile fu ricordare la resa eccellente, anche se a tratti un po’ libera e indubitabilmente sganciata dalle implicazioni lessico-sociali del romanzo di Gadda, di “Un maledetto imbroglio”, pellicola nobilitata dalla superba interpretazione di Pietro Germi (per altro anche regista), Saro Urzì, Franco Fabrizi e altri e, sottolineavamo, dalla presenza della Cardinale. Di spessore davvero notevole la variopinta galleria di personaggi dai mille vizi e dalle poche virtù; lo stesso Ingravallo, a specchio del commissario gaddiano, fino al momento in cui la matassa si dipana, sembra svolgere la propria funzione all’insegna della routine, noiosa e in certo modo subita.
Sempre più arroccato sulle proprie posizioni fino ad opporre un granitico rifiuto a qualsivoglia tentativo di dialogo, il mio compagno riuscì comunque a fare incuneare in tutti noi il sospetto di una nostra eccessivamente incondizionata ammirazione nei confronti del cinema. Ma solo per un momento. Un istante di incertezza: incertezza repentinamente polverizzata dalle mille e mille scene di film che quasi prepotentemente cominciarono a impossessarsi della nostra mente, persino in maniera confusa e quasi caotica. Eravamo alla fine degli anni Sessanta: e non è qui il caso di dire altro. Chi ha vissuto quell’epoca potrà capirmi a volo e chi non l’ha vissuta … difficilmente potrebbe realmente capire. Erano gli anni, per tornare sul territorio proprio di queste pagine, di Bella di giorno, Gangster Story, Il laureato, Play Time, C’era una volta il West, 2001: Odissea nello spazio, Rosemary’s Baby, La via lattea, Butch Cassidy, Il clan dei siciliani, Dillinger è morto, Easy Rider, Il mucchio selvaggio, Z. L’orgia del potere, ecc. Andare al cinema era emozionante, come lo era il dopocinema, preferibilmente in pizzeria, con discussioni, polemiche, battute, apprezzamenti, elogi smisurati e spesso enfatici e, talvolta, altrettanto enfatiche e impietose censure. Una scena, una battuta, una sequenza veniva rivissuta infinite volte e ciascuno si affannava a svelarne un dettaglio sfuggito agli altri.
Palestra preziosa quanto suggestiva per sollecitare e rafforzare gli strumenti della critica erano poi i cineforum, in merito ai quali non può non venire alla mente la simpatica e dissacrante parodia di Scola in “C’eravamo tanto amati”. Ben altra cosa rispetto a quelli attuali. Si andava al cineforum per vedere il film, certo, ma non si riponeva minore aspettativa nel dibattito che sarebbe seguito, in occasione del quale, è vero, non mancavano coloro che erano ansiosi di sciorinare le proprie conoscenze e le proprie competenze “tecniche”, come non mancavano gli accaniti patrocinatori della coscienza “politica”, pervicacemente inclini a ricondurre le più diverse problematiche nell’alveo delle tematiche e delle tensioni ideologico-sociali. Ma numerosi erano coloro i quali erano pronti a rivisitare i passaggi più stimolanti della pellicola “proiettata”, per confrontarsi con gli altri, per accogliere suggestione interpretative e arricchire non solo le proprie conoscenze (anche specificatamente filmiche) ma altresì, o soprattutto, la propria coscienza civile e l’attitudine a rispettare le diverse opinioni.
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2. Se inaccettabile poteva e tuttora agli occhi miei e, ne sono certo, di moltissimi altri, può apparire il disinteresse per il cinema (ma, lo si è già chiarito, quella del mio giovane compagno era posizione provocatoriamente oltranzista), non si può negare che le perplessità in merito a come un’opera letteraria sia stata spesso “tradotta” in linguaggio cinematografico ha indubitabilmente fondamento. I casi più eclatanti sono quelli in cui persino la trama di un romanzo o di un racconto viene, verrebbe da dire, spudoratamente tradita e trasformata quasi sempre (sono davvero rarissime le eccezioni) in una vicenda banale, pur se talvolta spettacolare (e stendiamo un velo pietoso su un altro filone: quello dei cosiddetti film “storici”). Oltre alla maggiore o minore fedeltà alla “traccia”, v’è poi il problema della maniera in cui sia i protagonisti che i diversi personaggi, fino a giungere a quelli talvolta solo apparentemente secondari, vengono ri-disegnati in virtù o in conseguenza della loro “lettura” rielaborata sia dal regista che dagli interpreti. E che dire dell’effettiva resa di ambienti, atmosfere e mille particolari che nella traduzione filmica sono sottoposti a, direi inevitabili, mutamenti, se non addirittura a veri e propri “tradimenti”? Non è un caso, d’altronde, se, per evitare o quanto meno ridimensionare i rischi della “infedeltà” nei confronti dell’originale, sempre più spesso gli scrittori stessi sono stati e sono artefici della sceneggiatura del film: soluzione, questa, che ovviamente può essere praticata solo a condizione che lo scrittore sia vivente!
La difficoltà, o se si vuole l’impossibilità di rendere giustizia o meglio di rispettare il testo scritto, d’altra parte, non è addebitabile alle incongrue capacità di registi, attori e diversi artefici che a vario titolo concorrono alla realizzazione di un film. In realtà, è agevole annotazione, il fatto è che ci si trova dinnanzi a due “linguaggi”, testo scritto e testo audio-visivo, completamente diversi, dotati ciascuno di potenzialità, forme e procedure di comunicazione assai differenti e non omologabili. Se si aggiunge che un film è comunque una “traduzione” di un originale e, in quanto tale (c’è bisogno di dilungarsi sul tema?), autonoma e comunque espressione di nuova sensibilità creativa, ne consegue che il discorso sulla maggiore o minore “fedeltà” in sostanza ha poco senso. E poi, fedeltà rispetto a cosa? Ma se a ciascuno di noi, fortunatamente, è dato cogliere da un romanzo, da un racconto, ecc. emozioni, messaggi, suggestioni tanto personali da farci finanche materializzare le fisionomie dei personaggi, i colori e le dimensioni dei paesaggi, ecc., come si può pensare che la “lettura” del regista, degli attori, degli sceneggiatori, degli scenografi, ecc. possa essere la più autentica, la più conforme alla stessa volontà dello scrittore? Senza dimenticare che a loro volta anche gli spettatori, pur vistosamente pilotati dall’espressione di un volto, dalla tonalità di una battuta, dalla inquadratura di un ambiente, rielaborano il messaggio recepito secondo i propri individuali strumenti culturali e sentimentali (e ruolo non secondario in proposito ricoprono le colonne sonore).
Ciò detto e precisato, mi è difficile resistere alla tentazione di ricordare qualche film che mi ha colpito per avere almeno in parte, o in buona parte, tradotto il testo letterario in linea con la mia personale lettura. Poche “schegge”, per così dire, totalmente svincolate da ogni considerazione e giudizio strettamente attinenti lo spessore e lo specifico letterario delle opere da cui le pellicole sono più o meno liberamente tratte. Nel contempo nessuna ambizione di analisi critica cinematografica, in merito alla quale, va precisato, non potrei vantare alcuna esperienza specifica. Confido, pertanto, nella benevolenza del lettore che comprenderà perfettamente che tutto questo breve intervento è dovuto esclusivamente al mio amore verso il cinema.
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3. Come il più classico dei giochi che si possono fare con gli amici una sera a cena, tutti rigorosamente amanti del cinema e parimenti tutti rigorosamente né cineasti né critici cinematografici, ecco dunque un elenco di dieci film, con alcune sintetiche annotazioni.
Il primo che mi viene in mente è il celebre “Il Gattopardo”, per la magistrale regia di Luchino Visconti. Davvero incisive le interpretazioni di Claudia Cardinale, Alain Delon, Paolo Stoppa, Rina Morelli, Romolo Valli, Serge Reggiani, ecc. Tutti grandi attori. Ma la performance maggiore la offre, ce la regala uno straordinario Burt Lancaster. Non avrei saputo e potuto immaginare il volto, i gesti, la mimica, lo sguardo del principe don Fabrizio di Salina diversi da quelli “rappresentati” dall’attore statunitense. E che dire di Tancredi? D’altro canto, per inciso, Visconti è riuscito a sollecitare probabilmente le migliori qualità artistiche sia in Delon che in Lancaster: basti pensare, rispettivamente, a “Rocco e i suoi fratelli” e a “Gruppo di famiglia in un interno”. Certo, il regista enfatizza la sintesi fra realismo storico e sfumature proustiane pur presenti nel romanzo di Giuseppe Tomasi di Lampedusa; tuttavia riesce a comunicare le profonde implicazioni, non prive di nostalgica rassegnazione, del tramonto ineludibile delle idealità non solo risorgimentali, ma di un mondo ovattato e in qualche modo sordo alle tensioni e ai cambiamenti emergenti, imbrigliati comunque nel tentacolare trasformismo politico. Indimenticabile la lunghissima scena del ballo, segnato dal valzer inedito di Giuseppe Verdi, dove l’aristocrazia festeggia la scongiurata rivoluzione e, nel fasto e nell’allegria, dà corpo e testimonia la verità insita nella nota battuta: «se vogliamo che tutto rimanga com’è, bisogna che tutto cambi».
“Il deserto dei Tartari”, tratto dall’omonimo romanzo di Dino Buzzati, è diretto da Valerio Zurlini nel 1976. La vicenda è ambientata nella cornice storica dei primi anni del XX secolo ai confini orientali dell’impero austro-ungarico e il regista ne accentua la concretezza, suggerendo in qualche modo quel che c’è al di là dei fatti e, se si vuole, della stessa opera letteraria. Se Jacques Perrin fornisce una prova di livello superiore al suo standard, “mostri sacri”, quali Vittorio Gasman, Jean-Luois Trintignant, Philippe Noiret e Max von Sydow ( ma occorrerà citare anche Giuliano Gemma, Fernando Rey Francisco Rabal), cooperano sensibilmente ad intrigare lo spettatore nell’attesa quasi beckettiana di un nemico incombente ma che non si materializza mai. Non era certo agevole riportare sullo schermo un quadro squisitamente “letterario”, godibile e assimilabile in termini di lettura, i cui personaggi sembrano avvolti in una nebbia indefinita che ne ostacola (ma non ne inibisce) la comprensione dei caratteri e delle psicologie: ebbene Zurlini con ammirevole sottigliezza allusiva riesce a non infrangere gli argini del suggerimento e scongiura la tentazione di rendere esplicito ciò che non andava manifestato.
Sarà forse per la presenza di Gian Maria Volonté, gigante a tutto tondo della recitazione, che coltivo un ricordo molto positivo del drammatico “Uomini contro”, tratto dal bel libro “Un anno sull’altipiano” di Emilio Lussu. La problematica affrontata, inerente l’impiego spregiudicato e inumano delle truppe italiane durante la prima guerra mondiale e, più in generale, gli orrori della guerra, di qualsiasi guerra, poteva rischiosamente indurre a banale e superficiale populismo, tradendo il più autentico messaggio del romanzo. Ora, quantunque qualche cedimento (mi pare di ricordare, ma il ricordo risale ai primi anni Settanta) alberghi qui e là (principalmente sotto il versante delle implicazioni politiche), nell’insieme il regista, Francesco Rosi, è riuscito a realizzare un film che, che nel cogliere tra l’altro i drammi interiori dei personaggi principali, lo sgomento e spesso la rassegnazione dei soldati, coinvolti e immersi in una realtà per loro estranea e il tragico “macello” del conflitto, pervicacemente e ottusamente fomentato dalle alte gerarchie militari, concretizza in immagini buona parte delle suggestioni che all’epoca mi suscitò la lettura del libro.
Uno dei migliori exploit interpretativi della Loren, a mia memoria, può essere considerato quello nelle vesti della Cesira del noto romanzo moraviano “La ciociara”. D’altro canto il tandem De Sica-Loren ha lasciato un segno davvero significativo nel cinema non soltanto italiano. Il De Sica de “La ciociara”, confesso, non è quello che tanto mi aveva colpito con “Ladri di biciclette” o “Umbert D” o “Miracolo a Milano”; in ogni caso con il film tratto dal romanzo moraviano egli fornisce certamente una prova di notevole spessore, per altro sapientemente giocata fra conformità al testo letterario e abile esaltazione delle qualità interpretative dei tanti attori coinvolti. Da segnalare, a mio parere, l’ottima prova di Jean Paul Belmondo, che dà vita al personaggio di Michele in maniera impeccabile, almeno secondo il mio giudizio. Inutile ricordare qui, poi, la memorabile quanto terribile scena dello stupro.
L’edizione integrale di “Kaos”, che dura più di tre ore, non è mai arrivata nelle sale cinematografiche, dove è approdata invece quella decurtata dell’episodio “Requiem”. Ciononostante il film dei fratelli Taviani non è penalizzato oltremisura e riesce ugualmente a sensibilizzare lo spettatore in merito alle tradizioni antropologiche, culturali e storiche, del popolo siciliano. Le novelle di Pirandello, più volte utilizzate dal cinema, in questo caso acquistano un nuovo e intrigante spessore sullo schermo, arricchite di una corposità che affonda le radici nella vita ottocentesca della Sicilia e che è proiettata a riproporre storie, costumi e mentalità di cui rimane solo il ricordo o il racconto tramandato. Opera vistosamente unitaria, nonostante i differenti registri tematici, “Kaos” si avvale di una performance assai convincente di Franco Franchi e Ciccio Ingrassia (un recupero in qualche modo analogo a quello pasoliniano di Totò).
Ero giovanissimo quando lessi “Le ragazze di Sanfrediano” di Vasco Pratolini e forse per questo approfittai subito della prima occasione che ebbi per andare a vedere l’omonimo film in una sala parrocchiale al Vomero, quartiere napoletano, che fra le poche cercava di disancorarsi negli anni Sessanta da manifeste modalità di indottrinamento. Il film segna, mi pare, l’esordio di Valerio Zurlini (del quale mi piace ricordare almeno, oltre ai già citati “La ragazza con la valigia” e “Il deserto dei Tartari”, l’ottimo “Cronaca familiare” (tratto dal romanzo pratoliniano del 1947 e caratterizzato dal mirabile equilibrio tra ricchezza emotiva dell’esperienza privata e contesto storico-sociale) e “La prima notte di quiete”, che con garbo traduce il clima spensierato e ricco di aspettative nel quale si muovono i personaggi pratoliniani.
Su ben altro fronte si dispone il settimo film che desidero ricordare: “A ciascuno il suo”. Un grande Gian Maria Volontà e una non meno brava Irene Papas (ma come non ricordare anche Gabriele Ferzetti e Salvo Randone?) interpretano con straordinaria efficacia due personaggi per certi versi simbolici di una Sicilia oppressa e condizionata dal potere tentacolare e sfuggente della mafia. Il romanzo di Leonardo Sciascia è di struggente e spregiudicata denuncia e il film di Elio Petri, grazie tra l’altro alla colonna sonora di Luis Bacalov, enfatizzando alcuni aspetti, sollecita perentoriamente la coscienza dello spettatore su di un bubbone che troppi all’epoca desideravano occultare o quanto meno ridimensionare.
Tre film, infine, più recenti: “Sostiene Pereira” (1995), “L’amore molesto” (1995) e “Non ti muovere” (2004). Film molto diversi fra loro, eppure in qualche modo accomunati da un vistoso impulso a rispettare quanto meno le atmosfere dei rispettivi romanzi e i connotati nevralgici del travaglio interiore dei protagonisti, ciascuno teso a prendere dolorosamente coscienza, sia pure sotto versanti molto diversi, di un passato e di una realtà ora più o meno inconsciamente ovattati e anestetizzati (l’anziano giornalista del romanzo tabucchiano), ora rimossi (la Delia del libro della Ferrante), ora soffertamene traditi (il neurologo della Mazzantini). Ottime le “prestazioni” di tutti gli attori impegnati nelle tre pellicole; non v’è dubbio tuttavia che le prove di Mastroianni e, aggiungerei, Daniel Auteuil (Sostiene Pereira), Anna Bonaiuto e Angela Luce (L’amore molesto) e Sergio Castellitto e Penelope Cruz, davvero straordinaria (Non ti muovere) non possono che essere ricordate fra le migliori nello scenario della cinematografia italiana degli ultimi anni.
Qui mi fermo. Viva il cinema
P.S.: il compagno di scuola da cui sono partito, è tuttora mio carissimo amico. Non intendo svelarne il nome. Posso solo dire che, ovviamente, è da tempo un critico cinematografico molto acuto e raffinato e, non a caso, assai apprezzato.
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Università di Roma “La Sapienza”
Marco Santoro
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Abstract:
Letteratura e cinema. Quale rapporto? Si può ipotizzare una “fedeltà” fra testo letterario e linguaggio cinematografico? Il breve intervento intende solo rinnovare l’attenzione su questi punti e, nella parte finale, ripropone dieci casi di film tratti da romanzi o racconti che per motivi diversi hanno attirato l’attenzione dell’autore.

Il film è con Johnny Depp, Helena Bonham Carter, Alan Rickman, Timothy Spall e Sacha Baron Cohen.
Ispirato alla figura di un barbiere assassino impiccato a Londra alla fine del Settecento, il personaggio di Sweeney Todd deve molto all’intraprendenza di Edward Lloyd, un edicolante capace di creare un piccolo impero grazie alla pubblicazione clandestina di libri proibiti e alle edizioni pirata dei grandi successi del suo tempo. Il genere letterario che rese famoso questo strano editore assunse il nome di “Penny Dreadful” per via del prezzo di copertina estremamente basso delle sue pubblicazioni e per le abbondanti dosi di sangue e orrore che i libri di Lloyd dispensavano a un pubblico sempre sensibile al fascino oscuro della morte violenta. Inizialmente attribuito all’inventiva di James Malcom Rymer, uno scrittore già noto per i suoi romanzi gotici nonché stretto collaboratore di Lloyd, Sweeney Todd è in realtà un’opera collettiva, scritta in tempi diversi da autori diversi con il coordinamento dello stesso Lloyd e la partecipazione, molto probabile, di Thomas Prest, un altro degli autori di punta della “Penny Dreadful”.
Dopo numerosi musical che hanno avuto uno straordinario successo a Broadway, nel 2007 Tim Burton ha tratto da questo libro un film in cui Johnny Depp interpreta Sweeney Todd.
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Ne hanno parlato all gr2 di questa mattina (intervista a Cristiano Armati su SWEENEY TODD). Vi lascio il link:
http://www.rai.tv/mppopupaudio/0,,Grr%5E0%5E23251,0.html
So che il libro sta andando bene e che è in 22° posizione nella classifica di narrativa straniera di DEMOSCOPEA.
Se vi capita di vedere il film fatemi sapere com’è.

Antonio D’Orrico

Regia di Carlo Mazzacurati

Sozi, scusa il ritardo domani ti scrivo.
“La forza del passato” per me è anche più bello di Caos. Devo dire che in quel caso il libro mi è piaciuto di più del film. Provavo una grande empatia per il protagonista, tra l’altro mi pare rispetto agli altri libri di Veronesi il più “compiuto” anche come trama. ha un andamento ben orchestrato, gli avvenimenti si susseguono con regolarità, l’attenzione rimane viva. Forse ilsuo libro più bello. “Brucia Troia” non sono riuscita a finirlo.

Sergio

Come mai? Credevo ti ci saresti sparato come una fucilata di winchester!

L’hai visto ‘Non è un paese per vecchi’? Com’è? Vale?

Torno ai miei palmi.