L’ARMINUTA: dal romanzo di Donatella Di Pietrantonio al film di Giuseppe Bonito

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La nuova puntata di Letteratitudine Cinema la dedichiamo al film “L’Arminuta” di Giuseppe Bonito, tratto dall’omonimo romanzo di Donatella Di Pietrantonio pubblicato da Einaudi e vincitore del Premio Campiello 2017.

Di seguito: le dichiarazioni che Donatella Di Pietrantonio ha rilasciato in esclusiva a Letteratitudine e un articolo a cura della giornalista Alessandra Angelucci (che ha incontrato il cast del film per noi) con le risposte del regista Giuseppe Bonito, della protagonista Sofia Fiore e altri interpreti.

In chiusura riproponiamo “l’Autoracconto d’Autore” firmato dalla stessa Donatella Di Pietrantonio in occasione dell’uscita del romanzo dove l’autrice ci racconta la genesi di questa storia. Ne approfittiamo per ringraziare Patrizia Angelozzi per la collaborazione

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“L’Arminuta che diventa film è l’ultima evoluzione di una storia nata nel chiuso di una stanza e condivisa da tanti lettori e ora dagli spettatori nelle sale”, ha detto Donatella Di Pietrantonio a Letteratitudine. “Credo che la sua forza stia nell’aver intercettato quelle parti ferite, danneggiate che ognuno di noi porta con sé, anche senza aver vissuto gli abbandoni ripetuti che toccano alla protagonista”.

“Giuseppe Bonito ha saputo trovare quel difficile equilibrio tra un’originalità solo sua e il rispetto del romanzo, guardando con una sensibilità particolare i personaggi, nelle loro cadute e inadeguatezze, nelle fragilità e nella resilienza. Ce ne restituisce tutta l’umanità”.

L’Arminuta nel grande schermo per raccontare la maternità imperfetta

di Alessandra Angelucci

SPOLTORE - Ci sono dettagli che il lettore de L’Arminuta, scritto da Donatella Di Pietrantonio (Campiello 2017), non può dimenticare. Come l’incipit, che consegna una bambina davanti all’esperienza dell’abbandono: «A tredici anni non conoscevo più l’altra mia madre. Salivo a fatica le scale di casa sua con una valigia scomoda e una borsa piena di scarpe confuse».
E sono proprio le madri, biologiche e non, come le sorelle, le figure femminili attorno alle quali si apre una storia fatta di silenzi e abbandoni, di mani tese verso l’altro. Un’altalena di addii che fanno male, dentro a un volo che spesso non ha parole per dirsi.
Nell’Abruzzo degli anni Settanta, la piccola Arminuta dovrà fare i conti col suo passato per capire davvero chi è. Un compito troppo grave per una donna così giovane. E se scaviamo in fondo alle parole, forse nella voce della protagonista c’è anche la paura di ciascuno di noi: quella di essere abbandonati. È per questo che Donatella Di Pietrantonio ha commosso i lettori, perché ha consegnato una verità: la sua, la nostra. Una storia cucita intorno all’imperfezione dei rapporti umani, quelli che si dicono sottovoce perché troppo dolorosi. Quelli che, a volte, non si possono proprio dire.

Fedele al romanzo è la trasposizione cinematografica del regista Giuseppe Bonito, tanto attesa nelle sale cinematografiche, dopo il grande successo ottenuto alla 16^ edizione della Festa del Cinema di Roma.
Sabato 23 ottobre 2021 il film è stato presentato al Cinema l’Arca di Spoltore (PE) alla presenza di una parte del Cast, accolto da un pubblico numeroso e felice di vedere nel grande schermo il racconto di tante vite: de l’Arminuta, di Adriana e Vincenzo, delle madri che hanno generato o cresciuto, di Pat che gioca in spiaggia in una dimensione senza tempo.
Bonito ha mostrato sempre grande attenzione al mondo della famiglia e alle relazioni che in essa si intrecciano, sin dal progetto Figli, nato grazie a Mattia Torre, sceneggiatore e regista prematuramente scomparso. La sfida de L’Arminuta ha in sé questa radice e si innesta su un sentimento d’amore che il regista ha da subito provato per l’opera della Di Pietrantonio e per quei volti che sono nomi e radici, e poi luoghi d’infanzia. A volte drammi irreversibili. «Pur essendo una storia ambientata negli anni Settanta, come già era evidente nel libro, il film ha degli elementi di modernità e di stringente attualità proprio in questo: la maternità come valore assoluto, al di là del dato biologico». È proprio Giuseppe Bonito a dichiararlo, mettendo in luce come il tema del suo progetto sia la maternità imperfetta: «La famiglia di origine de l’Arminuta è sì un nucleo familiare numeroso ma in esso è presente la disgregazione dei sentimenti. Sono tutti come punti che non riescono a collegarsi mai. I momenti più forti del film, infatti, sono quelli in cui le persone si toccano o si sfiorano: in quegli istanti si diffonde una energia che le unisce idealmente ma di fatto mai. E l’Arminuta sta in mezzo a tutto ciò». Un progetto che racconta anche l’uso del dialetto, ponendo l’accento sull’importanza del luogo come matrice identitaria: «La lingua abruzzese è importante, sì. Il film non l’abbiamo girato in Abruzzo ma il mio lavoro sul paesaggio è stato molto particolare e laborioso, perché doverlo ricostruire in un luogo altro è sempre difficile. Al di là di questo, nel mio film il paesaggio umano è totalmente abruzzese ed è questa, secondo me, la cosa che conta di più».
A dare prova di questo è anche l’origine delle giovani protagoniste: Sofia Fiore, che interpreta l’Arminuta, è originaria di Vasto, e Carlotta de Leonardis, nei panni di Adriana, è di Spoltore. Potenti nel loro essere sorelle dentro una storia di mancanze. Sofia Fiore narra con maestria lo spaesamento di chi dovrà accettare e perdonare. Alla prima esperienza, esprime con eleganza i silenzi e i moti d’angoscia, in un volto quasi etereo che sa tradurre i non detti: «Ho provato tanta gioia ma anche un po’ di paura quando ho saputo che sarei stata proprio io l’Arminuta. Una bellissima esperienza e auguro a tutti coloro che hanno il sogno di diventare attori o attrici di provare, perché ne vale davvero la pena. Tra le scene più difficili ricordo il bagno al mare, perché faceva molto freddo quando abbiamo girato».

Carlotta De Leonardis è il talento dell’espressività, la voce dell’istinto e della ribellione. Commovente l’abbraccio alla ritrovata sorella nel gelo della notte: in quella stretta immortale ci siamo stati tutti per pochi attimi, perché tutti, forse, abbiamo desiderato almeno una volta essere cercati – e amati – con la stessa forza che Carlotta trasmette nel ruolo di Adriana. Anche lei confessa di essersi divertita a girare il film: «Mi è piaciuto tutto e per me è stato spontaneo anche recitare in dialetto, perché io a casa un po’ lo parlo. La scena che mi è piaciuta interpretare di più è quella finale e sicuramente anche quella dal macellaio».

Presenti al cinema di Spoltore anche l’attore Andrea Fuorto, che sta riscuotendo molto successo per l’interpretazione di Vincenzo, e Aurora Barulli (Pat), che ha svelato tutta l’emozione provata: «È stato un sogno. Di solito una ragazza quattordicenne vede i film nella sua stanza, analizza gli attori e si interessa della loro vita reale. A me questa esperienza ha stravolto la vita perché, seppur per una piccola parte, ho vissuto un momento di vita unico. Mettermi in gioco mi ha aiutata a superare la mia insicurezza e la cosa più bella è stata quando mi hanno comunicato che ero stata scelta per essere Pat. Ho fatto salti di gioia, ho abbracciato mamma e papà e sono stata orgogliosa».

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Come nasce un romanzo? Per gli “Autoracconti d’Autore” di Letteratitudine, DONATELLA DI PIETRANTONIO racconta il suo romanzo L’ARMINUTA (Einaudi)

romanzo vincitore del: Premio Selezione Campiello 2017 e del Premio “Alassio Centolibri 2017

Donatella di Pietrantonio ci parla de “L’Arminuta” offrendo a Letteratitudine un racconto inedito delizioso e toccante

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di Donatella Di Pietrantonio

Ero bambina, abitavo con la mia famiglia in un piccolo borgo del teramano, ai confini con la provincia di Pescara. Sopra di noi il Monte Camicia, così vicino da non poterne vedere la vetta. Era una contrada remota, non arrivava mai nessuno fin lì, il sentiero che portava alle case era battuto solo dai pochi abitanti. I parenti venivano in occasione della trebbiatura in estate e dell’uccisione del maiale in inverno. Erano quelli gli eventi più importanti dell’anno.

La sera, davanti alla fiamma vivace del camino, gli adulti raccontavano storie, ma vere. Nel debole chiarore del lume ad acetilene noi bambini ascoltavamo, seduti su bassi sgabelli di legno. Una volta li sentimmo parlare di una famiglia povera e numerosa che aveva ceduto l’ultimo nato a una coppia di parenti sterili. Dicevano che lu cìtile era fortunato perché quelli che lo avevano preso tenevano la roba. Molti ettari di terreno, numerosi capi di bestiame nelle stalle, il casolare rimesso a nuovo. Abitavano vicino al paese e gli avrebbero inzuccherato la bocca al piccolino, così diceva una mia zia acquisita.

“Stai attenta tu, con quella lingua lunga” ammonì poi voltandosi dalla mia parte.

Cosa intendeva, che potevo essere data pure io? Aveva suggerito più di una volta a mia madre di prendere provvedimenti nei miei confronti, “non sta bene che essa risponde”. Rispondere agli adulti equivaleva a mancargli di rispetto.

In estate conobbi un cugino di mio padre, molto più giovane di lui. Sembrava triste, sotto il cappello la fronte già segnata da una ruga profonda a forma di emme. Era venuto a trovarci insieme ai suoi genitori e non gli somigliava affatto. Loro molto scuri di carnagione e capelli, lui pallido e con la testa bianca, dietro gli occhiali le iridi di un azzurro così chiaro da sembrare trasparenti. Al mio stupore per quel suo aspetto gracile, da vecchietto precoce, mio padre rispose tranquillo:

“Non gli somiglia no agli zii, mica è il figlio. Gliel’hanno dato certi parenti alla lontana, quando teneva una decina d’anni. A essi le creature non gli venivano”.

La rivelazione mi tolse il sonno, trasformò ai miei occhi un evento eccezionale in pratica comune. Prima quel neonato di cui parlavano nelle sere d’inverno, poi il cugino Settimio.

Il suo nome raccontava quanti erano nati prima di lui nella famiglia che poi l’aveva ceduto, ma il suo soprannome era “occhi bianchi”. Mio padre non era legato a lui come agli altri cugini, che trattava quasi da fratelli. Settimio era considerato un diverso, un malato, uno che mai avrebbe potuto dare una mano nei campi. Pochi minuti di esposizione al sole erano sufficienti a ustionarlo. Veniva sempre lasciato a casa, sia nella prima che nella seconda famiglia, “sennò si coce”, dicevano. Era albino, ma non potevo saperlo. Sapevo invece che altri due fratelli erano nati dopo di lui, ma erano stati tenuti in famiglia. I suoi non l’avevano dato in quanto poveri o troppi, ma per la sua bianchezza e inabilità al lavoro. I genitori adottivi l’avevano preso lo stesso, erano già un po’ in là con gli anni e un figlio lo volevano a tutti i costi. Come bastone per la vecchiaia, diceva mia madre, sarebbe andato bene pure “occhi bianchi”.

Lo vedevamo di rado, Settimio, solo a qualche cerimonia che riuniva il parentado. Matrimoni, funerali. All’aperto portava sempre il cappello. Provavo pena per lui, con quella emme di tristezza indelebile sulla fronte. La storia sua e di quel neonato agitava i miei sonni. La condizione di figli non era sicura. Per restare figli occorrevano dei requisiti e io non ero più certa di possederli tutti. Ero troppo magra, per esempio. Un nostro vicino diceva che prima o poi il vento si sarebbe infilato sotto la mia gonna e sarei volata via, così leggera. Ma soprattutto l’eccessiva magrezza dava l’impressione che anch’io fossi troppo debole per aiutare nei lavori domestici.

“Tua figlia è buona solo per la scuola”, mio nonno paterno lo rinfacciava spesso a mia madre.

Sono trascorsi decenni da allora. Il vento non mi ha portata via e i miei genitori mi hanno sostenuta negli studi. Di tanto in tanto ho chiesto notizie di Settimio, che non incontravo quasi mai. Si era sposato e aveva avuto due figli, un maschio e una femmina. Deve averli molto amati, i parenti lo criticavano per questo: “sta sempre appresso a essi”. Solo al mare non poteva accompagnarli, anche con il cappello era troppo rischioso.

Nonostante tutte le attenzioni se n’è andato qualche tempo fa, per un tumore della pelle. La testa bianca era ormai giusta per la sua età e sulla fronte la ruga a emme si era distesa nella falsa serenità della morte. “L’Arminuta” è dedicata anche a lui.

(Riproduzione riservata)

© Donatella Di Pietrantonio

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La scheda del libro

Per raccontare gli strappi della vita occorrono parole scabre, schiette. Di quelle parole Donatella Di Pietrantonio conosce il raro incanto. La sua scrittura ha un timbro unico, una grana spigolosa ma piena di luce, capace di governare con delicatezza una storia incandescente.

«Ero l’Arminuta, la ritornata. Parlavo un’altra lingua e non sapevo piú a chi appartenere. La parola mamma si era annidata nella mia gola come un rospo. Oggi davvero ignoro che luogo sia una madre. Mi manca come può mancare la salute, un riparo, una certezza»

Ci sono romanzi che toccano corde cosí profonde, originarie, che sembrano chiamarci per nome. È quello che accade con L’Arminuta fin dalla prima pagina, quando la protagonista, con una valigia in mano e una sacca di scarpe nell’altra, suona a una porta sconosciuta. Ad aprirle, sua sorella Adriana, gli occhi stropicciati, le trecce sfatte: non si sono mai viste prima. Inizia cosí questa storia dirompente e ammaliatrice: con una ragazzina che da un giorno all’altro perde tutto – una casa confortevole, le amiche piú care, l’affetto incondizionato dei genitori. O meglio, di quelli che credeva i suoi genitori. Per «l’Arminuta» (la ritornata), come la chiamano i compagni, comincia una nuova e diversissima vita. La casa è piccola, buia, ci sono fratelli dappertutto e poco cibo sul tavolo.

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Questa nuova puntata della rubica “Autori/Autrici da non dimenticare“, correlata in questa occasione a “Letteratitudine Cinema“, è dedicata alla figura di Chiara Palazzolo (Catania, 31 ottobre 1961 – Roma, 6 agosto 2012): scrittrice cresciuta a Floridia, nel siracusano.

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In occasione dei sessanta anni della scrittrice Chiara Palazzolo e a nove anni dalla sua scomparsa, le associazioni Urban Center e Cineclub Bergman, in collaborazione con Filmstudio Roma, hanno realizzato  una serata speciale dedicata alla memoria della  scrittrice di origini floridiane che, con la trilogia dei ‘sopramorti’, ha rivisitato sottogeneri quale l’horror, il gotic novel  e il fantasy contaminandoli felicemente  con  la tradizione letteraria ‘alta’.
Oltre ad un convegno dedicato all’opera della scrittrice, grazie al prezioso sostegno di Warner Bros Italia e VivoFilm, sarà proiettato in anteprima il film ‘Non mi uccidere’ (2021), diretto da Andrea De Sica, tratto dal romanzo omonimo della scrittrice che inaugura la trilogia di ‘Mirta-Luna’.
L’omaggio a Chiara Palazzolo si terrà a Floridia domenica 31 ottobre 2021,  alle ore 18.00, presso il Teatro Iris.
Il semiologo e critico letterario Salvo Sequenzia, che parteciperà al convegno e che di Chiara Palazzolo è stato amico, ha tracciato un profilo critico dell’opera della scrittrice.

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[Proponiamo l'ascolto di Chiara Palazzolo in questa breve conversazione con Massimo Maugeri (video su YouTube), dal Salone del Libro di Torino del 2011]

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CHIARA PALAZZOLO: La Sicilia, l’altro e il ‘canone strano’

di Salvo Sequenzia

«La Sicilia è un’isola per modo di dire».
Pensando a Chiara Palazzolo e ai suoi romanzi mi sovviene questa frase che dà il titolo a un fortunatissimo libro di Mario Fillioley (M. Fillioley, La Sicilia è un’isola per modo di dire, minimum fax, 2018).
Chiara Palazzolo sapeva molto bene che la Sicilia, dove la scrittrice era nata nel 1961 e aveva trascorso la sua giovinezza,  è «un’isola per modo di dire».
La Sicilia è ben altro. Questo ‘altro’ Chiara Palazzolo lo ha portato con se a Roma, la città dove ha vissuto e ha lavorato e dove è venuta a mancare nel 2012 interrompendo una felice vicenda letteraria che ha attraversato quella che Gianluigi Simonetti, passando al vaglio una densa e liquida nebulosa di opere, ha definito «la letteratura circostante»: la letteratura italiana ‘ultracontemporanea’ – quella, cioè, pubblicata nei decenni  situati a cavallo tra la fine del Novecento e il Millennio ‘00’ – intesa «come laboratorio di un distacco progressivo e irreversibile dalla tradizione del Novecento» (G. Simonetti, La letteratura circostante, Il Mulino, 2018).
Questo ‘altro’ Chiara Palazzolo lo ha consegnato ai suoi romanzi e ai suoi racconti, alla sua scrittura algida, impietosa, colta e raffinatissima  che si è spinta sino a toccare la waste land dell’anima e ad affondare nel «cuore di tenebra» dell’uomo.
Gruppi di lettura sui social, premi a lei dedicati, approfondimenti sulla sua opera e, recentemente, anche un film ispirato a uno dei suoi romanzi più fortunati (Non mi uccidere, diretto da Andrea De Sica, sceneggiato da Gianni Romoli e dal collettivo Grams e prodotto da Warner Bros Entertainment Italia e Vivo film, 2021) testimoniano l’attenzione e l’affetto che i lettori di ogni generazione, ma, soprattutto, i giovani, continuano a nutrire per la «miglior autrice di letteratura non realistica dei nostri anni» (Loredana Lipperini, “Non mi uccidere”: l’Italia gotica di Chiara Palazzolo, la Repubblica, 6 maggio 2021).
La notorietà di Chiara Palazzolo è legata alla “trilogia di Mirta-Luna” (Non mi uccidere, 2005; Strappami il cuore, 2006;  Ti porterò nel sangue, 2007), un ciclo di romanzi pubblicati dall’editore Piemme (e, recentemente, ripubblicati dal gruppo editoriale SEM) nelle cui pagine l’autrice racconta le vicende dei «sopramorti», creature uscite fuori dal suo immaginario, una sorta di Frankenstein costruito con pezzi di personaggi appartenenti all’enciclopedia horror di ogni tempo:  zombie, vampiri, mutanti e immortali.
I personaggi che popolano i romanzi di Chiara Palazzolo – dai «sopramorti» della ‘trilogia di Mirta-Luna’ alle streghe de Il bosco di Aus (Piemme, 2011), il suo ultimo romanzo ambientato in un bosco abitato da misteriose donne custodi di forze ancestrali, passando per le maschere di una borghesia residuale de La casa della festa (Marsilio, 2000), suo romanzo d’esordio, e i fantasmi della nevrosi de I bambini sono tornati (Piemme, 2003) – li incontriamo, oggi, nel mare magnum dell’immaginario Midcult e nella produzione Masscult contemporanei, disseminati nel cinema, nella letteratura, nel fumetto, nella ‘neofiction’ e nei mondi virtuali del gaming. Chiara Palazzolo, nei suoi romanzi,  ha anticipato i processi di gamification della realtà introdotti dalla cultura dei videogiochi e della tecnologia della ‘realtà aumentata’, una sorta di «reicantamento del mondo» (cfr. Jean Baudrillard, La scomparsa della realtà, Lupetti, 2009) che si dà con l’uccisione del reale, con l’illusione disumana di una eternità ‘ristretta’, soffocata nella prigione della ‘daylity’, la ‘quotidianizzazione’ del mondo secondo una ‘estetica dell’istante’ espressione di una condizione socioculturale ‘FYIN’ - “For Your Interest”, nell’interesse della gente ovunque viva nel mondo  -  che rende tutto sincrono e anacronistico al tempo stesso, appiattendo ogni esperienza del vivere in un ‘presente perennis’ che assume i connotati sinistri di un incantesimo malefico (cfr. Carmelo Strano, La riproposta. Ellenismo 3000 e il tempo della  Daytility, in https://www.fyinpaper.com).
Alla luce di una complessa ed originale ‘rimediazione di genere’ i romanzi di Chiara Palazzolo possono essere ascritti a quel «canone strano» (cfr. Carlo Mazza Galanti, Il canone strano, in Not – www.neroeditions.com)  che ha attraversato la nostra letteratura dal  Boccaccio ‘napoletano’ al Baldus di Folengo e al Pentamerone di  Basile, dal Morgante di Pulci alla letteratura ‘nera’ degli Scapigliati, da Capuana e da Pirandello ‘spiritisti’ al visionario poeta Lucio Piccolo; da Buzzati a Landolfi,  da D’Arrigo a Bonaviri, da Calvino a Manganelli.
Chiara Palazzolo, con la sua opera, si inserisce a pieno  titolo  in questo «canone strano» che anticipa le tendenze ‘Weird’ e ‘Eerie’  del New Italian Weird (cfr. M. Fisher, The Weird and the Eerie. Lo strano e l’inquietante nel mondo contemporaneo, minimum fax, 2018) e del  Novo Sconcertante Italico (cfr. M. Malvestio, in ‘Il grido’ di Luciano Funetta e i limiti del New Italian Weird – La Balena Bianca ), emergenti  nelle opere di alcuni autori coevi alla Nostra quali Alessandro Raveggi  (Nella vasca dei terribili piranha, 2012), Laura Pugno (Sirene, 2007),  Alcide Pierantozzi  (Uno indiviso, 2007) e Niccolò Amanniti (Branchie, 1994). Una giovane generazione di scrittori ha raccolto l’eredità letteraria di Chiara Palazzolo orientando ed approfondendo la propria scrittura lungo il crinale del ‘Weird and Eerie’. Si tratta di autori giovanissimi quali, fra gli altri, Luca Raimondi (L’isola delle tenebre, a c. di Raimondi, Maresca, 2020), Gregorio Magini (Cometa, 2018), Orazio Labbate (Spirdu,  2021), Veronica Raimo (Miden, 2018 ), Alberto Prunetti (108 metri, 2018) e Antonella Lattanzi (Questo giorno che incombe, 2021), che dimostrano come in Italia l’interesse per tali tematiche sia oggi vivo e fecondo.
A nutrire la pagina di Chiara Palazzolo non  c’erano soltanto il gotic novel e il fantasy, David Lynch e Cormac McCarthy. C’erano anche, e soprattutto, i classici.
Amati e coltivati, insieme alla musica classica, come un vizio di famiglia – il padre di Chiara era un  filosofo e mistico, la madre e le zie erano musiciste e musicofile di rango – la parola dei classici aleggiava nel salotto ovattato della sua dimora floridiana arroccata nel sud più sud della Sicilia, l’isola che per la scrittrice cessava di essere soltanto un’isola per divenire ‘altro’ nella fraternità del sentire e dello scrivere che marchia a fuoco la vera letteratura.

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Questa puntata la dedichiamo all’edizione 2021 del Religion Today Film Festival, che si è conclusa di recente.

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Religion Today Film Festival: la XXIVma edizione all’insegna del viaggio e del pellegrinaggio

di Alessandra Montesanto

Religion Today Film Festival è un importante appuntamento culturale che da Trento tocca altre città italiane con l’intento di approfondire il tema del dialogo interreligioso tramite una ricca proposta di opere cinematografiche e di approfondimenti culturali alla presenza di registi, scrittori, teologi, artisti.
L’edizione 2021 è stata intitolata “Nomadi nella fede”, una scelta causata dal fatto che l’umanità negli ultimi due anni, abbia dovuto affrontare una prova durissima: quella della pandemia. Il Covid-19 ha costretto le persone a chiudersi nelle proprie abitazioni, a mantenere relazioni a distanza, a non poter frequentare i luoghi di culto, a non riuscire, quindi, ad esprimere a pieno la propria spiritualità, laica o religiosa. Ecco allora il titolo “Nomadi nella fede” per richiamare tutte e tutti ad uscire, ad abbracciarsi, a pregare anche all’aperto, a fare attivismo per il Bene comune, come afferma il Direttore della manifestazione, Andrea Morghen: “questo è il significato della nostra ricerca: un viaggio volto a esplorare e creare se stessi, non il veloce approdo a risposte preconfezionate. Proponiamo il consueto viaggio tra le differenze dopo un anno di chiusura e apatia. Rimettiamoci in cammino con lo zaino gonfio di speranza e pronti per un confronto doveroso con le altre realtà che compongono il mosaico della società odierna, ferita da un’emerenza sanitaria senza precedenti ma in cui la solidarietà ed eroismo sono stati all’ordine del giorno per sconfiggere il virus dell’egoismo”.
Dal Trentino, grazie ai numerosi film che hanno arricchito il programma del Religion Today Film Festival e alla presenza di alcuni autori e produttori, è stato possibile viaggiare e conoscere da vicino situazioni spesso molto, troppo dure: ad esempio in Mother of Apostles, della regista ucraina Zaza Buadze, si raccontano le storie di madri di figli che hanno combattuto nella guerra del 2014. Una donna, in particolare, cerca il proprio figlio in uno scenario di violenza e dolore che riesce a trasformare in terra fertile e in realzioni salvifiche grazie a un viaggio interire e  ad un resiliente spirito materno. Holy bread di Rahim Zabihi è un documentario – vincitore del premio per il Miglior Documentario -  che racconta dei contrabbandieri di merci, costretti ad affrontare le impervie montagne dell’Iran trasportando sulle proprie spalle grossi sacchi da trenta o più chili, mettendo a rischio la propria vita a causa di una valanga oppure di un proiettile di un soldato. Giovani e meno giovani, gli uomini intervistati spiegano di aver fatto questa scelta, obbligati dalla miseria, dalla mancanza di lavoro e di sostegno da parte del governo, per sfamare la famiglia e dare una vita dignitosa ai propri figli. I loro volti sono segnati dalla fatica, i corpi fiaccati: lo spirito svuotato dalla mancanza di solidarietà e di attenzione da parte delle istituzioni e dalla consapevolezza di essere stati trasformati da persone a bestie.
Conflitti, discriminazioni, povertà e anche diritti violati delle donne: Rudhira narra la vicenda di Ganga che vive in un piccolo villaggio rurale del Karnataka, in India e, ogni volta che ha il ciclo mestruale, viene mandata fuori di casa per tre giorni, senza servizi, perchè considerata impura. Madhu Ranganath racconta, nella forma del cortometraggio e con grande delicatezza, questa storia che appartiene a Ganga, ma anche a tutte le altre donne soggette ad una tradizione ancora arcaica, donne che spesso, a causa di questa pratica, rischiano addirittura di morire.
Occhi aperti, quindi, per il Religion Today Film Festival che invita i frequentatori ad avvicinarsi con grande serenità e apertura verso gli Altri che, lontani o vicini che siano, fanno parte di noi, in quello scambio di mente e cuore che contraddistingue l’Uomo e la sua evoluzione.

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Credo che sia molto importante, oggi, lavorare con le ragazze e i ragazzi e, per questo, propongo, per le scuole, laboratori anche in Dad di Cinematografia, sul linguaggio filmico e sui temi che, di volta in volta, si vorranno affrontare.

Alessandra Montesanto: (lale.monte@gmail.com – peridirittiumani.com)

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La 78ª edizione della Mostra internazionale d’arte cinematografica si è svolta al Lido di Venezia dal 1º all’11 settembre 2021, diretta da Alberto Barbera e organizzata dalla Biennale presieduta da Roberto Cicutto. Il film d’apertura è stato Madres paralelas di Pedro Almodóvar, mentre Il bambino nascosto di Roberto Andò è stato quello di chiusura.
La giuria internazionale del concorso, presieduta dal regista sudcoreano Bong Joon-ho, ha assegnato il Leone d’oro al miglior film, con voto unanime, al francese L’Événement di Audrey Diwan.
La madrina dell’edizione è stata Serena Rossi.

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I PREMI
Premi della selezione ufficiale

Leone d’oro al miglior film: L’Événement, regia di Audrey Diwan
Leone d’argento – Gran premio della giuria: È stata la mano di Dio, regia di Paolo Sorrentino
Leone d’argento per la miglior regia: Jane Campion per Il potere del cane (The Power of the Dog)
Coppa Volpi per la migliore interpretazione femminile: Penélope Cruz per Madres paralelas
Coppa Volpi per la migliore interpretazione maschile: John Arcilla per On the Job 2: The Missing 8
Premio Osella per la migliore sceneggiatura: Maggie Gyllenhaal per The Lost Daughter
Premio speciale della giuria: Il buco, regia di Michelangelo Frammartino
Premio Marcello Mastroianni ad un attore o attrice emergente: Filippo Scotti per È stata la mano di Dio

Premi alla carriera
Leone d’oro alla carriera: Roberto Benigni e Jamie Lee Curtis
Premio Jaeger-LeCoultre Glory to the Filmmaker: Ridley Scott

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Nuova puntata di

In questa puntata ci occupiamo di Richard Jewell: film del 2019 diretto da Clint Eastwood e basato, appunto, sulla storia della guardia Richard Jewell.

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Richard Jewell

di Alessandra Montesanto

E’ un vecchio saggio, Clint Eastwood: lunga vita e lunga carriera come attore, regista e sceneggiatore può permettersi di guardare in faccia la realtà americana – che ha attraversato in tutte le sue sfaccettature, anche dal punto di vista delle opinioni politiche – e di criticarla con la lucida ferocia di chi ha visto e conosciuto tanto.
La sua ultima pellicola si intitola Richard Jewell, dalle generalità del protagonista la cui vicenda reale risale al 1996, anno in cui ad Atlanta si disputano i Giochi Olimpici. Richard è un trentenne sovrappeso, poco smart, fortemente legato alla propria madre – con cui vive – e al suo mestiere di sorvegliante. Durante un raduno per la competizione sportiva al Centennial Park della sua città, l’uomo vede uno zaino sospetto, abbandonato sotto una panchina, e fa partire i protocolli per la messa in sicurezza dell’area, scongiurando una strage. Ma proprio  a causa del suo aspetto bonario, un po’ eccentrico (agli occhi degli omologati), Richard diventa il principale sopettato per l’FBI ed entra, così, in una spirale di sospetti, accuse, minacce e paura.
Vive un momento di forte celebrità, grazie a questo suo atto eroico, lui che fino a poco tempo prima studiava attentamente il codice penale, era appassionato di armi da caccia e videogames, ed era convinto di essere un ottimo tutore dell’ordine per la sua devozioe assoluta al senso del dovere, spinto a questo dal cocente desiderio di diventare poliziotto: insomma, l’emblema dell’Americano medio. Proprio queste sue caratteristiche lo fanno rientrare nel profilo del cittadino ottuso, maniacale e frustrato che farebbe di tutto per quell’attimo di gloria, anche diventare un attentatore solitario.

Ancora una volta Eastwood decide da che parte stare e, ancora una volta, si pone dalla parte del debole: un uomo comune, quasi patetico nel suo essere ingenuo e fiducioso, un “anima candida”, come le definiva Voltaire. Ma un’anima candida cresciuta nell’America profonda, quella della provincia (e non solo), cinica, senza scrupoli, inebetita dalle notizie mainstream, dagli spot pubblicitari e da una comunicazione politica manipolatoria. Il mondo di Richard è composto da una madre in là con l’età, da un amico disoccupato e, a seguire, da un avvocato di poco successo accompagnato da una segretaria-fidanzata di origine russa (e qui sta l’ironia e l’accenno interculturale del plot). Ancora una volta si parla di anti-eroi, quindi.
Trascorrono ben sei anni di persequisizioni, interrogatori estenuanti, ricerca delle prove e vediamo inquadrato un tizio obeso che mangia una ciambella, seduto al tavolo di un diner che crolla psicologicamente ma poco dopo, presso una stazione di Polizia, lo ritroviamo con la divisa tanto agognata: Richard viene a sapere dal suo avvocato che il vero attentatore è stato catturato. Richard è stato prosciolto da ogni accusa (e morirà un paio di anni dopo la notizia a causa di un infarto dovuto al suo pessimo regime alimentare).
Da una parte l’autorità, dall’altra i cittadini, più o meno professionisti e inseriti nel tessuto sociale; Richard applica alla lettera il protocollo di sicurezza, il suo avvocato – senza clienti perchè un altro personaggio anti-sistema – non impronta un’aggressiva strategia di difesa, la madre rimane sconvolta dal fatto che le abbiano perquisito anche i contenitori per il cibo: l’FBI troneggia, invece, in tutta la sua arroganza e superificialità dettata dalla fretta di voler chiudere il caso e dai pregiudizi. Giustizia cieca, quella di uno Stato preopotente, che delle persone mediocri fa carne da macello invece di curarne le fragilità umane ed esistenziali, tema questo ricorrente nella Cinematografia del cineasta: ricordiamo American sniper, Sully, Attacco al treno, Gran Torino, per citare solo alcuni esempi.
La regia ipercontrollata, il montaggio classico (ricordiamo l’alternanza tra le ricerche dell’avvocato  e la corsa da record mondiale di Michael Johnson, lui sì che si riscatta con la partecipazione alla gara dei 200 metri!) fanno di Richard Jewell un film da manuale, che non perde però la capacità di emozionare, anzi di indignare chi è ancora in grado di farlo.
Non da meno, in quanto a supponenza, sono gli esponenti dei mass-media e della Cultura, come il giornalista e il rettore universitario che dovrebbero essere in grado di approfondire i fatti e cercare la verità e invece fanno parte dello stesso girone economico-politico-sociale che appiattisce la coscienza. “Look at you”, “Guardati”, dice Bryant Watson a Richard dopo tanto tempo da quella grave disavventura legale: non lasciare che lo sguardo impietoso cada su di te e ti giudichi, ma osservati per quello che sei diventato e impara ad amarti. Grazie Clint, ancora una volta.

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Il trailer ufficiale di “Richard Jewell”

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Credo che sia molto importante, oggi, lavorare con le ragazze e i ragazzi e, per questo, propongo, per le scuole, laboratori anche in Dad di Cinematografia, sul linguaggio filmico e sui temi che, di volta in volta, si vorranno affrontare.

Alessandra Montesanto: (lale.monte@gmail.com – peridirittiumani.com)

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La 76ª edizione dei Nastri d’argento si è svolta il 22 giugno 2021 presso il MAXXI – Museo nazionale delle arti del XXI secolo di Roma.
Rispetto alle edizioni precedenti il premio al miglior produttore viene associato ai film in competizione come migliore opera e commedia. In conseguenza alle limitazioni imposte dalla Pandemia di COVID-19 in Italia diverse sono le produzioni uscite in piattaforma e televisione.

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Vincitori e candidati

I vincitori sono indicati in grassetto, a seguire gli altri candidati.

Miglior film

• Le sorelle Macaluso, regia di Emma Dante
  • Assandira, regia di Salvatore Mereu
  • Cosa sarà, regia di Francesco Bruni
  • Lei mi parla ancora, regia di Pupi Avati
  • Non mi uccidere, regia di Andrea De Sica

Miglior regista

• Emma Dante – Le sorelle Macaluso
  • Pupi Avati – Lei mi parla ancora
  • Francesco Bruni – Cosa sarà
  • Antonio Capuano- Il buco in testa
  • Edoardo Ponti – La vita davanti a sé

Miglior regista esordiente

• Pietro Castellitto – I predatori
  • Maura Delpero – Maternal
  • Nunzia De Stefano – Nevia
  • Carlo Hintermann – The Book of Vision
  • Gianluca Jodice – Il cattivo poeta
  • Mauro Mancini – Non odiare

Miglior film commedia

• L’incredibile storia dell’Isola delle Rose, regia di Sydney Sibilia
  • Genitori vs influencer, regia di Michela Andreozzi
  • Si vive una volta sola, regia di Carlo Verdone
  • Sul più bello, regia di Alice Filippi
  • Tutti per 1 – 1 per tutti, regia di Giovanni Veronesi

Miglior soggetto

• Claudio Noce, Enrico Audenino – Padrenostro
  • Vincenzo Marra – La volta buona
  • Chiara Bellosi – Palazzo di giustizia
  • Alessandro Grande, Mariano Di Nardo – Regina
  • Marcello Sannino, Guido Lombardi, Massimiliano Virgilio, Giorgio Caruso – Rosa pietra stella

Migliore sceneggiatura

• Francesco Bruni, Kim Rossi Stuart – Cosa sarà
  • Michael Zampino, Heidrun Schleef, Giampaolo Rugo – Governance – Il prezzo del potere
  • Emma Dante, Elena Stancanelli, Giorgio Vasta – Le sorelle Macaluso
  • Sydney Sibilia, Francesca Manieri – L’incredibile storia dell’Isola delle Rose
  • Pietro Castellitto – I predatori

Migliore attore protagonista

• Kim Rossi Stuart – Cosa sarà
  • Pierfrancesco Favino – Padrenostro
  • Sergio Castellitto – Il cattivo poeta
  • Alessandro Gassmann – Non odiare
  • Fabrizio Gifuni – La belva

Migliore attrice protagonista

• Teresa Saponangelo – Il buco in testa
  • Valeria Bruni Tedeschi – Gli indifferenti
  • Valeria Golino – Fortuna e Lasciami andare
  • Alba Rohrwacher – Lacci
  • Daphne Scoccia – Palazzo di giustizia

Migliore attore non protagonista

• Massimo Popolizio – I predatori
  • Fabrizio Gifuni – Lei mi parla ancora
  • Vinicio Marchioni – Governance – Il prezzo del potere
  • Michele Placido – Calibro 9
  • Francesco Patanè – Il cattivo poeta

Migliore attrice non protagonista

• Sara Serraiocco – Non odiare
  • Linda Caridi – Lacci
  • Carolina Crescentini – La bambina che non voleva cantare
  • Donatella Finocchiaro – Il delitto Mattarella
  • Raffaella Lebboroni – Cosa sarà
  • Pina Turco – Fortuna

Migliore attore in un film commedia

• Elio Germano – L’incredibile storia dell’Isola delle Rose
  • Fabio De Luigi – 10 giorni con Babbo Natale
  • Simone Liberati – L’amore a domicilio
  • Nando Paone – Il ladro di cardellini
  • Eduardo Scarpetta – Carosello Carosone
  • Fabio Volo – Genitori vs influencer

Migliore attrice in un film commedia

• Miriam Leone – L’amore a domicilio ex-aequo Valentina Lodovini – 10 giorni con Babbo Natale
  • Antonella Attili – Il ladro di cardellini
  • Eugenia Costantini – La tristezza ha il sonno leggero
  • Loretta Goggi – Burraco fatale e Glassboy

Migliore fotografia

• Daniele Ciprì – Il cattivo poeta
  • Francesca Amitrano – La tristezza ha il sonno leggero
  • Tani Canevari – Tutti per 1 – 1 per tutti
  • Francesco Di Giacomo – Non mi uccidere
  • Gherardo Gossi – Le sorelle Macaluso

Migliore scenografia

• Tonino Zera – L’incredibile storia dell’Isola delle Rose
  • Giada Calabria – Gli indifferenti
  • Marcello Di Carlo – Il mio corpo vi seppellirà
  • Emita Frigato – Le sorelle Macaluso
  • Maurizio Sabatini – La vita davanti a sé

Migliori costumi

• Andrea Cavalletto – Il cattivo poeta
  • Alessandro Lai – Tutti per 1 – 1 per tutti
  • Maria Cristina La Parola – Il mio corpo vi seppellirà
  • Nicoletta Taranta – L’incredibile storia dell’Isola delle Rose
  • Mariano Tufano – The Book of Vision

Migliore montaggio

• Benni Atria – Le sorelle Macaluso
  • Massimo Fiocchi – Lasciami andare
  • Pietro Lassandro – The Book of Vision
  • Paola Freddi, Antonio Cellini – Assandira
  • Pietro Morana – Non mi uccidere

Migliore sonoro in presa diretta

• Gianluca Costamagna – Le sorelle Macaluso
  • Carlo Missidenti – Lacci
  • Valentino Giannì – Padrenostro
  • Francesco Liotard – Lasciami andare
  • Alessandro Palmerini, Alessandro Zanon – I predatori

Migliore colonna sonora

• Stefano Bollani – Carosello Carosone
  • Michele Braga – L’incredibile storia dell’Isola delle Rose, Shadows
  • Davide Caprelli – Est – Dittatura Last Minute
  • Andrea Farri, Andrea De Sica – Non mi uccidere
  • Pivio e Aldo De Scalzi – Non odiare

Migliore canzone originale

• Io sì (Seen) – Testo e musica Laura Pausini, Niccolò Agliardi e Diane Warren, interpretazione Laura Pausini – La vita davanti a sé
• Cerotti – Testo e musica Federico Zampaglione, Gazzelle, interpretazione Tiromancino – Morrison
• Gli anni davanti – Testo, musica e interpretazione Pacifico – Genitori vs influencer
• Magic – Testo e musica Greta Mariani e Alessandro Molinari, interpretazione Greta Mariani – Addio al nubilato
• Sul più bello – Testo Andrea De Filippi, musica Andrea De Filippi e Lorenzo Milano, interpretazione Alfa – Sul più bello

Premi speciali

Nastro di platino

• Sophia Loren – La vita davanti a sé

Nastro speciale 75

• Renato Pozzetto – Lei mi parla ancora

Cameo dell’anno

• Giuliano Sangiorgi – Tutti per 1 – 1 per tutti

Nastro d’argento europeo

• Colin Firth

FARE CINEMA 2021: REBOOT – IL CINEMA ITALIANO RIPARTE / 14 – 20 GIUGNO 2021

Un’intera settimana dedicata ai mestieri della Settima Arte e alla promozione dell’industria cinematografica nazionale, con film, documentari, cortometraggi e incontri trasmessi in streaming sul portale della Farnesina italiana, su MyMovies e attraverso la rete di Ambasciate, Consolati e Istituti Italiani di Cultura nel mondo.

Dal 14 al 20 giugno si tiene la quarta edizione di Fare Cinema, rassegna dedicata al cinema italiano all’estero promossa dalla Farnesina in collaborazione con Ministero della Cultura, ANICA, Agenzia ICE e Istituto Luce – Cinecittà. Una manifestazione che fin dal titolo (Reboot – Il cinema italiano riparte) punta a sottolineare la straordinaria capacità di reazione dimostrata dall’industria cinematografica italiana di fronte alla crisi legata alla pandemia. E che, come sempre, rivolgerà una particolare attenzione ai mestieri del cinema, con una serie di produzioni originali realizzate con i partner dell’iniziativa, con sottotitoli in inglese o in più lingue.

Anche quest’anno Fare Cinema si svolgerà online: canali privilegiati saranno italiana, il portale del Ministero degli Affari Esteri e della Cooperazione Internazionale dedicato alla promozione della lingua, della cultura e della creatività italiana nel mondo, con accesso gratuito e libero, e la piattaforma MyMovies.

Sul Vimeo di italiana troveremo i cinque titoli finalisti nella categoria “Miglior Cortometraggio” dei Premi David di Donatello 2021 (Italian Screens con l’Accademia del cinema italiano e ANICA), i tre documentari inediti del Salone Internazionale del Libro di Torino che raccontano il passaggio di grandi romanzi dalla carta allo schermo (Book To Screen) e la serie completa dei film realizzati per il progetto MAECI-Anica Corti d’Autore. E ancora videoclip, interviste e incontri che daranno la parola ai protagonisti dell’industria dell’audiovisivo (Reboot/Il nuovo abbraccio del cinema, con Fondazione Cinema per Roma e per la curatela di Mario Sesti).

A partire dal 14 giugno, per una durata di sei settimane, prenderà inoltre il via la rassegna Oltre lo schermo, curata da Audiovisiva (audiovisiva.org): 15 documentari che raccontano i mestieri del cinema italiano, accessibili su piattaforma dedicata attraverso i siti web degli Istituti Italiani di Cultura e il portale italiana.

Inoltre, nei giorni di Fare Cinema, Istituti di Cultura, Ambasciate e Consolati offriranno proiezioni online gratuite tramite la piattaforma MyMovies (www.mymovies.it/ondemand/iic/) con le storie di imprenditoria e di eccellenza di Biopic TV (Rai.com e MoviHeart) e la rassegna Con la macchina da presa, organizzata in collaborazione con True Colours.

Il cinema italiano si conferma così uno straordinario strumento di narrazione del Paese nella sua interezza e nella sua varietà, come appare anche dalle mille meravigliose location di ItalyForMovies (italyformovies.it).

Fare Cinema culminerà sabato 19 giugno con la celebrazione della seconda Giornata Mondiale del Cinema Italiano.

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I contenuti di FARE CINEMA 2021

ITALIAN SCREENS
I cortometraggi dei Premi David di Donatello 2021

Per celebrare la Giornata Mondiale del Cinema Italiano, Fare Cinema presenterà sul canale Vimeo del portale italiana i cinque titoli finalisti nella categoria “Miglior Cortometraggio” dei David di Donatello 2021, la cui cerimonia di premiazione si è svolta lo scorso 11 maggio. L’iniziativa è frutto della collaborazione del Ministero degli Affari Esteri e della Cooperazione Internazionale con l’Accademia del Cinema Italiano e con ANICA. I cinque cortometraggi rimarranno disponibili per l’intera durata della rassegna, dal 14 al 20 giugno, su vimeo.com/italianaesteri.

I film:

Gas Station di Olga Torrico
Il gioco di Alessandro Haber
L’oro di famiglia di Emanuele Pisano
Shero di Claudio Casale
Anne di Domenico Croce e Stefano Malchiodi (vincitore del David di Donatello 2021 per il miglior cortometraggio)
(Sottotitoli in inglese, francese, spagnolo)

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REBOOT / IL NUOVO ABBRACCIO DEL CINEMA
Dalla resilienza alla ripartenza: video, interviste, incontri

La parola ai protagonisti dell’industria cinematografica italiana, in una serie di brevi clip e di incontri online. In collaborazione con la Fondazione Cinema per Roma, a cura di Mario Sesti, Reboot presenta una fotografia dello stato dell’arte del cinema e dei suoi mestieri oggi in Italia, attraverso una selezione di video-interviste (sottotitolate in inglese, francese, spagnolo, tedesco, portoghese, arabo, russo e cinese) a Pierfrancesco Favino, Mirko Perri, Daniele Ciprì, Fabio Lovino, Pietro Valsecchi, Massimo Cantini Parrini, Anna Foglietta, Maricetta Lombardo, Daniele Luchetti e Nicola Guaglianone. I due video de Il nuovo abbraccio del cinema ci riportano invece al difficile momento che abbiamo vissuto negli ultimi mesi e alle sfide lanciate al mondo del cinema dalla pandemia, attraverso le testimonianze di autori, produttori e attori come Francesca Cima, Sergio Castellitto, Paola Cortellesi, Liliana Cavani, Cristina Donadio, Claudio Giovannesi, Edoardo Leo, Riccardo Milani, Sara Serraiocco, Pietro Valsecchi e Carlo Verdone. Grazie alla collaborazione con Fondazione Cinema per Roma e di concerto con gli Istituti Italiani di Cultura della Farnesina, saranno trasmessi anche alcuni incontri che si sono svolti online nelle scorse settimane: conversazioni in cui professionisti italiani hanno dialogato con esponenti del mondo del cinema e della cultura locali, individuati dalle Sedi di riferimento. I video Reboot e Il nuovo abbraccio del cinema e gli incontri saranno disponibili su vimeo.com/italianaesteri.

Gli incontri:

IIC Amburgo: Fabio e Damiano D’Innocenzo (registi) e Carlo Chatrian (Direttore del Festival di Berlino)
IIC Atene: Adele Tulli (regista) e Alessandro Siliotopoulos (regista)
IIC Dakar: Nicoletta Taranta (costumista) e Omou Sy (costumista, stilista)
IIC Lubiana: Paola Mammini (sceneggiatrice) e Branko Završan (attore)
IIC San Paolo: Leonardo Fasoli (sceneggiatore) e Flavia Guerra (giornalista)
IIC Toronto: Saverio Costanzo (regista) e Jerry Ciccoritti (regista)
(Ciascun incontro ha sottotitoli in lingua locale)

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CON LA MACCHINA DA PRESA
Un festival dei mestieri del cinema

Sei film di recente produzione, selezionati allo scopo di mettere in rilievo i diversi mestieri del cinema e messi a disposizione gratuita del pubblico degli Istituti Italiani di Cultura grazie a un accordo con il distributore True Colours. Le opere saranno disponibili su MyMovies per l’intera durata di Fare Cinema, dal 14 al 20 giugno.

I film:

Fortuna di Nicolangelo Gelormini, 2020
Il vizio della speranza di Edoardo De Angelis, 2018
Sembra mio figlio di Costanza Quatriglio, 2018
I moschettieri del re di Giovanni Veronesi, 2018
Il sindaco del rione sanità di Mario Martone, 2019
Puntasacra di Francesca Mazzoleni, 2020 (solo in alcuni paesi)
(Sottotitoli in inglese, francese e spagnolo)

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OLTRE LO SCHERMO
15 documentari raccontano il cinema italiano dietro le quinte

Alida Valli e Lina Wertmüller, Federico Fellini e Luchino Visconti, Dante Ferretti e Nino Rota. Sono alcuni dei protagonisti di Oltre lo schermo, la rassegna realizzata in collaborazione con la piattaforma Audiovisiva (audiovisiva.org), unica realtà italiana presente in Eurovod, che porta in streaming una selezione di quindici documentari sui mestieri del cinema, fruibile gratuitamente dal pubblico internazionale attraverso la rete degli Istituti Italiani di Cultura e il portale italiana. Un viaggio alla scoperta del cinema italiano dietro le quinte, dai set di film leggendari ai registi più famosi, insieme a tanti straordinari professionisti “nascosti”, senza i quali la magia del cinema non sarebbe possibile. I film saranno disponibili dal 14 giugno e – dopo la conclusione di Fare Cinema – fino al 25 luglio.

I film:

Alida di Mimmo Verdesca, 2020
Handmade Cinema di Guido Torlonia, 2012
Gli angeli nascosti di Luchino Visconti di Silvia Giulietti, 2007
Acqua e zucchero. Carlo di Palma, i colori della vita di Fariborz Kamkari, 2016
Dietro gli occhiali bianchi di Valerio Ruiz, 2015
Citizen Rosi di Didi Gnocchi e Carolina Rosi, 2019La morte legale. Giuliano Montaldo racconta la genesi del film Sacco e Vanzetti di Silvia Giulietti e Giotto Barbieri, 2018
I ragazzi della Panaria di Nello Correale, 2004
L’ultimo Gattopardo. Ritratto di Goffredo Lombardo di Giuseppe Tornatore, 2010
Segretarie. Una vita per il cinema di Raffaele Rago e Daniela Masciale, 2019
Flaiano: il meglio è passato di Giancarlo Rolandi e Steve Della Casa, 2010
Un amico magico. Il maestro Nino Rota di Mario Monicelli, 1994
Dante Ferretti. Scenografo italiano di Gianfranco Giagni, 2010
L’abito e il volto. Incontro con Piero Tosi di Francesco Costabile, 2008
As Time Goes by. L’uomo che disegnava sogni di Simone Aleandri, 2018
Sottotitoli in italiano, italiano per non udenti, inglese, francese e spagnolo)

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BOOK TO SCREEN
Dalla carta alla serie: i casi Montalbano, Gomorra e L’amica geniale

In collaborazione con il Salone Internazionale del Libro di Torino, tre documentari che raccontano il processo di realizzazione di serie televisive tratte da altrettanti libri di successo: la saga del “Commissario Montalbano” di Andrea Camilleri, Gomorra di Roberto Saviano e L’amica geniale di Elena Ferrante. Attraverso interviste agli autori, editori, registi, attori, produttori e al direttore del Salone Internazionale del Libro, Nicola Lagioia, Book To Screen racconta le caratteristiche necessarie per trasportare un bestseller sul piccolo e grande schermo. Oltre a essere resi disponibili sul canale Vimeo di italiana (vimeo.com/italianaesteri), i film saranno diffusi sui canali digitali del Salone Internazionale del Libro di Torino. E ogni documentario creerà un ponte con il futuro, anticipando un’altra serie o film di prossima produzione con un’intervista agli autori e alle autrici il cui libro è stato opzionato nei diritti per la trasposizione: Sarah. La ragazza di Avetrana (Fandango) di Flavia Piccinini e Carmine Gazzanni, Nata per te. Storia di Alba raccontata fra noi (Einaudi) di Luca Trapanese e Luca Mercadante e Il treno dei bambini (Einaudi) di Viola Ardone.

I film:

L’amica geniale + Sarah. La ragazza di Avetrana
Gomorra + Nata per te. Storia di Alba raccontata fra noi
Il commissario Montalbano + Il treno dei bambini
(Sottotitoli in inglese)

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CORTI D’AUTORE
Sei sguardi per una nuova narrazione dell’Italia nel mondo

Sviluppato dalla Direzione Generale per la Promozione del Sistema Paese della Farnesina in partenariato con ANICA, il progetto Corti d’Autore ha portato alla realizzazione di sei cortometraggi inediti focalizzati su diverse macro-aree artistiche e creative: dal design alla letteratura (in occasione del 700° anniversario dalla morte di Dante Alighieri), dallo spettacolo dal vivo alla cura del patrimonio culturale. I film sono stati selezionati da una giuria formata da personalità del mondo dell’audiovisivo italiano (Maria Pia Ammirati, Piera Detassis, Monica Maggioni, Ludovica Rampoldi e Gabriele Salvatores) e per la prima volta – in occasione di Fare Cinema – l’intero ciclo sarà reso disponibile sul canale Vimeo del portale italiana (dove i Corti rimarranno disponibili anche dopo la conclusione della rassegna).

I film:

Noi italiani parliamo con le mani di Carlo Poggioli
Dolente Bellezza di Roberto Recchioni (già lanciato in occasione del Dantedì)
Guardami così di Edoardo De Angelis
Rigoletto a Circo Massimo di Enrico Parenti (già pubblicato in occasione della Giornata Mondiale del Teatro)
Azione di Manlio Castagna
l sole e le altre stelle di Caterina Carone
(Sottotitoli in italiano, inglese, francese, spagnolo)

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BIOPIC TV
Storie di imprenditoria e di eccellenza

In collaborazione con RAI Com e MoviHeart, arricchiscono il programma di Fare Cinema due fiction che mettono in risalto la capacità creativa e imprenditoriale del nostro paese e che hanno ottenuto ottimi riscontri di pubblico al loro passaggio televisivo: Enrico Piaggio, un sogno italiano (2019) con Alessio Boni e Violante Placido, dedicato alla vita dell’imprenditore toscano, e Luisa Spagnoli (2016) con Luisa Ranieri, miniserie in due puntate sulla biografia della fondatrice della Perugina. Entrambi i titoli saranno disponibili dal 14 al 20 giugno su MyMovies.

I film:

Enrico Piaggio, un sogno italiano di Umberto Marino, 2019
Luisa Spagnoli di Lodovico Gasparini, 2016
(Sottotitoli in inglese)

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Nuova puntata di

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In questa puntata ci occupiamo di “Nomadland”: film del 2020 diretto da Chloé Zhao con protagonista Frances McDormand, vincitore del Leone d’oro alla 77ª Mostra internazionale d’arte cinematografica di Venezia, del Golden Globe per il miglior film drammatico e per la miglior regista e di tre Premi Oscar per il miglior film, la miglior regia e la migliore attrice protagonista.

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Nomadland: la libertà autentica al posto del neoliberismo

di Alessandra Montesanto

1988, Nevada. Fern ha da poco perso il marito a causa di una lunga malattia. La fabbrica in cui entrambi lavoravano ha chiuso i battenti e lei si ritrova donna di mezza età, sola e senza occupazione, ma non si dà per vinta, vive di lavori precari presso la grande azienda di distribuzione di prodotti commerciali (che sfrutta i dipendenti) e una catena di magazzini che sembrano una città nella città. Fern è eccentrica, inquieta e brusca come i suoi capelli e le sue rughe e vive in un furgone malandato come la sua esistenza e quella degli altri emarginati come lei.
Basato sull’omonimo romanzo della giornalista di inchiesta Jessica Bruder, Nomadland è il film vincitore del premio Oscar 2021 e di due Golden Globe della regista cinese (americana di adozione) Chloé Zhao, conosciuta dalla critica cinematografica per il film precedente The river-Il sogno di un cowboy e che in questo ultimo lavoro continua il suo percorso antropologico, culturale e geografico nell’America profonda, smarrita e ammaccata dalla politica trumpiana dello status-quo, dell’arrivismo, della disuguaglianza.
Si sposta con un van, la protagonista, di parcheggio in parcheggio, di paesi in paesi, sulla strada e tra gli spazi ampi che riconducono all’epica western dove, oggi, i nativi sono i diseredati, i nuovi poveri, gli ammalati e gli yenkee sono gli imprenditori anche loro vittime del neoliberismo sfrenato dove esiste solo chi produce e chi produce lo fa grazie alla guerra con il concorrente, guerra estremizzata fino all’ultimo respiro. Ma poi anche le fabbriche e le aziende chiudono e ci si ritrova come ad Empire, nella contea di riferimento, di acciaio, lamiera e prefabbricati, emblema del fallimento dell’Occidente e dei suoi falsi valori.
Fern raccoglie pietre dal parco per rivenderle al mercatino improvvisato; ascolta le confidenze della nomade Swankie condannata dalla malattia e priva di cure adeguate; cerca di ricucire la ruota bucata del suo mezzo come le ferite del suo cuore e del Paese in cui si sente estranea e straniera ormai. Non è la mèta che le interessa, ma il viaggio, quell’andare di attimo in attimo, di giorni fatti di incontri, di piccoli gesti che punteggiano la vastità del paesaggio ancora capace di emozionare, così come la colonna sonora di Ludovico Einaudi che accompagna i pensieri, i non-detti, gli sguardi nella ricerca di una nuova identità, di un nuovo e possibile stare nel mondo, più libero, più naturale, più intenso. Siamo parte della terra e del cielo, soprattutto all’età di Fern, sessant’anni di tenacia tra questo mondo scarnificato di buoni sentimenti come la sua anima indurita, e il cielo che la attende e che ha accolto, per ora, il suo amato Bo. Ma c’è ancora Vita e allora questa donna, strega, figura mitica e ancestrale (la sempre brava Francis McDormand, già protagonista del bellissimo Tre manifesti a Ebbing) si fa accarezzare dal vento e dal fuoco, decide – sì decide consapevolmente – da che parte stare: dalla parte delle minoranze, dei deboli, dei poveri. Dalla parte di chi assapora l’avventura e la scoperta dell’andare, senza legami sociali convenzionali, senza regole imposte, senza l’angoscia del “dover essere”, ma con la forza dell’”Io sono”. Zhao, sceneggiatrice e regista, compone, così, un’elegia all’Umano, anche e soprattutto alle sue fragilità che diventano, se ben orientate, una forza travolgente e germinale.

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Il trailer ufficiale di “Nomadland”

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Credo che sia molto importante, oggi, lavorare con le ragazze e i ragazzi e, per questo, propongo, per le scuole, laboratori anche in Dad di Cinematografia, sul linguaggio filmico e sui temi che, di volta in volta, si vorranno affrontare.

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OSCAR 2021: I VINCITORI, LA SORPRESA, I COMMENTI

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La 93ª edizione dei premi Oscar si è tenuta a Los Angeles sia al Dolby Theatre che all’Union Station il 25 aprile 2021 (nella notte tra il 25 e il 26 per l’Italia), due mesi dopo rispetto a quanto originariamente previsto, a causa della pandemia di COVID-19.

Grande delusione per i candidati italiani. Si sperava di vincere nella categoria “Migliori costumi” (era candidato Massimo Cantini Parrini per il film “Pinocchio”) e “Migliore canzone originale” (era candidata Laura Pausini con la canzone “Io sì (Seen)”, per il film “La vita davanti a sé”). Niente statuette, purtroppo. Ma è stato certamente un gran riconoscimento aver ricevuto la candidature.

“Torno in Italia felice di aver vissuto un’esperienza irripetibile nata per un messaggio importante che condivido completamente”, commenta Laura Pausini, “e per la grande passione che dopo ventotto anni ho ancora per la musica che non è solo il mio lavoro, ma è la mia vita. Torno in Italia felice di riabbracciare la mia bimba che mi aspetta e con la quale festeggeremo di ritrovarci dopo la prima settimana di lontananza della nostra vita. Ma le racconterò il sogno di una notte… incredibile! Aver fatto parte di un progetto così speciale come The Life Ahead con Edoardo Ponti e Sophia Loren è stato per me uno dei regali più grandi che la vita potesse farmi. Aver cantato IO SI sul palco dell’Academy è un sogno che mai avrei potuto mai sperare si avverasse ancora di più in un’edizione così storica. Grazie @theacademy! Ringrazio Diane Warren, per la nostra canzone e per tutti i traguardi raggiunti, primo fra tutti il Golden Globe, è stata un’esperienza incredibile lavorare insieme! Grazie a Bonnie Greenberg e Niccolò Agliardi! Grazie Palomar, grazie Netflix, mi sono sempre sentita a casa con voi”.

A proposito di candidature: ne aveva fatto incetta il film “Mank”, con dieci nomination. I premi che è riuscito a portare a casa sono stati solo nelle sezioni “Migliore fotografia” e “Migliore scenografia”. Come nelle previsioni, grande successo intorno al film “Nomadland” di Chloé Zhao: “Miglior Film”, “Miglior regista” (Chloé Zhao), “Miglior attrice protagonista” (Frances McDormand, piuttosto a sorpresa).

La grande sorpresa ha riguardato Anthony Hopkins, vincitore nella categoria “Miglior attore protagonista” per la sua interpretazione nel film “The Father – Nulla è come sembra (The Father)”. La sorpresa è stata anche per lo stesso Hopkins (il più anziano vincitore della categoria, a 83 anni), giacché non si era nemmeno collegato in streaming durante la cerimonia. In effetti, sembrava piuttosto probabile che la statuetta di Miglior attore protagonista 2021 andasse al compianto Chadwick Boseman per “Ma Rainey’s Black Bottom”.

Di seguito, l’elenco completo dei candidati e dei vincitori (cliccare sui link per aprire gli approfondimenti su Wikipedia)

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Vincitori e candidati

Miglior film

• Nomadland, regia di Chloé Zhao
• Il processo ai Chicago 7 (The Trial of the Chicago 7), regia di Aaron Sorkin

• Una donna promettente (Promising Young Woman), regia di Emerald Fennell
• Judas and the Black Messiah, regia di Shaka King
• Mank, regia di David Fincher
• The Father – Nulla è come sembra (The Father), regia di Florian Zeller
• Minari, regia di Lee Isaac Chung
• Sound of Metal, regia di Darius Marder

Miglior regista

• Chloé Zhao – Nomadland
• Lee Isaac Chung – Minari
• Emerald Fennell – Una donna promettente (Promising Young Woman)
• David Fincher – Mank
• Thomas Vinterberg – Un altro giro (Druk)

Miglior attore protagonista

• Anthony Hopkins - The Father – Nulla è come sembra (The Father)
• Riz Ahmed – Sound of Metal
• Chadwick Boseman – Ma Rainey’s Black Bottom
• Gary Oldman – Mank
• Steven Yeun – Minari

Miglior attrice protagonista

• Frances McDormand - Nomadland
• Viola Davis – Ma Rainey’s Black Bottom
• Andra Day – The United States vs. Billie Holiday
• Vanessa Kirby – Pieces of a Woman
• Carey Mulligan – Una donna promettente (Promising Young Woman)

Miglior attore non protagonista

• Daniel Kaluuya – Judas and the Black Messiah
• Sacha Baron Cohen – Il processo ai Chicago 7 (The Trial of the Chicago 7)
• Leslie Odom Jr. – Quella notte a Miami… (One Night in Miami…)
• Paul Raci – Sound of Metal
• Lakeith Stanfield – Judas and the Black Messiah

Miglior attrice non protagonista

• Yoon Yeo-jeong - Minari
• Maria Bakalova – Borat – Seguito di film cinema (Borat Subsequent Moviefilm: Delivery of Prodigious Bribe to American Regime for Make Benefit Once Glorious Nation of Kazakhstan)
• Glenn Close – Elegia americana (Hillbilly Elegy)
• Olivia Colman – The Father – Nulla è come sembra (The Father)
• Amanda Seyfried – Mank

Migliore sceneggiatura originale

• Emerald Fennell – Una donna promettente (Promising Young Woman)
• Will Berson e Shaka King, soggetto di Will Berson, Shaka King, Kenny Lucas e Keith Lucas – Judas and the Black Messiah
• Lee Isaac Chung – Minari
• Darius Marder e Abraham Marder, soggetto di Darius Marder e Derek Cianfrance – Sound of Metal
• Aaron Sorkin – Il processo ai Chicago 7 (The Trial of the Chicago 7)

Migliore sceneggiatura non originale

• Christopher Hampton e Florian Zeller – The Father – Nulla è come sembra (The Father)
• Ramin Bahrani – La tigre bianca (The White Tiger)
• Sacha Baron Cohen, Anthony Hines, Dan Swimer, Peter Baynham, Erica Rivinoja, Dan Mazer, Jena Friedman e Lee Kern, soggetto di Sacha Baron Cohen, Anthony Hines, Dan Swimer e Nina Pedrad – Borat – Seguito di film cinema (Borat Subsequent Moviefilm: Delivery of Prodigious Bribe to American Regime for Make Benefit Once Glorious Nation of Kazakhstan)
• Kemp Powers – Quella notte a Miami… (One Night in Miami…)
• Chloé Zhao – Nomadland

Miglior film internazionale

• Un altro giro (Druk), regia di Thomas Vinterberg (Danimarca)
• Collective (Colectiv), regia di Alexander Nanau (Romania)
• The Man Who Sold His Skin, regia di Kaouther Ben Hania (Tunisia)
• Quo vadis, Aida?, regia di Jasmila Žbanić (Bosnia ed Erzegovina)
• Shàonián de nǐ, regia di Derek Tsang (Hong Kong)

Miglior film d’animazione

• Soul, regia di Pete Docter
• Onward – Oltre la magia (Onward), regia di Dan Scanlon
• Over the Moon – Il fantastico mondo di Lunaria (Over the Moon), regia di Glen Keane
• Shaun, vita da pecora: Farmageddon – Il film (A Shaun the Sheep Movie: Farmageddon), regia di Will Becher e Richard Phelan
• Wolfwalkers – Il popolo dei lupi (Wolfwalkers), regia di Tomm Moore e Ross Stewart

Migliore fotografia

• Erik Messerschmidt – Mank
• Sean Bobbitt – Judas and the Black Messiah
• Phedon Papamichael – Il processo ai Chicago 7 (The Trial of the Chicago 7)
• Joshua James Richards – Nomadland
• Dariusz Wolski – Notizie dal mondo (News of the World)

Miglior montaggio

• Mikkel E. G. Nielsen – Sound of Metal
• Alan Baumgarten – Il processo ai Chicago 7 (The Trial of the Chicago 7)
• Giōrgos Lamprinos – The Father – Nulla è come sembra (The Father)
• Frédéric Thoraval – Una donna promettente (Promising Young Woman)
• Chloé Zhao – Nomadland

Migliore scenografia

• Donald Graham Burt e Jan Pascale – Mank
• David Crank ed Elizabeth Keenan – Notizie dal mondo (News of the World)
• Nathan Crowley e Kathy Lucas – Tenet
• Peter Francis e Cathy Featherstone – The Father – Nulla è come sembra (The Father)
• Mark Ricker, Karen O’Hara e Diana Stoughton – Ma Rainey’s Black Bottom

Migliori costumi

• Ann Roth – Ma Rainey’s Black Bottom
• Alexandra Byrne – Emma.
• Massimo Cantini Parrini – Pinocchio
• Bina Daigeler – Mulan
• Trish Summerville – Mank

Miglior trucco e acconciatura

• Sergio Lopez-Rivera, Mia Neal e Jamika Wilson – Ma Rainey’s Black Bottom
• Mark Coulier, Dalia Colli e Francesco Pegoretti – Pinocchio
• Eryn Krueger Mekash, Matthew Mungle e Patricia Dehaney – Elegia americana (Hillbilly Elegy)
• Marese Langan, Laura Allen e Claudia Stolze – Emma.
• Gigi Williams, Kimberley Spiteri e Colleen LaBaff – Mank

Migliori effetti speciali

• Andrew Jackson, David Lee, Andrew Lockley e Scott Fisher – Tenet
• Nick Davis, Greg Fisher, Ben Jones e Santiago Colomo Martinez – L’unico e insuperabile Ivan (The One and Only Ivan)
• Sean Faden, Anders Langlands, Seth Maury e Steve Ingram – Mulan
• Matthew Kasmir, Christopher Lawrence, Max Solomon e David Watkins – The Midnight Sky
• Matt Sloan, Genevieve Camilleri, Matt Everitt e Brian Cox – Love and Monsters

Migliore colonna sonora

• Trent Reznor, Atticus Ross e Jon Batiste – Soul
• Terence Blanchard – Da 5 Bloods – Come fratelli (Da 5 Bloods)
• Emile Mosseri – Minari
• James Newton Howard – Notizie dal mondo (News of the World)
• Trent Reznor e Atticus Ross – Mank

Migliore canzone originale

• Fight For You (musiche di H.E.R. e Dernst Emile II, testo di H.E.R. e Tiara Thomas) - Judas and the Black Messiah
• Hear My Voice (musiche di Daniel Pemberton, testo di Daniel Pemberton e Celeste Waite) – Il processo ai Chicago 7 (The Trial of the Chicago 7)
• Husavik (musiche e testo di Savan Kotecha, Fat Max Gsus e Rickard Göransson) – Eurovision Song Contest – La storia dei Fire Saga (Eurovision Song Contest: The Story of Fire Saga)
• Io sì (Seen) (musiche di Diane Warren, testo di Diane Warren, Laura Pausini e Niccolò Agliardi) – La vita davanti a sé
• Speak Now (musiche e testo di Leslie Odom Jr. e Sam Ashworth) – Quella notte a Miami… (One Night in Miami…)

Miglior sonoro

• Nicolas Becker, Jaime Baksht, Michelle Couttolenc, Carlos Cortés e Phillip Bladh – Sound of Metal
• Ren Klyce, Coya Elliott e David Parker – Soul
• Ren Klyce, Jeremy Molod, David Parker, Nathan Nance e Drew Kunin – Mank
• Warren Shaw, Michael Minkler, Beau Borders e David Wyman – Greyhound – Il nemico invisibile (Greyhound)
• Oliver Tarney, Mike Prestwood Smith, William Miller e John Pritchett – Notizie dal mondo (News of the World)

Miglior documentario

• Il mio amico in fondo al mare (My Octopus Teacher), regia di Pippa Ehrlich e James Reed
• El agente topo, regia di Maite Alberdi
• Collective (Colectiv), regia di Alexander Nanau
• Crip Camp: disabilità rivoluzionarie (Crip Camp), regia di Nicole Newnham e Jim LeBrecht
• Time, regia di Garrett Bradley

Miglior cortometraggio

• Due estranei (Two Distant Strangers), regia di Travon Free e Martin Desmond Roe
• Feeling Through, regia di Doug Roland
• The Letter Room, regia di Elvira Lind
• The Present, regia di Farah Nabulsi
• White Eye, regia di Tomer Shushan

Miglior cortometraggio documentario

• Colette, regia di Anthony Giacchino
• A Concerto Is a Conversation, regia di Kris Bowers e Ben Proudfoot
• Do Not Split, regia di Anders Hammer
• Hunger Ward, regia di Skye Fitzgerald
• A Love Song for Latasha, regia di Sophia Nahli Allison

Miglior cortometraggio d’animazione

• Se succede qualcosa, vi voglio bene (If Anything Happens I Love You), regia di Michael Govier e Will McCormack
• Genius loci, regia di Adrien Mérigeau
• Já-Fólkið, regia di Gísli Darri Halldórsson
• Opera, regia di Erick Oh
• La tana (Burrow), regia di Madeline Sharafian

In questa puntata ci occupiamo di “Mank”: film del 2020 diretto da David Fincher.

* * *

Mank: genio e consapevolezza

di Alessandra Montesanto

Molti, moltissimi conoscono il film Quarto potere, uscito nel 1941 e vincitore dell’Oscar, diretto, prodotto e interpretato da Orson Wells. L’enorme successo della pellicola è da attribuire anche alla sceneggiatura, scritta a quattro mani dallo stesso Wells e da Herman J. Mankiewicz, detto “Mank”. E proprio il diminutivo è il titolo del film che David Fincher ha dedicato alla figura controversa dello scrittore, interpretato da un ottimo Gary Oldman.
Ogni situazione proposta al pubblico è una rielaborazione di Mankiewitz del periodo in cui scrisse Quarto potere, ma anche della sue accuse contro Hearst, il magnate che ispirò la figura del Cittadino Kane (Citizen Kane è il titolo originale dell’opera di cui stiamo parlando).
Fincher per il suo Mank decide di lavorare su due linee temporali: la prima, ambientata negli anni ‘40, vede il protagonista costretto in un appartamento in seguito ad un incidente in auto, alle prese con la stesura della sceneggiatura e affiancato da due pazienti figure femminili che fanno da contrappeso a quelle maschili: un’infermiera tedesca e una segretaria dattilografa. La seconda linea temporale è quella che risale al 1934, anno che vede l’America della Grande Depressione e la California delle elezioni che oppongono Frank Marriam a Upton Sinclair. La Metro Goldwyn Mayer, collusa con il partito repubblicano grazie all’influenza di Hearst, sabota la campagna elettorale del concorrente democratico con la realizzazione di cortometraggi di propaganda e questo uso del Cinema segna la rivoluzione del mezzo tecnico come strumento per manipolare la massa non istruita. Mank decide di non realizzare quei corti, ma lo farà un suo collega che in seguito – a causa del senso di colpa per aver tradito la missione artistica del Cinema e della sua professione – si toglierà la vita.
Un gioco a tre, quello che si dipana sullo schermo, tra i personaggi di Orson Wells – vanesio, irascibile, dittatoriale – Hearst – arrogante e prepotente – e Mank – talentuoso, volgare, vizioso e molto solo. Ma anche i personaggi comprimari formano un affresco ricco di sfaccettature perchè ognuno di loro ha una sua verità da raccontare e, proprio sulla dicotomia tra verità e finzione, si basa l’analisi concettuale del film di Fincher (come tra l’altro si evince dalle sue opere precedenti: Seven, Fight club, The social network, Millennium, per citarne alcune). Tramite il moltiplicarsi dei punti di vista, il regista statunitense vuole dimostrare che la verità non sia mai univoca; la ricostruzione della nascita di Quarto potere, infatti, è per lo più filtrata dai ricordi e dalle opinioni di Mank: siamo, quindi, di fronte ad una verità del tutto soggettiva che, a tratti, attinge dalla realtà e a tratti no.
Vediamo il Mankiewicz nella realtà: pare che avesse idee politiche conservatrici, che si fosse rifiutato di far parte del sindacato degli sceneggiatori e che, durante la Seconda Guerra mondiale, fosse un’isolazionista. Nel film, invece, si fa promotore di un salvataggio di un gruppo di ebrei, si rifiuta di scrivere i cinegiornali per i Repubblicani e si confronta duramente con il magnate.
Quarto potere è un duro je accuse contro il Potere anche economico, contro la corruzione politica e contro l’industria cinematografica asservita a entrambi e che, nel suo caso, ha sfruttato i cineasti. Siamo, allora, nella dimensione della post-verità: quella di Fincher che narra quella di Mank, in un gioco intellettuale stimolante che comprende anche il nostro vivere Presente nella critica alle condotte politiche – dall’alto – con le loro conseguenze sui cittadini, che reagiscono, dal basso.
Mank è molto interessante anche per le scelte stilistiche: vi sono, infatti, numerosi omaggi al linguaggio filmico di Wells quali, ad esempio: l’uso della profondità di campo per riprendere le tavolate e gli ambienti, il montaggio creativo (vedere la sequenza del ballottaggio elettorale durante la serata di gala); oppure l’idea di scambiare le bottiglie di alcool (il nostro sceneggiatore era un’alcolista e un giocatore d’azzardo) con quelle di sonnifero; le diagonali per trasmettere al pubblico la tensione e, infine, il forte contrasto del bianco e nero che rende drammatica l’atmosfera.
Ma torniamo alla scrittura: il finale vede un confronto tra Mank che parla di Don Chisciotte e Hearst che racconta la storiella di una scimmietta ammaestrata. Il primo, fa dell’eroe spagnolo un giornalista bugiardo che finge falsi ideali per essere amato dalla massa ed essere votato; il secondo, identifica Mank con una scimmia ammaestrata, convinta di poter comandare sul suo padrone, quando invece è lei stessa ad essere manovrata.
Mank è un uomo controverso, contraddittorio come tutti, tragico e incompreso: capirà, con la stesura in soli novanta giorni della sceneggiatura del capolavoro di Orson Welles, quanto sia importante l’Arte (la Settima, in questo caso) per denunciare l’odio e le menzogne che hanno indotto al suicidio un onesto lavoratore e alla sconfitta un avversario politico: per cosa? Per il Potere, simboleggiato dalla fastosa villa di Hearst che, nel film di Fincher, diventerà la “Xanadu”.

* * *

Il trailer ufficiale di “Mank”

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Credo che sia molto importante, oggi, lavorare con le ragazze e i ragazzi e, per questo, propongo, per le scuole, laboratori anche in Dad di Cinematografia, sul linguaggio filmico e sui temi che, di volta in volta, si vorranno affrontare.

Alessandra Montesanto: (lale.monte@gmail.com – peridirittiumani.com)

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In questa nuova puntata di Letteratitudine Cinema diamo spazio ai risultati dell’edizione 2021 dei prestigiosi Golden Globe Awards

* * *

Con qualche piccola difficoltà tecnica (suono in ritardo e l’inevitabile confusione dei collegamenti via Zoom), ieri 28 febbraio 2021, è stata trasmessa in diretta dalla rete statunitense NBC la 78ª edizione dei Golden Globe Awards: cerimonia semi-virtuale ancora una volta dominata da star britanniche.

La nostra Laura Pausini ha vinto nella categoria Migliore canzone originale con il brano “Io sì (Seen)” (Diane Warren, Laura Pausini e Niccolò Agliardi), dalla colonna sonora del film “La vita davanti a sé” (The Life Ahead). Golden Globe alla carriera a Jane Fonda.

Tra i vincitori delle più importanti categorie: Miglior film drammatico a “Nomadland”, regia di Chloé Zhao; Miglior film commedia o musicale a “Borat – Seguito di film cinema”, regia di Jason Woliner; Miglior regista, Chloé Zhao per “Nomadland”; Migliore attore in un film drammatico, Chadwick Boseman per “Ma Rainey’s Black Bottom”; Migliore attrice in un film drammatico, Andra Day per “The United States vs. Billie Holiday”; Migliore attore in un film commedia o musicale, Sacha Baron Cohen per “Borat – Seguito di film”; Migliore attrice in un film commedia o musicale, Rosamund Pike per “I Care a Lot”; Migliore attore non protagonista, Daniel Kaluuya per “Judas and the Black Messiah”; Migliore attrice non protagonista, Jodie Foster per “The Mauritanian”; Miglior serie drammatica, “The Crown”.

A causa della pandemia da COVID-19 i candidati si sono collegati dalle proprie abitazioni.
Segue l’elenco completo dei candidati e dei vincitori nelle varie categorie del Premio (e una carrellata di immagini).

[cliccare sui link per aprire le pagine (collegate a Wikipedia Italia)]

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Premi per il cinema

Miglior film drammatico

• Nomadland, regia di Chloé Zhao
• The Father, regia di Florian Zeller
• Mank, regia di David Fincher
• Una donna promettente (Promising Young Woman), regia di Emerald Fennell
• Il processo ai Chicago 7 (The Trial of the Chicago 7), regia di Aaron Sorkin

Miglior film commedia o musicale

• Borat – Seguito di film cinema (Borat Subsequent Moviefilm: Delivery of Prodigious Bribe to American Regime for Make Benefit Once Glorious Nation of Kazakhstan), regia di Jason Woliner
• Hamilton, regia di Thomas Kail
• Music, regia di Sia
• Palm Springs – Vivi come se non ci fosse un domani (Palm Springs), regia di Max Barbakow
• The Prom, regia di Ryan Murphy

Miglior regista

• Chloé Zhao – Nomadland
• Emerald Fennell – Una donna promettente (Promising Young Woman)
• David Fincher – Mank
• Regina King – Quella notte a Miami… (One night in Miami…)
• Aaron Sorkin – Il processo ai Chicago 7 (The Trial of the Chicago 7)

Migliore attore in un film drammatico

• Chadwick Boseman – Ma Rainey’s Black Bottom
• Riz Ahmed – Sound of Metal
• Anthony Hopkins – The Father
• Gary Oldman – Mank
• Tahar Rahim – The Mauritanian

Migliore attrice in un film drammatico

• Andra Day – The United States vs. Billie Holiday
• Viola Davis – Ma Rainey’s Black Bottom
• Vanessa Kirby – Pieces of a Woman
• Frances McDormand – Nomadland
• Carey Mulligan – Una donna promettente (Promising Young Woman)

Migliore attore in un film commedia o musicale

• Sacha Baron Cohen – Borat – Seguito di film cinema (Borat Subsequent Moviefilm: Delivery of Prodigious Bribe to American Regime for Make Benefit Once Glorious Nation of Kazakhstan)
• James Corden – The Prom
• Lin-Manuel Miranda – Hamilton
• Dev Patel – La vita straordinaria di David Copperfield (The Personal History of David Copperfield)
• Andy Samberg – Palm Springs – Vivi come se non ci fosse un domani (Palm Springs)

Migliore attrice in un film commedia o musicale

• Rosamund Pike – I Care a Lot
• Marija Bakalova – Borat – Seguito di film cinema (Borat Subsequent Moviefilm: Delivery of Prodigious Bribe to American Regime for Make Benefit Once Glorious Nation of Kazakhstan)
• Kate Hudson – Music
• Michelle Pfeiffer – French Exit
• Anya Taylor-Joy – Emma.

Migliore attore non protagonista

• Daniel Kaluuya – Judas and the Black Messiah
• Sacha Baron Cohen – Il processo ai Chicago 7 (The Trial of the Chicago 7)
• Jared Leto – Fino all’ultimo indizio (The Little Things)
• Bill Murray – On the Rocks
• Leslie Odom Jr. – Quella notte a Miami… (One night in Miami…)

Migliore attrice non protagonista

• Jodie Foster – The Mauritanian
• Glenn Close – Elegia americana (Hillbilly Elegy)
• Olivia Colman – The Father
• Amanda Seyfried – Mank
• Helena Zengel – Notizie dal mondo (News of the World)

Miglior film in lingua straniera

• Minari, regia di Lee Isaac Chung (Stati Uniti d’America)
• Un altro giro (Druk), regia di Thomas Vinterberg (Danimarca)
• La llorona, regia di Jayro Bustamante (Guatemala)
• La vita davanti a sé (The Life Ahead), regia di Edoardo Ponti (Italia)
• Due (Deux), regia di Filippo Meneghetti (Francia)

Miglior film d’animazione

• Soul, regia di Pete Docter e Kemp Powers
• I Croods 2 – Una nuova era (The Croods: A New Age), regia di Joel Crawford
• Onward – Oltre la magia (Onward), regia di Dan Scanlon
• Over the Moon – Il fantastico mondo di Lunaria (Over the Moon), regia di Glen Keane
• Wolfwalkers – Il popolo dei lupi (Wolfwalkers), regia di Tomm Moore e Ross Stewart

Migliore sceneggiatura

• Aaron Sorkin – Il processo ai Chicago 7 (The Trial of the Chicago 7)
• Emerald Fennell – Una donna promettente (Promising Young Woman)
• Jack Fincher – Mank
• Florian Zeller e Christopher Hampton – The Father
• Chloé Zhao – Nomadland

Migliore colonna sonora originale

• Trent Reznor, Atticus Ross e Jon Batiste – Soul
• Trent Reznor e Atticus Ross – Mank
• James Newton Howard – Notizie dal mondo (News of the World)
• Alexandre Desplat – The Midnight Sky
• Ludwig Göransson – Tenet

Migliore canzone originale

• Io sì (Seen) (Diane Warren, Laura Pausini e Niccolò Agliardi) – La vita davanti a sé (The Life Ahead)
• Fight for You (H.E.R., D’Mile e Tiara Thomas) – Judas and the Black Messiah
• Hear My Voice (Daniel Pemberton e Celeste) – Il processo ai Chicago 7 (The Trial of the Chicago 7)
• Speak Now (Leslie Odom Jr. e Sam Ashworth) – Quella notte a Miami… (One night in Miami…)
• Tigress & Tweed (Andra Day e Raphael Saadiq) – The United States vs. Billie Holiday

Premi per la televisione

Miglior serie drammatica

• The Crown
• Lovecraft Country – La terra dei demoni (Lovecraft Country)
• The Mandalorian
• Ozark
• Ratched

Migliore attore in una serie drammatica

• Josh O’Connor – The Crown
• Jason Bateman – Ozark
• Bob Odenkirk – Better Call Saul
• Al Pacino – Hunters
• Matthew Rhys – Perry Mason

Miglior attrice in una serie drammatica

• Emma Corrin – The Crown
• Olivia Colman – The Crown
• Jodie Comer – Killing Eve
• Laura Linney – Ozark
• Sarah Paulson – Ratched

Miglior serie commedia o musicale

• Schitt’s Creek
• Emily in Paris
• The Flight Attendant
• The Great
• Ted Lasso

Migliore attore in una serie commedia o musicale

• Jason Sudeikis – Ted Lasso
• Don Cheadle – Black Monday
• Nicholas Hoult – The Great
• Eugene Levy – Schitt’s Creek
• Ramy Youssef – Ramy

Migliore attrice in una serie commedia o musicale

• Catherine O’Hara – Schitt’s Creek
• Lily Collins – Emily in Paris
• Kaley Cuoco – The Flight Attendant
• Elle Fanning – The Great
• Jane Levy – Lo straordinario mondo di Zoey (Zoey’s Extraordinary Playlist)

Miglior miniserie o film televisivo

• La regina degli scacchi (The Queen’s Gambit)
• Normal People
• Small Axe
• The Undoing – Le verità non dette (The Undoing)
• Unorthodox

Migliore attore in una miniserie o film televisivo

• Mark Ruffalo – Un volto, due destini – I Know This Much Is True (I Know This Much Is True)
• Bryan Cranston – Your Honor
• Jeff Daniels – Sfida al presidente – The Comey Rule (The Comey Rule)
• Hugh Grant – The Undoing – Le verità non dette (The Undoing)
• Ethan Hawke – The Good Lord Bird – La storia di John Brown (The Good Lord Bird)

Migliore attrice in una miniserie o film televisivo

• Anya Taylor-Joy – La regina degli scacchi (The Queen’s Gambit)
• Nicole Kidman – The Undoing – Le verità non dette (The Undoing)
• Cate Blanchett – Mrs. America
• Daisy Edgar-Jones – Normal People
• Shira Haas – Unorthodox

Migliore attore non protagonista in una serie, miniserie o film televisivo

• John Boyega – Small Axe
• Brendan Gleeson – Sfida al presidente – The Comey Rule (The Comey Rule)
• Dan Levy – Schitt’s Creek
• Jim Parsons – Hollywood
• Donald Sutherland – The Undoing – Le verità non dette (The Undoing)

Migliore attrice non protagonista in una serie, miniserie o film televisivo

• Gillian Anderson – The Crown
• Helena Bonham Carter – The Crown
• Julia Garner – Ozark
• Annie Murphy – Schitt’s Creek
• Cynthia Nixon – Ratched

Premi onorari

Golden Globe alla carriera

• Jane Fonda

Golden Globe alla carriera televisiva

• Norman Lear

Golden Globe Ambassador

• Jackson Lee e Satchel Lee (figli di Spike Lee e Tonya Lewis Lee)

Nuova puntata di

In questa puntata ci occupiamo del ruolo del Cinema del regista sudcoreano Kim Ki Duk

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Il Cinema tragicamente poetico di Kim Ki Duk

di Alessandra Montesanto

Un’esistenza travagliata quella del regista sudcoreano Kim Ki Duk, deceduto a soli cinquantanove anni a causa delle conseguenze del Covid-19, durante un soggiorno in Lettonia. Un triste epilogo dopo lo scandalo #Metoo in cui il cineasta era stato accusato di molestie sessuali a danno di alcune attrici durante la lavorazione di un film.
Vogliamo scindere la persona dall’artista perché Kim Ki Duk entra nella schiera dei registi cult grazie al suo Cinema coinvolgente, passionale, arguto e poetico, di quella poesia che i veri intellettuali (asiatici e non solo) sanno regalare al mondo.
Parleremo, in questo brevissimo excursus, di tre suoi film, forse i più rappresentativi, interessanti per il senso vivo della cultura e dell’indagine dell’animo e della coscienza umani.
Il grande successo arriva nel 2003 con il film intitolato Primavera, estate, autunno inverno e ancora… Primavera che segue L’isola, presentato alla Mostra del Cinema di Venezia, una rappresentazione cruda e iperrealista di una relazione uomo-donna, relazione che si svolge in un isolato villaggio galleggiante e che vede i protagonisti utilizzare gli ami da pesca (conficcati nella vagina di lei, nell’esofago di lui) per simboleggiare il dolore e la follia di un amore esclusivo e simbiotico. Nel film ritroviamo l’inquadratura ricorrente di una chiatta con un tempietto posizionato sopra, sempre immersa in un placido lago; un bambino cresce, diventa adulto, sarà un monaco e, da anziano, si prenderà cura di un altro bambino. Folgorante e intensa messa in scena della filosofia buddista che suggerisce l’idea della circolare eternità della vita (quella che il mistico Raimond Pannikar definisce la “tempiternità”) per cui non bisogna temere la morte se dopo la fine corporea entriamo nella dimensione cosmica a cui apparteniamo, sotto forma di Spirito immanente. Kim Ki Duk si allontana, quindi, dalla crudezza, dal sacrificio della carne, per fare un’elegia del pensiero filosofico, orientale e occidentale. Il bambino protagonista del film, infatti, dopo aver scoperto gli istinti sessuali decide di abbandonare la chiatta per recarsi in città insieme alla ragazza di cui è innamorato; finirà in prigione per un crimine passionale e farà ritorno al tempio in cerca di redenzione. Una deriva moderna, quindi, che increspa la pace interiore a fatica interiorizzata e ancor più difficilmente recuperata nel percorso del bambino-ragazzo-Uomo e puntellata da numerose figure e immagini simboliche: il fardello cristologico da portare sulle spalle, il tirare la corda, l’allontanamento dall’Eden e la legge del contrappasso (propri della cultura cristiana e il rimando al tema della colpa); l’alternarsi delle stagioni e la ciclicità del Tempo, la condizione eremitica e meditativa, gli ideogrammi dipinti a inchiostro e poi intagliati nel pavimento e colorati (propri della cultura buddista). E poi ancora: il silenzio, una porta che si apre all’inizio del film (e che svela un mondo “altro”, per ricordare la stanza in Stalker di Tarkovskij), l’acqua benedicente e rigeneratrice perché, nonostante la corruzione dell’anima – congenita all’Uomo – quella porta si potrà riaprire sulla primavera.
L’anno successivo, nel 2004, esce un nuovo lavoro del regista, opera cinematografica poetica, elegante e, allo stesso tempo, spiazzante. Tae-suk, questo il nome del protagonista, è un giovane che ha l’abitudine di intrufolarsi nelle abitazioni degli altri, di prendersene cura come se fossero sue. Un giorno entra in un appartamento di lusso in cui vive una ragazza, Sun-hwa, vittima di un marito volgare e aggressivo. All’inizio la donna spia quella strana e dolce figura che è venuta ad abitare con lei gli spazi, poi gli si rivela. Tae-Suk affronta il marito della giovane donna, lo colpisce con forza con una mazza da golf – il Ferro 3 che dà il titolo al film – e poi scappa con la ragazza, iniziando una fuga romantica durante la quale si nascondono ancora abusivamente nelle abitazioni di estranei fino a quando il nostro protagonista verrà arrestato. In cella, si allena per sviluppare la tecnica dell’invisibilità. Una volta uscito dalla prigione, Tae-suk torna a casa di Sun-hwa e i due continueranno ad amarsi, alle spalle del marito di lei, ignaro della presenza del giovane nella loro vita coniugale.
Una storia d’amore narrata solo con gli sguardi, i movimenti dei corpi che sembrano fluttuare nello spazio, nel mutismo denso di significati; dialoghi rarefatti che non coinvolgono i giovani amanti perché il vero Amore non ha bisogno di parole. Tae-suk cerca, nelle abitazioni altrui (la casa, in psicologia, è la casa interiore) pace e armonia, forse proprio quella che non trova nel mondo esterno, cacofonico e violento. E’ un continuo passaggio tra vuoti e pieni, tra silenzio e rumori, tra dentro e fuori quello in cui si muove la cinepresa di Kim Ki Duk per descrivere emozioni e sentimenti nella loro essenza; un occhio disegnato sul palmo della mano e una collezione di fotografie, via via decomposte, sono i segni di un codice simbolico che rimanda alla saggezza a cui si giunge grazie alla meditazione e grazie al dissolvimento delle apparenze. Un film sulla solitudine e sulla corruzione del mondo contemporaneo, sulla possibilità di recuperare le relazioni tramite la capacità di lib(e)rarsi (come dalla cella) dalla materialità per farsi aria, come Tae-suk angelo custode, per farsi sentimento e cura.
E, infine, avvicinandoci ai giorni nostri, nel 2016, parliamo di uno dei film più politicizzati dell’autore asiatico: Il prigioniero coreano. Un dramma ambientato durante la guerra fredda tra Corea del Sud e Corea del Nord. Il cineasta abbandona le tinte forti de L’isola di Moebius per girare la storia di un anziano del nord che ogni giorno si reca a pescare al confine tra le due Coree sotto la sorveglianza dei militari, ma in una di queste occasioni, la corrente spinge la sua barca verso le acque dell’area proibita e l’uomo viene fatto prigioniero. Sarà, poi, costretto ad una fedeltà integerrima e a condurre un’esistenza contraria al capitalismo sfrenato e corrotto.
Tramite una metafora, quindi, il cineasta mostra una Corea del Sud in cui il protagonista non trova un mondo ideale, anzi. E suggerisce che l’Uomo si trovi ad essere del tutto insignificante quando viene, suo malgrado, coinvolto nei conflitti e nelle ragioni di Stato.

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Credo che sia molto importante, oggi, lavorare con le ragazze e i ragazzi e, per questo, propongo, per le scuole, laboratori anche in Dad di Cinematografia, sul linguaggio filmico e sui temi che, di volta in volta, si vorranno affrontare.

Alessandra Montesanto: (lale.monte@gmail.com – peridirittiumani.com)

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Nuova puntata di

In questa puntata ci occupiamo del ruolo del Cinema nell’ambito del Giorno della Memoria (con la segnalazione di alcuni film)

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L’attualità della Memoria

di Alessandra Montesanto

“Quel che ora penso veramente è che il male non è mai ‘radicale’ e che non possegga né profondità né una dimensione demoniaca. Esso può invadere e devastare il mondo intero, perchè si espande sulla superficie come un fungo. Esso ’sfida’, come ho detto, il pensiero perchè il pensiero cerca la profondità, di andare alle radici e nel momento in cui cerca il male, è frustrato perchè non trova nulla. Questa è la sua ‘banalità’. Solo il bene è profondo e radicale”: queste sono alcune parole di Anna Harendt tratte dal suo celebre testo intitolato “La banalità del male”. Per costruire un pensiero critico e tracciare il solco tra ciò che giusto e ciò che non lo è, tra ciò che è umano e ciò che più non lo è, risultano fondamentali i linguaggi della Cultura e dell’Arte. Anche il Cinema, spesso, può far riflettere su importanti temi di attualità e sul Passato – più o meno recente – per reimparare quale sia la strada dell’etica e della verità.
Il 27 gennaio si celebra la Giornata internazionale della Memoria, riferita, in particolare, all’Olocausto. Per l’occasione, con questo articolo, si desidera suggerire la visione di alcuni film (alcuni noti, altri meno) utili per un pubblico generico e, soprattutto, per scopi formativo-didattici; la Memoria non è la ripetizione, vuota di senso, di frasi o parole, ma è un ritorno profondo e sentito verso passi che sono stati già compiuti – e che, purtroppo in molti casi hanno portato a situazioni drammatiche – per non rifarli.
Si vuole iniziare questo breve excursus con un film del 2010, La chiave di Sara, di Gilles Paquet-Brenner che recupera un fatto storico dimenticato: il rastrellamento del Vélodrome d’Hiver tramite la storia di una famiglia ebrea deportata, gli Starzinsky, in un continuo alternarsi di flashback e di flasfhforward. La sceneggiatura è interessante in quanto, senza giudicare, il regista dipinge il ritratto di una Francia in mano ai tedeschi e in totale devozione a Hitler, e una popolazione in cerca solo di salvezza, con coloro che sono stati complici del nazifascismo, coloro che sono rimasti indifferenti (la maggior parte) e coloro (mai abbastanza) che hanno cercato di aiutare.
Altrettanto di spessore è la pellicola Il figlio di Saul, opera prima del regista ungherese Làszlo Nemes, che si apre con un lungo piano-sequenza sul volto del protagonista, Saul Ausländer , a cui è stato dato l’infausto compito di accompagnare i nuovi deportati allo sterminio. Saul fa parte di quegli ebrei che, in cambio di condizioni di vita migliori nel campo, si occupano della pulizia dei forni crematori e delle camere a gas. A rischio della propria vita, il protagonista deciderà di dare  una degna sepoltura a un ragazzo che avrebbe potuto essere suo figlio. Questa è un’opera cinematografica importante per il contentuo, ma anche per lo stile e le tecniche di ripresa (adatta agli studenti delle scuole superiori): i corpi delle vittime sono, per i tedeschi, paragonabili ai pezzi di ricambio di vetture, i campi sono organizzati proprio come un’azienda automobilistica, le SS fanno parte di un ingranaggio perfettamente oliato; la camera a mano segue i personaggi che si muovono in uno spazio claustrofobico in cui prevalgono, a corredare alcune immagini, rumori confusi di sottofondo per sottolinerare lo stato di semi-incoscienza dei detenuti e per creare ulteriore angoscia nel pubblico. Superpremiato al festival di Cannes, nel 2015, Il figlio di Saul coinvolge lo spettatore in prima persona (anche per le numerose inquadrature in soggettiva del narratore interno), impedendogli di trovare alibi per “non aver capito”, “non aver saputo”.
Dal 2017 torniamo indietro, al 1939, quando Antonina Zabinski, attraversa il suo esteso zoo situato al centro di Varsavia: è la protagonista de La signora dello zoo di Varsavia, moglie di Jan Zabinski che già dieci anni prima è stato costretto ad accogliere truppe tedesche e a sottostare alle follie pseudoscientifiche dell’allora responsabile dello zoo, Lutz Heck, noto nazista. Toccati da vicino dall’eccidio ebraico e coinvolti nella resistenza armata anni prima, a ridosso dello scoppio della Seconda Guerra Mondiale i due coniugi decidono di allevare dei maiali per sfamare i soldati tedeschi: si tratta, in realtà, di uno escamotage per nascondere i partigiani. La caratteristica principale di questo film è data dalla suspance continua, che viene affrontata grazie al forte senso di solidarietà dei personaggi, solidarietà che, in molti casi nella Storia, è stata più forte della violenza cieca e brutale.  La scena della ragazzina con gli abiti strappati (perchè ha appena subito uno stupro) non lascia indifferenti e, ancora una volta, non permettere di chiudere gli occhi davanti al male.
Ma si possono affrontare temi così delicati e forti anche tramite l’ironia. Lo ha fatto magistralmente il regista rumeno Radu Mihaileanu con il suo Train de vie, del ‘98. Un film datato, ma che è sempre bene ricordare e rivedere proprio per la sua originalità: racconta, infatti, di un intero villaggio ebreo i cui abitanti vogliono fuggire dal nazismo e lo faranno su un treno che apparirà come un vero e proprio convoglio di deportati, con falsi tedeschi di scorta. Un elemento tipico della commedia – lo scambio di ruoli – diventa un modo intelligente per riflettere sul rapporto tra realtà e finzione, su quanto sia facile indossare maschere sociali (in questo caso per la sopravvivenza), sul coraggio di tentare davvero il “tutto per tutto”. L’humor yiddish, la figura di Shlomo – il matto – e un finale spiazzante, rendono Train de vie un capolavoro.
Per gli alunni delle scuole medie vogliamo consigliare la visione di una pellicola di qualche anno fa, uscita nel 2013, che ha avuto un buon successo grazie anche al fatto di essere la trasposizione di un romanzo dal titolo “La bambina che salvava i libri”, bestseller di Markus Zukas.
La protagonista di entrambe le opere è una ragazzina, Liesel, che con i suoi genitori adottivi, dà rifugio ad un giovane ebreo, nascondendolo nella cantina di casa. Il regista, Brian Percival, asciuga il testo dei tratti fantastici del libro per conferire un maggiore e significativo afflato poetico alla storia (da notare, ad esempio, la scena centrale in cui Liesel  salva un libro da un rogo nazista). Proprio questo è il nucleo del film e del romanzo: l’importanza della lettura, della conoscenza e di un pensiero critico per crescere come esseri umani, per nutrire la coscienza.

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Credo che sia molto importante, oggi, lavorare con le ragazze e i ragazzi e, per questo, propongo, per le scuole, laboratori anche in Dad di Cinematografia, sul linguaggio filmico e sui temi che, di volta in volta, si vorranno affrontare.

Alessandra Montesanto: (lale.monte@gmail.com – peridirittiumani.com)

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I (bi)sogni delle donne saudite

di Alessandra Montesanto

Wadjda è un’adolescente, vive a Riyadh con i genitori, ama giocare con l’amico Abdullah, che possiede una bicicletta che le presta quando si trovano negli spazi aperti di una città costruita nel deserto; alle ragazze non è permesso usarla, così come alle donne, fino a pochi mesi fa non era permesso guidare l’automobile. La cultura araba ultratradizionalista impone alle figure femminili di indossare veli e lunghe tuniche nere, l’abaya quando sono in pubblico; impone loro di non parlare ad alta voce e di non condividere i pasti insieme agli uomini che non siano della famiglia e impone altre norme sociali che soffocano la vita quotidiana e la loro dignità. Wadida, però, sotto la tunica porta un paio di scarpe sportive di marca occidentale, ascolta musica methal e desidera tanto proprio una bicicletta di colore verde, verde come la tinta del Paradiso e altrettanto difficile da conquistare. Per riuscire a comprare l’oggetto (fin troppo semplice da considerare emblema di libertà), la ragazzina deve partecipare ad una gara di Corano, organizzata all’interno della scuola da lei frequentata e vincere il premio in denaro. Con la furbizia propria di una Sharazad contemporanea, la protagonista del film La bicicletta verde, uscito con successo nel 2012, otterrà il risultato sperato, ma la ricompensa sarà destinata ai bambini poveri palestinesi, in una doppia beffa all’estremismo religioso.
Questa pellicola è il lungometraggio che avvia la carriera di Haifaa Al Manosur, prima regista donna dell’Arabia saudita; racconta, con grande ironia, un mondo rigido in cui non sono ammesse sfumature se non per gli uomini e per sotterfugi. L’autrice critica, con il registro della satira, la cultura araba, ma allo stesso tempo, dimostra per questa e le sue tradizioni, un grande amore che condivide con gli spettatori, tramite simboli, colori e il fascino coinvolgente delle drammatiche storie d’amore. Non stacca gli occhi, però, dalla realtà: la madre di Wadjda viene abbandonata dal marito perché costretto a sposare un’altra donna che potrà dargli il desiderato figlio maschio, nel cieco ripetersi di quelle regole antiche che subordinano i sentimenti alla società patriarcale, ma proprio all’interno del microcosmo familiare si accende la miccia di quella che potrà essere una rivolta – che passa di figlia in madre e viceversa – quando, dopo che la figlia avrà provocato la Preside e l’intero sistema scolastico, la mamma regalerà a Wadjda la bicicletta, come benedizione alla disobbedienza e via aperta al libero arbitrio.
Abdullah (il compagno innamorato, disposto ad accettare il carattere e i comportamenti da outsider della giovane protagonista) rappresenta una breccia nella mentalità maschilista e prepotente che ammanta di nero la società saudita e dimostra, anche lui, quanto il Futuro sia in mano alle nuove generazioni.
Haifaa Al Mansouur ha di nuovo raccontato e indagato la propria cultura di appartenenza nel suo ultimo film, presentato nelle sale cinematografiche nel settembre 2019 e intitolato (in italiano) La candidata ideale. Fino al mese di agosto dello stesso anno, se una donna voleva viaggiare, doveva avere il permesso scritto del padre, di un fratello o del marito; ora questa legge è cambiata, ma non i valori identitari che rendono marginale il femminile, nel privato e nel pubblico: ed è ancora una donna la protagonista del film, Maryam, che decide di candidarsi al Consiglio municipale con poteri su questioni locali come, ad esempio, la bonifica delle strade. Pochissimi voteranno per lei e la sua campagna elettorale sarà piena di ostacoli: viene insultata, deve tenere i comizi tramite l’uso del computer, è costretta a coprirsi gli occhi se parla in pubblico. Ma anche questa sceneggiatura (tratta da fatti realmente accaduti) rovescia il punto di vista, proponendo l’immagine, ancora una volta, di una donna che lotta per i propri diritti, con il coraggio di compiere una scelta spinosa e con lo stesso coraggio nell’avviare un percorso di consapevolezza di Sé.
La sorella di Maryam è differente da Wadjda: nel suo caso è una ragazza vittima della propria età, che desidera una vita tranquilla, perché si sente già vittima della professione dei due genitori. Il padre, infatti, è un musicista e la madre una cantante. Il padre è una figura maschile nobilitata, sempre perché la regista e i suoi collaboratori non vogliono cadere nei cliché: l’uomo, infatti, sarà capace di piangere senza nascondersi.

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I Trailer dei due film

La bicicletta verde e La candidata ideale

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Nella nuova puntata di Letteratitudine Cinema ci occupiamo di questo volume di Alessandra Montesanto dedicato al mondo del cinema con riferimento ai corti, film e documentari che hanno raccontato in presa diretta le periferie. Si intitola “Visioni periferiche. La narrazione dell’hinterland in Italia e nel mondo” (Ass. Multimage editore). Nicoletta Bortolotti ha intervistato l’autrice…

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Visioni periferiche – La narrazione dell’hinterland in Italia e nel mondo: intervista ad Alessandra Montesanto

di Nicoletta Bortolotti

Varlam Šalamov, nella prefazione ai Racconti di Kolyma, sorta di monumentale documentario scritto sull’atroce quotidianità del Gulag, affermava che nessuna forma artistica può abolire il dolore, ma solo dare voce o, addirittura, restituire bellezza come estremo atto politico. È il medesimo presupposto dello straordinario e sconvolgente turismo cinematografico nelle periferie delle grandi metropoli narrato da Alessandra Montesanto, docente di Cinema e Linguaggio dei Mass-Media e responsabile dell’Associazione Per i Diritti umani. “Visioni periferiche – La narrazione dell’hinterland in Italia e nel mondo” è disanima appassionata e meticolosa di corti, film e documentari che hanno raccontato in presa diretta le periferie. E alla vigilia della controversa decisione di chiudere cinema e teatri a causa di Covid-19, ecco che il cinema stesso, arte di centro, rischia di mutarsi in arte periferica.

- Come valuti la chiusura dei cinema e dei teatri?
Credo sia stato ingiusto chiuderli, perché significa dare un ulteriore colpo al settore della Cultura, fin troppo bistrattato nel nostro Paese. La Cultura – e quindi anche il cinema e il teatro – è fondamentale per crescere come umanità e affossarla significa interrompere un processo di evoluzione individuale e sociale che, di conseguenza, porta alla desertificazione dei valori positivi.

- Le maggiori metropoli mondiali sono cresciute con un centro verticale e un hinterland orizzontale. Come il paesaggio esteriore condiziona quello interiore e come lo racconta il cinema?
Il cinema riflette, spesso, ambienti periferici che Marc Augé definiva “non-luoghi”, ovvero spazi di transito (strade, piazze, mall) in cui non è possibile fermarsi a riflettere; luoghi in cui si trascorre il tempo, senza dare a quest’ultimo una densità di senso. La mancanza di cura e, soprattutto, di servizi porta a far crescere una sorta di nichilismo esistenziale nelle persone che abitano quegli ambienti che, a loro volta, perdono l’interesse per ciò che li circonda e diventano spettatori/attori di un degrado generale.

- E a chi spetta sui territori delle periferie decidere cosa è bellezza?
Il Bene comune, come la Bellezza, andrebbe richiesto dai cittadini stessi, in quanto loro diritto fondamentale; devono essere tutelati sia dalle istituzioni locali, sia da quelle nazionali con la partecipazione, appunto, degli abitanti del luogo. È importante attivare processi di cittadinanza attiva e progetti di riqualificazione urbana, come nel caso di alcune aree a Milano e a Roma, per esempio, di cui si parla nel libro.

- Citi Igiaba Scego: “La memoria non è negare quello che è stato, ma rielaborare quella vita passata…”. Come il cinema può farsi proiezione di memoria?
I film sono, come le altre forme artistiche, uno strumento adatto per mantenere viva la Memoria e, di conseguenza, leggere il presente e il futuro. Grazie al linguaggio tecnico (ambientazione, costumi, regia, fotografia, montaggio) si ricreano sullo schermo storie e situazioni che coinvolgono il pubblico, tramite i meccanismi di proiezione e di identificazione.

- Colpisce nelle vicende filmicamente narrate la presenza di corpi annientati, martoriati, venduti. Che cosa fanno le periferie ai corpi?
Nel libro cito un saggio molto noto di due antropologi e psicanalisti, Benasayag e Schmit (“L’epoca delle passioni tristi”), che sostengono quanto la mancanza di stimoli, di strutture per la formazione e lo svago, di sostegno all’inserimento lavorativo porti a vivere la periferia come una prigione, come un luogo da cui evadere, e i modi per farlo, purtroppo, possono essere numerosi e negativi per la salute psico-fisica delle persone: uso di alcol e di stupefacenti; utilizzo del proprio corpo come compravendita; ricorso alla violenza per micro o macro criminalità. Il corpo, quindi, diventa mappa del disagio sociale.

- In un film rumeno due ragazze costrette all’aborto clandestino concludono che non ne avrebbero più parlato. In che senso il cinema può mutare una vicenda individuale in allegoria del destino di un Paese?
Gabita e Otilia sono le protagoniste del film del regista rumeno Christian Mungiu, dal titolo “4 mesi, 3 settimane, 2 giorni”. Si tratta di una metafora dell’oblio collettivo: gli abitanti di un Paese che ha vissuto a lungo sotto dittatura, spesso, scelgono di non volere più ricordare il passato e di voler guardare solo avanti.

- Lo stile narrativo adottato è per lo più neorealistico… Quali differenze e continuità fra nuovi registi e grandi maestri del passato come Pasolini, Olmi, Scola…?
Oggi molti autori attingono dalla lezione dei Grandi, scegliendo storie minime che diventano universali, mantenendo sullo schermo la verosimiglianza, dando la parola alle persone del luogo. Si può parlare, in alcuni casi, di cinema civile, di denuncia e di questo abbiamo un gran bisogno.

- Nel viaggio affascinante che proponi convergono due centri di interesse, il cinema e i diritti umani… A quali tue esperienze personali si riferiscono?
Sono critico cinematografico e formatrice; amo le narrazioni, non solo letterarie, ma anche poetiche e artistiche.
Inoltre, da sette anni sono responsabile di un’associazione culturale, Associazione Per i Diritti Umani (www.peridirittiumani.com) con cui si vogliono approfondire gli argomenti relativi ai diritti universali sempre tramite la Cultura e il Giornalismo.

- La maggior parte delle sceneggiature sulle periferie ne intagliano ombre e assenze. Esistono anche sacche di luce e di autentica ricchezza?
Fortunatamente esistono: mi piace ricordare un progetto realizzato a Roma, presso la borgata del Trullo, che si intitola “Poeti der trullo”. Il gruppo dei “metroromantici” racconta la capitale degli emarginati con versi sentimentali e motivazionali. Poesie e murales inneggiano alla cura della famiglia, all’amicizia, alla solidarietà, e alla voglia di riscatto. È la voce dei giovani che hanno tutto il diritto di fare istanza di una vita più appagante e colorata.

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Alessandra Montesanto è laureata in Lettere e Filosofia, insegna Cinematografia ed è responsabile dell’Associazione Per i Diritti umani. È caporedattore del giornale online www.peridirittiumani.com, svolge l’attività di formatrice ed è stata Cultore di Materia presso l’Università di Urbino. Scrive per la rivista “Il ragazzo selvaggio”, pressenza.com; Pubblicazioni: “Visioni urbane. Viaggi tra Cinema e Architettura”, “Immigrazione e Mass Media. Per una corretta informazione”, “Mosaikon. Voci e immagini per I dirittti umani”, Arcipekago Edizioni. Di recente uscita: “Visioni periferiche. La narrazione dell’hinterland in Italia e nel mondo”, Multimage Editore. Con Giuseppe Acconcia, “A voce alta. La libertà di espressione nel mondo. La tutela negata”, Kanaga Editore. “Come carta di riso”, edito da Oèdipus, è la sua prima silloge poetica.

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Gigi Proietti (Roma, 2 novembre 1940 – Roma, 2 novembre 2020). Lo vogliamo ricordare così…

Gigi Proietti “Toto e la sauna”

Gigi Proietti “Nu’ me rompe er ca’”

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Approfondimenti su: Ansa, la Repubblica, Il Corriere della Sera, La Stampa, Rainews, Il Messaggero, Il Giornale, Wikipedia

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LA SERATA CONCLUSIVA DI VENEZIA ‘77: i premiati della 77ª Mostra internazionale d’arte cinematografica di Venezia.

Su LetteratitudineNews, il video integrale della cerimonia conclusiva della 77ª edizione della Mostra internazionale d’arte cinematografica di Venezia e del Red Carpet di chiusura

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Grande emozione alla cerimonia conclusiva della 77ª edizione della Mostra internazionale d’arte cinematografica di Venezia che si è svolta nella serata di oggi 12 settembre 2020. La serata è stata magnificamente condotta dall’attrice italiana Anna Foglietta, la quale aveva presentato anche la cerimonia d’apertura.

L’elenco dei film in concorso è disponibile qui.

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La giuria internazionale del concorso, presieduta da una grande stella del cinema internazionale, l’attrice australiana Cate Blanchett, ha assegnato il Leone d’oro al miglior film allo statunitense “Nomadland” di Chloé Zhao. Tra gli altri premi più importanti della sezione ufficiale figurano: il Leone d’argento per la miglior regia a Kiyoshi Kurosawa per “Supai no tsuma”; la Coppa Volpi per la migliore interpretazione femminile a Vanessa Kirby per “Pieces of a Woman”; la Coppa Volpi per la migliore interpretazione maschile a Pierfrancesco Favino per “Padrenostro”. Segnaliamo anche, nella sezione Orizzonti, il Premio Orizzonti per la miglior sceneggiatura a Pietro Castellitto per “I predatori”.
Di seguito, una carrellata di immagini e tutte le notizie su Venezia ‘77

La 77ª edizione della Mostra internazionale d’arte cinematografica si è svolta a Venezia dal 2 al 12 settembre 2020, diretta da Alberto Barbera e organizzata dalla Biennale presieduta da Roberto Cicutto. A causa della pandemia di COVID-19 in Italia e nel mondo, la sezione Sconfini non ha avuto luogo, mentre la sezione Venezia Classici si è tenuta a Bologna al festival Il Cinema Ritrovato dal 25 al 31 agosto 2020. Il film d’apertura è stato “Lacci” di Daniele Luchetti, mentre “Lasciami andare” di Stefano Mordini è stato quello di chiusura.

La serata conclusiva, condotta da Anna Foglietta (presso la Sala Grande del Palazzo del Cinema al Lido di Venezia) è stata eccezionalmente aperta da due contributi artistici affidati alla poetessa e drammaturga Mariangela Gualtieri e al cantautore Diodato.

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Premi

Premi della selezione ufficiale

• Leone d’oro al miglior film: Nomadland, regia di Chloé Zhao
• Leone d’argento – Gran premio della giuria: Nuevo orden, regia di Michel Franco
• Leone d’argento per la miglior regia: Kiyoshi Kurosawa per Supai no tsuma
• Coppa Volpi per la migliore interpretazione femminile: Vanessa Kirby per Pieces of a Woman
• Coppa Volpi per la migliore interpretazione maschile: Pierfrancesco Favino per Padrenostro
• Premio Osella per la migliore sceneggiatura: Chaitanya Tamhane per The Disciple
• Premio speciale della giuria: Dorogie tovarišči, regia di Andrej Končalovskij
• Premio Marcello Mastroianni ad un attore o attrice emergente: Rouhollah Zamani per Khōrshīd

Orizzonti

• Premio Orizzonti per il miglior film: Dashte khamoush, regia di Ahmad Bahrami
• Premio Orizzonti per la miglior regia: Lav Diaz per Lahi, hayop
• Premio speciale della giuria: Listen, regia di Ana Rocha de Sousa
• Premio Orizzonti per la miglior interpretazione femminile: Khansa Batma per Zanka Contact
• Premio Orizzonti per la miglior interpretazione maschile: Yahya Mahayni per The Man Who Sold His Skin
• Premio Orizzonti per la miglior sceneggiatura: Pietro Castellitto per I predatori
• Premio Orizzonti per il miglior cortometraggio: Entre tú y milagros, regia di Mariana Saffon

VENEZIA 77

Ecco l’elenco dei film che partecipano alla 77. Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia che si svolgerà dal dal 2 al 12 settembre 2020

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La cerimonia di chiusura della 77. Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia – sarà trasmessa in diretta sabato 12 settembre a partire dalle ore 19 su Rai Movie, Rai Play, in streaming sul sito ufficiale e sui social della Biennale di Venezia. La serata, condotta da Anna Foglietta (Sala Grande del Palazzo del Cinema al Lido) che assegnerà il Leone d’Oro per il miglior film e gli altri premi ufficiali, sarà eccezionalmente aperta da due contributi artistici affidati alla poetessa e drammaturga Mariangela Gualtieri e al cantautore Diodato.

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I film italiani in concorso sono quattro: “Le sorelle Macaluso” di Emma Dante, “Miss Marx” di Susanna Nicchiarelli, “Padrenostro” di Claudio Noce prodotto e interpretato da Pierfrancesco Favino, “Notturno” di Gianfranco Rosi.

Il film di chiusura sarà “Lasciami andare” di Stefano Mordini: un thriller psicologico con Stefano Accorsi, Valeria Golino, Maya Sansa e Serena Rossi

La giuria dei film in concorso sarà presieduta da Cate Blanchett: faranno parte della giuria Veronika Franz, Joanna Hogg, Nicola Lagioia, Christian Petzold, Cristi Puiu e Ludivine Sagnier.

La 77. Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica è organizzata dalla Biennale di Venezia e diretta da Alberto Barbera; si svolgerà al Lido di Venezia dal 2 al 12 settembre 2020.

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TRA I FILM IN CONCORSO…

In Between Dying
Regia  Hilal Baydarov
Interpreti  Orkhan Iskandarli, Rana Asgarova, Maryam Naghiyeva, Murvat Abdulazizov, Kamran Huseynov, Samir Abbasov / Azerbaijan, Usa / 88’

Le sorelle Macaluso
Regia  Emma Dante
Interpreti  Viola Pusateri, Eleonora De Luca, Simona Malato, Susanna Piraino, Serena Barone, Maria Rosaria Alati , Anita Pomario, Donatella Finocchiaro / Italia / 94’

The World To Come
Regia  Mona Fastvold
Interpreti  Katherine Waterston, Vanessa Kirby, Christopher Abbott, Casey Affleck / Usa / 98’

Nuevo orden
Regia  Michel Franco
Interpreti  Naián González Norvind, Diego Boneta, Mónica Del Carmen, Fernando Cuautle, Darío Yazbek, Eligio Meléndez / Messico, Francia / 88’

Amants
Regia  Nicole Garcia
Interpreti  Pierre Niney, Stacy Martin, Benoît Magimel / Francia / 102’

Laila in Haifa
Regia  Amos Gitai
Interpreti  Maria Zreik, Khawla Ibraheem, Bahira Ablassi, Naama Preis, Tsahi Halevi, Makram J. Khoury / Israele, Francia / 99’

Und morgen die ganze Welt
Regia  Julia von Heinz
Interpreti  Mala Emde, Noah Saavedra, Tonio Schneider, Luisa-Céline Gaffron, Andreas Lust / Germania, Francia / 101’

Dorogie Tovarischi (Cari compagni)
Regia  Andrei Konchalovsky
Interpreti  Julia Vysotskaya, Vladislav Komarov, Andrei Gusev, Yulia Burova, Sergei Erlish / Russia / 116’

Spy no Tsuma (La moglie della spia)
Regia  Kiyoshi Kurosawa
Interpreti  Yu Aoi, Issey Takahashi / Giappone / 115’

Khorshid (I figli del sole)
Regia  Majid Majidi
Interpreti  Ali Nasirian, Javad Ezzati, Tannaz Tabatabaie, Rouhollah Zamani, Seyed Mohammad Mehdi Mousavi Fard, Shamila Shirzad / Iran / 99’

Pieces of a Woman
Regia  Kornél Mundruczó
Interpreti  Vanessa Kirby, Shia LaBeouf, Ellen Burstyn, Jimmie Fails, Molly Parker, Sarah Snook, Iliza Shlesinger, Benny Safdie / Canada, Ungheria / 115’

Miss Marx
Regia  Susanna Nicchiarelli
Interpreti  Romola Garai, Patrick Kennedy, John Gordon Sinclair, Felicity Montagu, Karina Fernandez, Oliver Chris, Philip Gröning / Italia, Belgio / 107’

Padrenostro
Regia  Claudio Noce
Interpreti  Pierfrancesco Favino, Mattia Garaci, Barbara Ronchi, Francesco Gheghi, Francesco Colella, Antonio Gerardi / Italia / 120’

Notturno
Regia  Gianfranco Rosi
Italia, Francia, Germania / 100’

Śniegu już nigdy nie będzie (Non cadrà più la neve)
Regia  Małgorzata Szumowska, Michał Englert
Interpreti  Alec Utgoff, Maja Ostaszewska, Agata Kulesza, Weronika Rosati, Katarzyna Figura, Andrzej Chyra / Polonia, Germania / 113’

The Disciple
Regia  Chaitanya Tamhane
Interpreti  Aditya Modak, Arun Dravid, Sumitra Bhave, Kiran Yadnyopavit / India / 127’

Quo vadis, Aida?
Regia  Jasmila Zbanic
Interpreti  Jasna Ðuričić, Izudin Bajrović, Boris Ler, Dino Bajrović, Boris Isaković / Bosnia ed Erzegovina, Austria, Romania, Paesi Bassi, Germania, Polonia, Francia, Norvegia / 101’

Nomadland
Regia  Chloé Zhao
Interpreti  Frances McDormand, David Strathairn, Linda May, Charlene Swankie / Usa / 108’

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La nuova puntata di Letteratitudine Cinema la dedichiamo alla memoria di Ennio Morricone (Roma, 10 novembre 1928 – Roma, 6 luglio 2020): compositore, musicista, direttore d’orchestra e arrangiatore.

Ennio Morricone ci lascia oggi, all’alba del 6 luglio 2020, all’età di 91 anni, in una clinica romana in cui era stato ricoverato dopo una caduta che gli aveva causato la rottura del femore

“The King is dead. Long live the King!”
(Quentin Tarantino)

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Approfondimenti su: la Repubblica, Il Corriere della Sera, Ansa, La Stampa, Il Messaggero, Il Sole 24Ore, Il Giornale

Stampa e media esteri: The New York Times, The Los Angeles Times, CNN, BBC, Le Figaro, El Paìs

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La biografia (in breve)

Ennio Morricone (Roma, 10 novembre 1928 – Roma, 6 luglio 2020) è stato un compositore, musicista, direttore d’orchestra e arrangiatore italiano.
Ha studiato al Conservatorio di Santa Cecilia, a Roma, dove si è diplomato in tromba; ha scritto le musiche per più di 500 film e serie TV, oltre che opere di musica contemporanea. La sua carriera include un’ampia gamma di generi compositivi, che fanno di lui uno dei più versatili, prolifici e influenti compositori di colonne sonore di tutti i tempi. Le musiche di Morricone sono state usate in più di 60 film vincitori di premi. Come giovane arrangiatore della RCA, ha contribuito anche a formare il sound degli anni sessanta italiani, confezionando brani come Sapore di sale, Il mondo, Se telefonando, e i successi di Edoardo Vianello.

A partire dal 1946 ha composto più di 100 brani classici, ma ciò che ha dato la fama mondiale a Morricone come compositore, sono state le musiche prodotte per il genere del western all’italiana, che lo hanno portato a collaborare con registi come Sergio Leone, Duccio Tessari e Sergio Corbucci, con titoli come la Trilogia del dollaro, Una pistola per Ringo, La resa dei conti, Il grande silenzio, Il mercenario, Il mio nome è Nessuno e la Trilogia del tempo.

Dagli anni settanta Morricone diventa un nome di rilievo anche nel cinema hollywoodiano, componendo musiche per registi americani come John Carpenter, Brian De Palma, Barry Levinson, Mike Nichols, Oliver Stone e Quentin Tarantino. Morricone ha scritto le musiche per numerose pellicole nominate all’Academy Award come I giorni del cielo, Mission e The Untouchables – Gli intoccabili.

Nel 2007 Morricone ha ricevuto il premio Oscar onorario alla carriera “per i suoi contributi magnifici all’arte della musica da film” dopo essere stato nominato per 5 volte tra il 1979 e il 2001 senza aver mai ricevuto il premio. Il 28 febbraio 2016, ottiene il suo secondo Oscar per le partiture del film di Quentin Tarantino, The Hateful Eight, per la quale si è aggiudicato anche il Golden Globe.

Morricone ha vinto anche tre Grammy Awards, quattro Golden Globes, sei BAFTA, dieci David di Donatello, undici Nastri d’argento, due European Film Awards, un Leone d’Oro alla carriera e un Polar Music Prize. Ha venduto inoltre più di 70 milioni di dischi.

Era Accademico Effettivo dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia e socio dell’associazione Nuova Consonanza impegnata in Italia nella diffusione e produzione di musica contemporanea. Il 26 febbraio 2016, gli è stata attribuita la stella numero 2574 nella celebre Hollywood Walk of Fame. Il 27 dicembre 2017 ha ricevuto l’onorificenza di Cavaliere di Gran Croce dell’Ordine al merito della Repubblica Italiana, il secondo grado in ordine d’importanza.

(Fonte: Wikipedia Italia)

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Il necrologio scritto di pugno dallo stesso Ennio Morricone

“Io, Ennio Morricone, sono morto. Lo annuncio così a tutti gli amici che mi sono stati sempre vicino e anche a quelli un pò lontani che saluto con grande affetto. Impossibile nominarli tutti. Ma un ricordo particolare è per Peppuccio e Roberta, amici fraterni molto presenti in questi ultimi anni della nostra vita. C’è una sola ragione che mi spinge a salutare tutti così e ad avere un funerale in forma privata: non voglio disturbare. Saluto con tanto affetto Ines, Laura, Sara, Enzo e Norbert, per aver condiviso con me e la mia famiglia gran parte della mia vita. Voglio ricordare con amore le mie sorelle Adriana, Maria, Franca e i loro cari e far sapere loro quanto gli ho voluto bene. Un saluto pieno, intenso e profondo ai miei figli Marco, Alessandra, Andrea, Giovanni, mia nuora Monica, e ai miei nipoti Francesca , Valentina, Francesco e Luca. Spero che comprendano quanto li ho amati. Per ultima Maria (ma non ultima) . A lei rinnovo l’amore straordinario che ci ha tenuto insieme e che mi dispiace abbandonare. A Lei il più doloroso addio”

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Ieri sera, 8 maggio 2020, si è svolta la cerimonia di premiazione della 65ª edizione dei David di Donatello.

È stata trasmessa in diretta in prima serata su Rai 1, per la conduzione di Carlo Conti mentre i candidati erano collegati in video (per via delle restrizioni relative alla epidemia in corso da Covid-19) e hanno risposto alle domande presentate dallo studio. Ad inizio trasmissione, Conti ha letto un messaggio indirizzato al mondo del cinema da parte del Presidente della Repubblica Italiana Sergio Mattarella.

Grandissimo successo per Il traditore di Marco Bellocchio che si è aggiudicato il maggior numero di premi (6) tra cui film, regia e attore protagonista, seguito da Pinocchio di Matteo Garrone (5), Il primo re di Matteo Rovere (3) e La dea fortuna di Ferzan Özpetek (2).

Le candidature sono state annunciate il 18 febbraio 2020; i film che hanno ottenuto il maggior numero di candidature sono stati Il traditore con 18, Il primo re e Pinocchio con 15.

Tra i premi più attesi: miglior film a “Il traditore” di Marco Bellocchio; miglior regista: Marco Bellocchio per “Il traditore”; migliore attrice protagonista a Jasmine Trinca per “La dea fortuna”; miglior attore protagonista a Pierfrancesco Favino per “Il traditore”; migliore attrice non protagonista a Valeria Golino per “5 è il numero perfetto”; miglior attore non protagonista a Luigi Lo Cascio per “Il traditore”.

Segue l’elenco completo di vincitori e candidati.

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Vincitori e candidati (clicca sui link per aprire le pagine)

I vincitori sono indicati in grassetto, a seguire gli altri candidati.

Miglior film

• Il traditore, regia di Marco Bellocchio
• Il primo re, regia di Matteo Rovere
• La paranza dei bambini, regia di Claudio Giovannesi
• Martin Eden, regia di Pietro Marcello
• Pinocchio, regia di Matteo Garrone

Miglior regista

• Marco Bellocchio – Il traditore
• Matteo Garrone – Pinocchio
• Claudio Giovannesi – La paranza dei bambini
• Pietro Marcello – Martin Eden
• Matteo Rovere – Il primo re

Miglior regista esordiente

• Phaim Bhuiyan – Bangla
• Igort – 5 è il numero perfetto
• Leonardo D’Agostini – Il campione
• Marco D’Amore – L’immortale
• Carlo Sironi – Sole

Migliore sceneggiatura originale

• Marco Bellocchio, Ludovica Rampoldi, Valia Santella, Francesco Piccolo – Il traditore
• Phaim Bhuiyan, Vanessa Picciarelli – Bangla
• Filippo Gravino, Francesca Manieri, Matteo Rovere – Il primo re
• Gianni Romoli, Silvia Ranfagni, Ferzan Özpetek – La dea fortuna
• Valerio Mieli – Ricordi?

Migliore sceneggiatura adattata

• Maurizio Braucci, Pietro Marcello – Martin Eden
• Mario Martone, Ippolita di Majo – Il sindaco del rione Sanità
• Jean-Luc Fromental, Thomas Bidegain, Lorenzo Mattotti – La famosa invasione degli orsi in Sicilia
• Claudio Giovannesi, Roberto Saviano, Maurizio Braucci – La paranza dei bambini
• Matteo Garrone, Massimo Ceccherini – Pinocchio

Miglior produttore

• Groenlandia, Gapbusters, Rai Cinema, Roman Citizen – Il primo re
• Domenico Procacci, Anna Maria Morelli (TIMvision) – Bangla
• IBC Movie, Kavac Film, Rai Cinema – Il traditore
• Pietro Marcello, Beppe Caschetto, Thomas Ordonneau, Michael Weber, Viola Fügen, Rai Cinema – Martin Eden
• Archimede, Rai Cinema, Le Pacte – Pinocchio

Migliore attrice protagonista

• Jasmine Trinca – La dea fortuna
• Valeria Bruni Tedeschi – I villeggianti
• Isabella Ragonese – Mio fratello rincorre i dinosauri
• Linda Caridi – Ricordi?
• Lunetta Savino – Rosa
• Valeria Golino – Tutto il mio folle amore

Miglior attore protagonista

• Pierfrancesco Favino – Il traditore
• Toni Servillo – 5 è il numero perfetto
• Alessandro Borghi – Il primo re
• Francesco Di Leva – Il sindaco del rione Sanità
• Luca Marinelli – Martin Eden

Migliore attrice non protagonista

• Valeria Golino – 5 è il numero perfetto
• Anna Ferzetti – Domani è un altro giorno
• Tania Garribba – Il primo re
• Maria Amato – Il traditore
• Alida Baldari Calabria – Pinocchio

Miglior attore non protagonista

• Luigi Lo Cascio – Il traditore
• Carlo Buccirosso – 5 è il numero perfetto
• Stefano Accorsi – Il campione
• Fabrizio Ferracane – Il traditore
• Roberto Benigni – Pinocchio

Migliore autore della fotografia

• Daniele Ciprì – Il primo re
• Vladan Radovic – Il traditore
• Francesco Di Giacomo – Martin Eden
• Nicolaj Brüel – Pinocchio
• Daria D’Antonio – Ricordi?

Miglior musicista

• Orchestra di piazza Vittorio – Il flauto magico di piazza Vittorio
• Andrea Farri – Il primo re
• Nicola Piovani – Il traditore
• Dario Marianelli – Pinocchio
• Thom Yorke – Suspiria

Migliore canzone originale

• Che vita meravigliosa (musica, testo e interpretata da Diodato) – La dea fortuna
• Festa (musica di Aiello, testo di Shoshi Md Ziaul e Aiello, interpretata da Moonstar Studio) – Bangla
• Rione Sanità (musica, testo e interpretata da Ralph P) – Il sindaco del rione Sanità
• Un errore di distrazione (musica, testo e interpretata da Brunori Sas) – L’ospite
• Suspirium (musica, testo e interpretata da Thom Yorke) – Suspiria

Miglior scenografo

• Dimitri Capuani – Pinocchio
• Nello Giorgetti – 5 è il numero perfetto
• Tonino Zera – Il primo re
• Andrea Castorina – Il traditore
• Inbal Weinberg – Suspiria

Miglior costumista

• Massimo Cantini Parrini – Pinocchio
• Nicoletta Taranta – 5 è il numero perfetto
• Valentina Taviani – Il primo re
• Daria Calvelli – Il traditore
• Andrea Cavalletto – Martin Eden

Miglior truccatore

• Dalia Colli, Mark Coulier – Pinocchio
• Andreina Becagli – 5 è il numero perfetto
• Roberto Pastore, Andrea Leanza, Valentina Visintin, Lorenzo Tamburini – Il primo re
• Dalia Colli, Lorenzo Tamburini – Il traditore
• Fernanda Perez – Suspiria

Miglior acconciatore

• Francesco Pegoretti – Pinocchio
• Marzia Colomba – Il primo re
• Alberta Giuliani – Il traditore
• Daniela Tartari – Martin Eden
• Manolo García – Suspiria

Miglior montatore

• Francesca Calvelli – Il traditore
• Granni Vezzosi – Il primo re
• Jacopo Quadri – Il sindaco del rione Sanità
• Aline Hervé, Fabrizio Federico – Martin Eden
• Marco Spoletini – Pinocchio

Miglior suono

• Il primo re
• 5 è il numero perfetto
• Il traditore
• Martin Eden
• Pinocchio

Migliori effetti speciali visivi

• Rodolfo Migliari e Theo Demeris – Pinocchio
• Giuseppe Squillaci – 5 è il numero perfetto
• Francesco Grisi e Gaia Bussolati – Il primo re
• Rodolfo Migliari – Il traditore
• Luca Saviotti – Suspiria

Miglior documentario

• Selfie, regia di Agostino Ferrente
• Citizen Rosi, regia di Didi Gnocchi e Carolina Rosi
• Fellini fine mai, regia di Eugenio Cappuccio
• La mafia non è più quella di una volta, regia di Franco Maresco
• Se c’è un aldilà sono fottuto – Vita e cinema di Claudio Caligari, regia di Simone Isola e Fausto Trombetta

Miglior film straniero

• Parasite (기생충, 寄生蟲), regia di Bong Joon-ho
• C’era una volta a… Hollywood , regia di Quentin Tarantino
• Green Book, regia di Peter Farrelly
• Joker, regia di Todd Phillips
• L’ufficiale e la spia (J’accuse), regia di Roman Polański

Miglior cortometraggio

• Inverno, regia di Giulio Mastromauro
• Baradar, regia di Beppe Tufarulo
• Il nostro tempo, regia di Veronica Spedicati
• Mia sorella, regia di Saverio Cappiello
• Unfolded, regia di Cristina Picchi

David Giovani

• Mio fratello rincorre i dinosauri, regia di Stefano Cipani
• Il traditore, regia di Marco Bellocchio
• L’uomo del labirinto, regia di Donato Carrisi
• La dea fortuna, regia di Ferzan Özpetek
• Martin Eden, regia di Pietro Marcello

David dello spettatore

• Il primo Natale, regia di Ficarra e Picone

David speciale

• Franca Valeri

OSCAR 2020: I VINCITORI, LA SORPRESA, I COMMENTI

La grande sorpresa di “Parasite”: il più premiato nonché il primo lungometraggio in lingua non inglese a vincere l’Oscar come miglior film (insieme ad altre tre statuette, tra cui “miglior regia”). Delusione per “1917″, dato per favorito (che si aggiudica tre Oscar).

Miglior attore protagonista: Joaquin Phoenix per “Joker”; miglior attrice protagonista: Renée Zellweger per “Judy”; miglior attore non protagonista: Brad Pitt per “C’era una volta a… Hollywood”; migliore attrice non protagonista: Laura Dern per “Storia di un matrimonio”.

Nessun premio per “The Irishman” di Martin Scorsese.

Alla “nostra” Lina Wertmüller è stato conferito il Premio Oscar onorario (alla carriera).

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La 92ª edizione dei premi Oscar si è tenuta al Dolby Theatre di Los Angeles il 9 febbraio 2020 (in Italia nella notte tra il 9 e il 10). Così come l’edizione precedente, la cerimonia non ha avuto un presentatore ufficiale ed è stata trasmessa in diretta negli Stati Uniti da ABC. A partire da questa edizione, il premio per il miglior film in lingua straniera viene rinominato Premio Oscar al miglior film internazionale e quello per il miglior trucco e acconciatura passa da tre candidati a cinque.

Le candidature sono state annunciate il 13 gennaio 2020 dagli attori John Cho e Issa Rae al Samuel Goldwyn Theater di Beverly Hills.

Il film con più candidature è stato “Joker”, con undici. Il film più premiato è stato il sudcoreano “Parasite”, con quattro vittorie, tra cui quella per il miglior film: si tratta del primo film in lingua non inglese a vincere il premio.

Questa edizione degli Oscar, dunque, può essere considerata come ’storica’ e ricordata come quella della Grande Sorpresa. Non solo l’Oscar come miglior film. Bong Joon-ho di “Parasite” oltrepassa Sam Mendes di “1917″ e si aggiudica il premio come miglior regista. E “Parasasite” vince anche il premio per la migliore sceneggiatura originale.

Ma di cosa parla “Parasite”?
Il film è una feroce satira costruita attorno a due famiglie di Seoul appartenenti a due diverse classi sociali: una vive in condizioni di povertà in un seminterrato, l’altra risiede in una grande casa in condizioni di grande agiatezza. È il primo film in lingua non inglese che – per la prima volta nella storia di Hollywood e degli Academy Awards – si aggiudica la statuetta come Miglior Film.

“Mi sento come se dovessi svegliarmi per scoprire che è tutto un sogno. Sembra tutto molto surreale”, ha detto Bong.
“Sono senza parole” ha dichiarato la produttrice Kwak Sin-ae. “Non abbiamo mai immaginato che ciò potesse accadere”.

Brad Pitt ha vinto il primo Oscar della sua carriera. È sua la statuetta di miglior attore non protagonista nel film “C’era una volta a…Hollywood” di Quentin Tarantino. Salito sul palco Pitt ne ha approfittato per rivolgere al pubblico un discorso ‘politico’ relativamente a come sono state gestite le procedure di impeachment contro il presidente degli Stati Uniti Donald Trump. “Mi hanno detto che avevo solo 45 secondi qui, 45 secondi in più di quanto il Senato ha dato questa settimana a John Bolton”, ha detto Brad Pitt accusando il Senato a maggioranza repubblicana di aver bloccato la testimonianza di Bolton, ex Consigliere per la sicurezza nazionale, nel corso del processo per l’impeachment del presidente Trump. Poi ha reso omaggio al omaggio al co-protagonista del film Leonardo DiCaprio e ha ringraziato Quentin Tarantino: “Il cinema sarebbe triste senza di te. Sei originale, davvero unico. Quentin, tu cerchi sempre il meglio delle persone. E ora dobbiamo cominciare a dimostrare il nostro affetto per i nostri stuntman”.

Come da previsione, Joaquin Phoenix ha vinto l’Oscar come miglior attore protagonista per “Joker”. Phoenix ha anche usato il podio per inviare un sentito messaggio sullo stato di salute del mondo, sostenendo che gli attori hanno il potere di dare una “voce ai senza voce”. Dopo aver chiesto al pubblico di smettere di applaudire mentre saliva sul palco ha parlato di diritti degli animali, di ambiente, di razzismo e di sessismo. “Ci sentiamo in diritto di inseminare artificialmente una mucca”, ha detto Phoenix, “e quando partorisce, rubiamo il suo piccolo anche se le sue grida di angoscia sono inconfondibili”. Poi ha aggiunto: “Sono stato un furfante nella mia vita. A volte sono stato crudele e ammetto che deve essere stato difficile lavorare con me, ma tante persone in questa stanza mi hanno dato una seconda possibilità”. Ha poi concluso il suo discorso citando una frase scritta dal suo defunto fratello River: “Soccorri il prossimo e seguiranno amore e pace”.

Il giorno prima del suo 53° compleanno, Laura Dern si aggiudica l’Oscar (era la favorita) come miglior attrice non protagonista per aver interpretato un avvocato divorzista in “Storia di un matrimonio”.
“E’ un onore essere qui”, ha detto la Dern ringraziando l’Academy. Poi ha ringraziato regista e attori del film, distribuito da Netflix. E ha voluto rendere omaggio ai genitori, definiti i suoi “supereroi”. Laura Dern viene da un’illustre famiglia di attori. Tuttavia né sua madre, Diane Ladd (nominata per tre Oscar), né suo padre Bruce Dern (due nomination al suo attivo) avevano mai vinto una statuetta.
Questo Oscar è “il miglior regalo di compleanno che si possa ricevere”, ha detto la Dern.

Renée Zellweger ha vinto l’Oscar come miglior attrice protagonista per “Judy”. Salita sul palco ne ha approfittato per omaggiare la Garland: colei che ha interpretato nel film e che fu nominata per due Oscar negli anni ‘50 e ‘60. “Judy Garland non ha ricevuto questo onore ai suoi tempi”, ha detto la Zellweger. “Sono certa che questo momento è un’estensione della celebrazione della sua eredità.”

Degna di nota è la contestazione di Natalie Portman sul red carpet degli Oscar. L’attrice (presente in quanto una dei presentatori dei premi) ha reso omaggio alle donne registe snobbate agli award di quest’anno indossando un mantello che aveva ricamato sui bordi i nomi delle registe non prese in considerazione quest’anno tra cui Greta Gerwig (“Little Women”), Lorene Scafaria (“Hustlers”) e Lulu Wang (“The Farewell”).

I grandi sconfitti? Senza dubbio Martin Scorsese e il suo “The Irishman“. Dato per superfavorito (con ben 10 nomination) il film diretto da Scorsese (benché il regista sia stato citato sul palco con affetto e stima da Bong Joon-ho, regista di Parasite) non si aggiudica nemmeno una statuetta.

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CANDIDATI E VINCITORI (cliccare sui link per aprire le pagine dedicate a film e vincitori)

Miglior film

• Parasite (Gisaengchung), regia di Bong Joon-ho
• 1917, regia di Sam Mendes
• C’era una volta a… Hollywood (Once Upon a Time… in Hollywood), regia di Quentin Tarantino
• The Irishman, regia di Martin Scorsese
• Jojo Rabbit, regia di Taika Waititi
• Joker, regia di Todd Phillips
• Le Mans ‘66 – La grande sfida (Ford v Ferrari), regia di James Mangold
• Piccole donne (Little Women), regia di Greta Gerwig
• Storia di un matrimonio (Marriage Story), regia di Noah Baumbach

Migliore regia

• Bong Joon-ho – Parasite (Gisaengchung)
• Sam Mendes – 1917
• Todd Phillips – Joker
• Martin Scorsese – The Irishman
• Quentin Tarantino – C’era una volta a… Hollywood (Once Upon a Time… in Hollywood)

Migliore attore protagonista

• Joaquin Phoenix – Joker
• Antonio Banderas – Dolor y gloria
• Leonardo DiCaprio – C’era una volta a… Hollywood (Once Upon a Time… in Hollywood)
• Adam Driver – Storia di un matrimonio (Marriage Story)
• Jonathan Pryce – I due papi (The Two Popes)

Migliore attrice protagonista

• Renée Zellweger – Judy
• Cynthia Erivo – Harriet
• Scarlett Johansson – Storia di un matrimonio (Marriage Story)
• Saoirse Ronan – Piccole donne (Little Women)
• Charlize Theron – Bombshell – La voce dello scandalo (Bombshell)

Migliore attore non protagonista

• Brad Pitt – C’era una volta a… Hollywood (Once Upon a Time… in Hollywood)
• Tom Hanks – Un amico straordinario (A Beautiful Day in the Neighborhood)
• Anthony Hopkins – I due papi (The Two Popes)
• Al Pacino – The Irishman
• Joe Pesci – The Irishman

Migliore attrice non protagonista

• Laura Dern – Storia di un matrimonio (Marriage Story)
• Kathy Bates – Richard Jewell
• Scarlett Johansson – Jojo Rabbit
• Florence Pugh – Piccole donne (Little Women)
• Margot Robbie – Bombshell – La voce dello scandalo (Bombshell)

Migliore sceneggiatura originale

• Bong Joon-ho e Han Jin-won – Parasite (Gisaengchung)
• Noah Baumbach – Storia di un matrimonio (Marriage Story)
• Rian Johnson – Cena con delitto – Knives Out
• Sam Mendes e Krysty Wilson-Cairns – 1917
• Quentin Tarantino – C’era una volta a… Hollywood (Once Upon a Time… in Hollywood)

Migliore sceneggiatura non originale

• Taika Waititi – Jojo Rabbit
• Greta Gerwig – Piccole donne (Little Women)
• Anthony McCarten – I due papi (The Two Popes)
• Todd Phillips e Scott Silver – Joker
• Steven Zaillian – The Irishman

Miglior film internazionale

• Parasite (Gisaengchung), regia di Bong Joon-ho (Corea del Sud)
• Boże Ciało, regia di Jan Komasa (Polonia)
• Dolor y gloria, regia di Pedro Almodóvar (Spagna)
• Medena zemja, regia di Tamara Kotevska e Ljubomir Stefanov (Macedonia del Nord)
• I miserabili (Les Misérables), regia di Ladj Ly (Francia)

Miglior film d’animazione

• Toy Story 4, regia di Josh Cooley
• Dov’è il mio corpo? (J’ai perdu mon corps), regia di Jérémy Clapin
• Dragon Trainer – Il mondo nascosto (How to Train Your Dragon: The Hidden World), regia di Dean DeBlois
• Klaus – I segreti del Natale (Klaus), regia di Sergio Pablos
• Missing Link, regia di Chris Butler

Migliore fotografia

• Roger Deakins – 1917
• Jarin Blaschke – The Lighthouse
• Rodrigo Prieto – The Irishman
• Robert Richardson – C’era una volta a… Hollywood (Once Upon a Time… in Hollywood)
• Lawrence Sher – Joker

Migliore scenografia

• Barbara Ling e Nancy Haigh – C’era una volta a… Hollywood (Once Upon a Time… in Hollywood)
• Dennis Gassner e Lee Sandales – 1917
• Lee Ha-jun e Cho Won-woo – Parasite (Gisaengchung)
• Bob Shaw e Regina Graves – The Irishman
• Ra Vincent e Nora Sopková – Jojo Rabbit

Miglior montaggio

• Andrew Buckland e Michael McCusker – Le Mans ‘66 – La grande sfida (Ford v Ferrari)
• Tom Eagles – Jojo Rabbit
• Jeff Groth – Joker
• Thelma Schoonmaker – The Irishman
• Yang Jin-mo – Parasite (Gisaengchung)

Migliore colonna sonora

• Hildur Guðnadóttir – Joker
• Alexandre Desplat – Piccole donne (Little Women)
• Randy Newman – Storia di un matrimonio (Marriage Story)
• Thomas Newman – 1917
• John Williams – Star Wars: L’ascesa di Skywalker (Star Wars: The Rise of Skywalker)

Migliore canzone

• (I’m Gonna) Love Me Again (Elton John, Bernie Taupin) – Rocketman
• I Can’t Let You Throw Yourself Away (Randy Newman) – Toy Story 4
• I’m Standing With You (Diane Warren) – Atto di fede (Breakthrough)
• Into the Unknown (Kristen Anderson-Lopez e Robert Lopez) – Frozen II – Il segreto di Arendelle (Frozen II)
• Stand Up (Joshuah Brian Campbell, Cynthia Erivo) – Harriet

Migliori effetti speciali

• Greg Butler, Dominic Tuohy e Guillaume Rocheron – 1917
• Matt Aitken, Dan DeLeeuw, Russell Earl e Daniel Sudick – Avengers: Endgame
• Leandro Estebecorena, Nelson Sepulveda-Fauser e Stephane Grabli e Pablo Helman – The Irishman
• Roger Guyett, Neal Scanlan, Patrick Tubach e Dominic Tuohy – Star Wars: L’ascesa di Skywalker (Star Wars: The Rise of Skywalker)
• Andrew R. Jones, Robert Legato, Elliot Newman e Adam Valdez – Il re leone (The Lion King)

Miglior sonoro

• Mark Taylor e Stuart Wilson – 1917
• David Giammarco, Paul Massey e Steven A. Morrow – Le Mans ‘66 – La grande sfida (Ford v Ferrari)
• Tom Johnson, Gary Rydstrom e Mark Ulano – Ad Astra
• Todd Maitland, Tom Ozanich e Dean Zupancic – Joker
• Christian P. Minkler, Michael Minkler e Mark Ulano – C’era una volta a… Hollywood (Once Upon a Time… in Hollywood)

Miglior montaggio sonoro

• Donald Sylvester – Le Mans ‘66 – La grande sfida (Ford v Ferrari)
• David Acord e Matthew Wood – Star Wars: L’ascesa di Skywalker (Star Wars: The Rise of Skywalker)
• Alan Robert Murray – Joker
• Wylie Stateman – C’era una volta a… Hollywood (Once Upon a Time… in Hollywood)
• Oliver Tarney e Rachael Tate – 1917

Migliori costumi

• Jacqueline Durran – Piccole donne (Little Women)
• Mark Bridges – Joker
• Arianne Phillips – C’era una volta a… Hollywood (Once Upon a Time… in Hollywood)
• Sandy Powell e Christopher Peterson – The Irishman
• Mayes C. Rubeo – Jojo Rabbit

Miglior trucco e acconciatura

• Vivian Baker, Anne Morgan e Kazuhiro Tsuji – Bombshell – La voce dello scandalo (Bombshell)
• Rebecca Cole, Naomi Donne e Tristan Versluis – 1917
• Kay Georgiou e Nicki Ledermann – Joker
• Paul Gooch, Arjen Tuiten e David White – Maleficent – Signora del male (Maleficent: Mistress of Evil)
• Jeremy Woodhead – Judy

Miglior documentario

• Made in USA – Una fabbrica in Ohio (American Factory), regia di Steven Bognar e Julia Reichert
• Alla mia piccola Sama (For Sama), regia di Waad al-Kateab ed Edward Watts
• The Cave, regia di Feras Fayyad
• Edge of Democracy – Democrazia al limite (Democracia em vertigem), regia di Petra Costa
• Medena zemja, regia di Tamara Kotevska e Ljubomir Stefanov

Miglior cortometraggio documentario

• Learning to Skateboard in a Warzone (If You’re a Girl), regia di Carol Dysinger
• In the Absence, regia di Yi Seung-jun
• Life Overtakes Me, regia di Kristine Samuelson e John Haptas
• St. Louis Superman, regia di Smriti Mundhra e Sami Khan
• Walk Run Cha-Cha, regia di Laura Nix

Miglior cortometraggio

• The Neighbors’ Window, regia di Marshall Curry
• Ikhwène, regia di Meryam Joobeur
• Nefta Football Club, regia di Yves Piat
• Saria, regia di Bryan Buckley
• Une sœur, regia di Delphine Girard

Miglior cortometraggio d’animazione

• Hair Love, regia di Bruce W. Smith, Matthew A. Cherry e Everett Downing Jr.
• Dcera, regia di Daria Kashcheeva
• Kitbull, regia di Rosana Sullivan
• Mémorable, regia di Bruno Collet
• Sister, regia di Siqi Song

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Premi speciali

Oscar onorario a…

• David Lynch
• Wes Studi
• Lina Wertmüller

Premio umanitario Jean Hersholt a…

• Geena Davis

Film che hanno ricevuto più candidature e premi

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Film che hanno ricevuto più premi

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Baftas 2020: grande trionfo per il film di Sam Mendes, “1917″

Il film di Mendes ambientato nella Prima Guerra Mondiale e intitolato “1917″ domina la competizione dei Bafta Film Awards aggiudicandosi sette premi

La 73ª edizione dei premi BAFTA (considerati gli “Oscar inglesi), conferiti dalla British Academy of Film and Television Arts alle migliori produzioni cinematografiche del 2019, si è tenuta il 2 febbraio 2020 alla Royal Albert Hall di Londra. La cerimonia è stata presentata dal conduttore televisivo e comico irlandese Graham Norton. Le candidature erano state annunciate il 7 gennaio 2020.

Il film più premiato è stato “1917″ di Sam Mendes, con sette statuette, tra cui quelle per il miglior film, il miglior film britannico, il miglior regista e la migliore cinematografia.
“Joker” ha vinto tre premi tra cui il miglior attore per Joaquin Phoenix, mentre Renee Zellweger è stata nominata migliore attrice per la sua interpretazione di Judy Garland.
Il film sudcoreano “Parasite” ha vinto due premi: per la sceneggiatura originale e il film non in lingua inglese.
Brad Pitt ha vinto il premio di miglior attore non protagonista per il suo ruolo in “Once Upon A Time In Hollywood” di Quentin Tarantino
Laura Dern è stata nominata migliore attrice non protagonista per la sua interpretazione come avvocato divorzista in “Marriage Story”.

È la prima volta dal 1977 che tutti e quattro i premi Bafta per la recitazione sono stati vinti da attori americani. Facendo un po’ di conti arriviamo alla conclusione che – con i Bafta – Zellweger, Phoenix, Dern e Pitt hanno vinto nelle rispettive categorie di recitazione i premi di tutte le principali cerimonie della stagione. Oltre ai Baftas, hanno vinto ai Golden Globes, agli Screen Actors Guild Awards e ai Critics ‘Choice Awards. È presumibile che tutti e quattro trionferanno agli Oscar del prossimo fine settimana (La 92ª edizione dei premi Oscar si terrà al Dolby Theatre di Los Angeles, California, il 9 febbraio 2020).
“Joker” ha vinto il premio per la migliore colonna sonora originale realizzata dal compositore Hildur Gudnadottir.
Per quanto riguarda l’animazione ha vinto Netflix con “Klaus”, superando colossi del calibro di “Toy Story 4″ e “Frozen 2″.
“Bombshell”, che racconta la storia dello scandalo delle molestie sessuali del 2016 a Fox News ha primeggiato nelle sezioni dedicate a trucco e parrucco.
Il premio per il miglior cortometraggio è andato a “Granddad Was A Romantic”, mentre quello per il miglior costume è andato a “Little Women”, diretto da Greta Gerwig.
Il premio per la migliore sceneggiatura non originale è stato tributato a “Jojo Rabbit” di Taika Waititi.
Micheal Ward, stella di “Top Boy” e “Blue Story”, è stata nominata stella nascente Bafta.
“Sama”, film sull’esperienza di una giovane madre nella guerra civile siriana, si aggiudica il premio per il miglior documentario.

Un dato che ha fatto discutere: tutti i diciotto candidati alle categorie relative alla recitazione erano bianchi e per il settimo anno consecutivo non è stata nominata nessuna regista femminile.
Ultima considerazione in vista degli Oscar: il fatto che “1917″ abbia trionfato come miglior film ai Bafta, potrebbe non essere di buon auspicio per il più importante dei premi. Negli ultimi cinque anni, infatti, il vincitore del miglior film Bafta non ha vinto la sezione miglior film dei Premi Oscar.

Di seguito, tutte le categorie con l’indicazione delle nomination e dei vincitori finali.

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Vincitori e candidati

(cliccare sui link per visualizzare le pagine Wikipedia Italia dedicate ai film e ai protagonisti)

Miglior film

• 1917, regia di Sam Mendes
• C’era una volta a… Hollywood (Once Upon a Time… in Hollywood), regia di Quentin Tarantino
• The Irishman, regia di Martin Scorsese
• Joker, regia di Todd Phillips
• Parasite (Gisaengchung), regia di Bong Joon-ho

Miglior film britannico

• 1917, regia di Sam Mendes
• Bait, regia di Mark Jenkin
• I due papi (The Two Popes), regia di Fernando Meirelles
• Alla mia piccola Sama (For Sama), regia di Waad al-Kateab ed Edward Watts
• Rocketman, regia di Dexter Fletcher
• Sorry We Missed You, regia di Ken Loach

Miglior debutto di un regista, sceneggiatore o produttore britannico

• Mark Jenkin (regista, sceneggiatore), Kate Byers e Lynn Waite (produttrici) – Bait
• Waad al-Kateab (regista, produttrice) ed Edward Watts (regista) – Alla mia piccola Sama (For Sama)
• Álvaro Delgado-Aparicio (regista, sceneggiatore) – Retablo
• Alex Holmes (regista) – Maiden
• Harry Wootliff (regista, sceneggiatore) – Only You

Miglior film in lingua straniera

• Parasite (Gisaengchung), regia di Bong Joon-ho (Corea del Sud)
• Dolor y gloria, regia di Pedro Almodóvar (Spagna)
• The Farewell – Una bugia buona (The Farewell), regia di Lulu Wang (Stati Uniti d’America)
• Alla mia piccola Sama (For Sama), regia di Waad al-Kateab ed Edward Watts (Regno Unito)
• Ritratto della giovane in fiamme (Portrait de la jeune fille en feu), regia di Céline Sciamma (Francia)

Miglior documentario

• Alla mia piccola Sama (For Sama), regia di Waad al-Kateab ed Edward Watts
• Apollo 11, regia di Todd Douglas Miller
• Diego Maradona, regia di Asif Kapadia
• The Great Hack – Privacy violata (The Great Hack), regia di Karim Amer e Jehane Noujaim
• Made in USA – Una fabbrica in Ohio (American Factory), regia di Steven Bognar e Julia Reichert

Miglior film d’animazione

• Klaus – I segreti del Natale (Klaus), regia di Sergio Pablos
• Frozen II – Il segreto di Arendelle (Frozen II), regia di Jennifer Lee e Chris Buck
• Shaun, vita da pecora: Farmageddon – Il film (A Shaun the Sheep Movie: Farmageddon), regia di Will Becher e Richard Phelan
• Toy Story 4, regia di Josh Cooley

Miglior regista

• Sam Mendes – 1917
• Bong Joon-ho – Parasite (Gisaengchung)
• Todd Phillips – Joker
• Martin Scorsese – The Irishman
• Quentin Tarantino – C’era una volta a… Hollywood (Once Upon a Time… in Hollywood)

Miglior attore protagonista

• Joaquin Phoenix – Joker
• Leonardo DiCaprio – C’era una volta a… Hollywood (Once Upon a Time… in Hollywood)
• Adam Driver – Storia di un matrimonio (Marriage Story)
• Taron Egerton – Rocketman
• Jonathan Pryce – I due papi (The Two Popes)

Miglior attrice protagonista

• Renée Zellweger – Judy
• Jessie Buckley – A proposito di Rose – Wild Rose (Wild Rose)
• Scarlett Johansson – Storia di un matrimonio (Marriage Story)
• Saoirse Ronan – Piccole donne (Little Women)
• Charlize Theron – Bombshell – La voce dello scandalo (Bombshell)

Miglior attore non protagonista

• Brad Pitt – C’era una volta a… Hollywood (Once Upon a Time… in Hollywood)
• Tom Hanks – Un amico straordinario (A Beautiful Day in the Neighborhood)
• Anthony Hopkins – I due papi (The Two Popes)
• Al Pacino – The Irishman
• Joe Pesci – The Irishman

Miglior attrice non protagonista

• Laura Dern – Storia di un matrimonio (Marriage Story)
• Scarlett Johansson – Jojo Rabbit
• Florence Pugh – Piccole donne (Little Women)
• Margot Robbie – Bombshell – La voce dello scandalo (Bombshell)
• Margot Robbie – C’era una volta a… Hollywood (Once Upon a Time… in Hollywood)

Miglior sceneggiatura originale

• Bong Joon-ho e Han Jin-won – Parasite (Gisaengchung)
• Noah Baumbach – Storia di un matrimonio (Marriage Story)
• Susanna Fogel, Emily Halpern, Sarah Haskins e Katie Silberman – La rivincita delle sfigate (Booksmart)
• Rian Johnson – Cena con delitto – Knives Out (Knives Out)
• Quentin Tarantino – C’era una volta a… Hollywood (Once Upon a Time… in Hollywood)

Miglior sceneggiatura non originale

• Taika Waititi – Jojo Rabbit
• Anthony McCarten – I due papi (The Two Popes)
• Greta Gerwig – Piccole donne (Little Women)
• Todd Phillips e Scott Silver – Joker
• Steven Zaillian – The Irishman

Miglior fotografia

• Roger Deakins – 1917
• Jarin Blaschke – The Lighthouse
• Phedon Papamichael – Le Mans ‘66 – La grande sfida (Ford v Ferrari)
• Rodrigo Prieto – The Irishman
• Lawrence Sher – Joker

Miglior montaggio

• Andrew Buckland e Michael McCusker – Le Mans ‘66 – La grande sfida (Ford v Ferrari)
• Tom Eagles – Jojo Rabbit
• Jeff Groth – Joker
• Fred Raskin – C’era una volta a… Hollywood (Once Upon a Time… in Hollywood)
• Thelma Schoonmaker – The Irishman

Miglior colonna sonora

• Hildur Guðnadóttir – Joker
• Alexandre Desplat – Piccole donne (Little Women)
• Michael Giacchino – Jojo Rabbit
• Thomas Newman – 1917
• John Williams – Star Wars: L’ascesa di Skywalker (Star Wars: The Rise of Skywalker)

Miglior scenografia

• Dennis Gassner e Lee Sandales – 1917
• Mark Friedberg e Kris Moran – Joker
• Barbara Ling e Nancy Haigh – C’era una volta a… Hollywood (Once Upon a Time… in Hollywood)
• Bob Shaw e Regina Graves – The Irishman
• Ra Vincent e Nora Sopková – Jojo Rabbit

Migliori costumi

• Jacqueline Durran – Piccole donne (Little Women)
• Christopher Peterson e Sandy Powell – The Irishman
• Arianne Phillips – C’era una volta a… Hollywood (Once Upon a Time… in Hollywood)
• Mayes C. Rubeo – Jojo Rabbit
• Jany Temime – Judy

Miglior trucco e acconciatura

• Vivian Baker, Kazuhiro Tsuji e Anne Morgan – Bombshell – La voce dello scandalo (Bombshell)
• Naomi Donne – 1917
• Kay Georgiou e Nicki Ledermann – Joker
• Lizzie Yianni Georgiou – Rocketman
• Jeremy Woodhead – Judy

Miglior sonoro

• Scott Millan, Oliver Tarney, Rachael Tate, Mark Taylor e Stuart Wilson – 1917
• David Acord, Andy Nelson, Christopher Scarabosio, Stuart Wilson e Matthew Wood – Star Wars: L’ascesa di Skywalker (Star Wars: The Rise of Skywalker)
• Matthew Collinge, John Hayes, Mike Prestwood Smith e Danny Sheehan – Rocketman
• David Giammarco, Paul Massey, Steven A. Morrow e Donald Sylvester – Le Mans ‘66 – La grande sfida (Ford v Ferrari)
• Todd Maitland, Alan Robert Murray, Tom Ozanich e Dean Zupancic – Joker

Miglior effetti speciali

• Greg Butler, Guillaume Rocheron e Dominic Tuohy – 1917
• Dan DeLeeuw e Daniel Sudick – Avengers: Endgame
• Leandro Estebecorena, Stephane Grabli e Pablo Helman – The Irishman
• Andrew R. Jones, Robert Legato, Elliot Newman e Adam Valdez – Il re leone (The Lion King)
• Roger Guyett, Paul Kavanagh, Neal Scanlan e Dominic Tuohy – Star Wars: L’ascesa di Skywalker (Star Wars: The Rise of Skywalker)

Miglior cortometraggio animato

• Grandad was a romantic., regia di Maryam Mohajer
• In Her Boots, regia di Kathrin Steinbacher
• The Magic Boat, regia di Naaman Azhari

Miglior cortometraggio

• Learning to Skate In a Warzone (If You’re a Girl), regia di Carol Dysinger
• Azaar, regia di Myriam Raja
• Goldfish, regia di Hector Dockrill
• Kamali, regia di Sasha Rainbow
• The Trap, regia di Lena Headey

Miglior stella emergente

• Micheal Ward
• Awkwafina
• Kaitlyn Dever
• Kelvin Harrison Jr.
• Jack Lowden

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LOCANDINE E IMMAGINI

(cliccare sui link e sulle immagini per visualizzare le pagine dedicate ai film e ai protagonisti dal sito Bafta.org)

1917 – BEST FILM

1917 – OUTSTANDING BRITISH FILM

BAIT – OUTSTANDING DEBUT BY A BRITISH WRITER, DIRECTOR OR PRODUCER

PARASITE – FILM NOT IN THE ENGLISH LANGUAGE

FOR SAMA – DOCUMENTARY

KLAUS – ANIMATED FILM

1917 – DIRECTOR

PARASITE – ORIGINAL SCREENPLAY

JOJO RABBIT – ADAPTED SCREENPLAY

RENÉE ZELLWEGER – LEADING ACTRESS

JOAQUIN PHOENIX – LEADING ACTOR

LAURA DERN – SUPPORTING ACTRESS

BRAD PITT – SUPPORTING ACTOR

JOKER – ORIGINAL SCORE

JOKER – CASTING

1917 – CINEMATOGRAPHY

LE MANS ’66 – EDITING

1917 – PRODUCTION DESIGN

LITTLE WOMEN – COSTUME DESIGN

BOMBSHELL – MAKE UP & HAIR

1917 – SOUND

1917 – SPECIAL VISUAL EFFECTS

GRANDAD WAS A ROMANTIC – BRITISH SHORT ANIMATION

LEARNING TO SKATEBOARD IN A WARZONE (IF YOU’RE A GIRL) – BRITISH SHORT FILM

EE RISING STAR AWARD

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Si è conclusa la 76. Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica organizzata dalla Biennale di Venezia. Si è svolta al Lido di Venezia dal 28 agosto al 7 settembre 2019. L’attrice Alessandra Mastronardi ha condotto la serata di chiusura. Di seguito: tutte le informazioni, il video integrale della cerimonia di premiazione e i commenti “speciali” di Nicola Lagioia.

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In questi giorni abbiamo seguito i principali eventi legati a Venezia 76 in questa pagina speciale di Letteratitudine Cinema.

Nel corso della cerimonia di premiazione, che si è svolta nella serata del 7 settembre, sono stati celebrati i vincitori delle varie sezioni.

Il Leone d’oro per il miglior film è andato a “Joker” di Todd Phillips (Usa).

All’italiano Luca Marinelli, protagonista di “Martin Eden” di Pietro Marcello, la Coppa Volpi maschile (premio per il miglior attore).

Coppa Volpi per la miglior attrice a: Ariane Ascaride per la sua interpretazione nel film “Gloria Mundi” di Robert Guédiguian (Francia, Italia).

Gran Premio della Giuria a “J’accuse” di Roman Polanski (Francia, Italia).

Leone d’Argento per la migliore regia a: Roy Andersson per il film “Om det oändliga (About endlessness)” (Svezia, Germania, Norvegia).

Di seguito: il commento di Nicola Lagioia, i video della premiazione e le informazioni su tutti i premiati

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VENEZIA 76: il commento di Nicola Lagioia

Con perfetta scelta di tempo drammaturgico , una pioggia sottile sottile comincia a scendere sul Lido a fine Mostra, l’estate è finita, un altro anno inizia, io domani parto per la Croazia, mentre il 10 sono già a Torino dove (con Jonathan Safran Foer, Bret Easton Ellis, Isabel allende, Salvatore Scibona, Samanta Schweblin, David Grossman e tanti altri) comincia la stagione autunnale – devo dire magnifica – del nostro Salone.

Cosa dire di Venezia76? Sono felice per Luca Marinelli, sono felice per Franco Maresco, felice per Polanski e Seigner, spero che il magnifico “Joker” riceva la lettura (profondamente politica) che merita alla sua uscita.
Ma soprattutto una cosa. Chi ha visto (come ogni anno) i film della Mostra (tutti: Concorso, Orizzonti, Fuori Concorso) può solo onestamente prendere atto di una cosa: in giro per il mondo – in contrasto a tanto orrore – si continuano a fare cose belle, a volte bellissime, chi con produzioni stratosferiche, chi con pochissime risorse. Come del resto si continuano a fare grandi libri, anche qui, chi con tirature da capogiro, chi con poche copie uscite, cosa importa, ma è la forma di resistenza – a mio parere – più nobile che ci sia.
Lo dico soprattutto ai giovani che vogliano consacrarsi al cinema o alla letterautra:  lottate per la vostra opera, solo quella conta, e a meno che la vostra opera non sia “Eros e Priapo”, come impegno politico vale mille volte quello che silenziosamente state cercando di portare a termine (inattuale o meno) che 1.000 tweet ammiccanti e spiritosi sulla situazione politica italiana o internazionale. Da una parte le scorciatoie che portano alla lunga in un intrico di rimpianti (a scavare neanche troppo a fondo nel vostro cuore, lo sapete che è così). Dall’altra il sentiero che vi terrà davvero in vita.

“Martin Eden”, di Pietro Marcello
Avevo visto “La bocca del lupo” e “Bella e perduta”, e speravo che Pietro Marcello provasse a fare prima o poi qualcosa del genere. Passare – per intenderci – dall’astratto al figurativo, dalla libera associazione alla narrazione. Dico una cosa probabilmente discutibile, non è ovviamente valida per tutti ma credo sia valida in tanti casi: e cioè che molti dei nostri migliori autori rischino meno a cimentarsi con Breton che con Jack London, che si stia più comodi sotto l’ombra di Man Ray che sotto quella di Orson Welles.
Giunti a un certo punto, un certo sperimentalismo può diventare un rifugio e non un modo per mettersi in gioco, quindi sono felice che Pietro Marcello l’abbia fatto nel migliore dei modi e al momento giusto.
In “Martin Eden” c’è il melodramma e il romanticismo, la storia sociale e l’esaltazione dell’individuo (cioè puro London), una struttura narrativa solida e tradizionale, ma impiantata (è pur sempre un film di Pietro Marcello) su una linea cronologica totalmente non convenzionale e aliena rispetto a quel modulo narrativo. Gli anni Venti mescolati con agli anni Cinquanta, il XXI secolo piombato all’improvviso negli anni Quaranta del Novecento. C’è il popolare e una potente autorialità, ma ben oltre l’insopportabile “miscuglio di alto e basso” che è ormai una maniera. Luca Marinelli molto a suo agio, tra immersione nel personaggio e straniamento. E poi: un film che scava molto nel corpo (estetico, prima ancora che tematico) dell’Italia.

“Joker” di Todd Philips
Le élites hanno reso il popolo mostruoso. Il popolo renderà ancora più mostruose le élites.
“Joker” di Todd Philips. Uno dei film politici più potenti, disturbanti e violenti che ho visto negli ultimi anni. Ieri sarebbe stato un film distopico, oggi è quasi cronaca.
Esclusione sociale. Ultraviolenza. La malattia mentale consustanziale all’inno tatcheriano secondo cui non esiste la società ma solo gli individui. L’impossibilità di empatizzare con chi sta peggio di noi. Il bisogno ipocritamente condiviso dello psicopatico totale. Il caos che viene. L’ombra di Pumpkin (“Re per una notte” di Scorsese) diventata mostruosa. De Niro a ruolo invertito con quel film. Echi anche da “Taxi driver”, da “Shining”, da Frank Miller, Alan Moore. Joaquin Phoenix gigantesco.
Immagino qualche imbarazzo tra i palati fini. Vedere in lingua originale.

“J’accuse” di Roman Polanski
In pillole:
1) Si tratta chiaramente di un film sull’inizio del XXI secolo ambientato alla fine del XIX.
2) E’ sì un film sul coraggio di lottare per la verità e sui crimini del potere (magistrati, ufficiali, professionisti, membri del governo corrotti o reticenti o omertosi) ma è ancora di più un film sulla stupidità e sul conformismo criminale della folla, di noi, quando accettiamo di ingrossarne le fila, la folla così manipolabile, così amorale, così violenta, così spietata, così divorata dal bisogno di giudicare, così infallibilmente capace di sbagliare sempre il proprio bersaglio. Del resto, basta andare più indietro nel tempo e riesaminare l’affaire Barabba.
3) Picquart, Zola, e naturalmente Dreyfus, non lottano per l’eversione, ma per difendere un’istituzione.
4) Se sei un maestro del cinema, se sei di quelli che hanno scritto la storia del cinema, nessuno potrà strappartelo di dosso, indipendentemente da che tipo di uomo sei. Ma poi: chi, tra chi vuole giudicare, ritiene di poter dire con certezza che tipo di uomo sei?

“La mafia non è più quella di una volta” di Franco Maresco
Franco Maresco non se l’è sentita di venire a Venezia, facendo saltare (è la prima volta che succede per un film in concorso nella storia della mostra) la conferenza stampa de “La mafia non è più quella di una volta”. C’era invece una delle protagoniste del film, la fotografa Letizia Battaglia, alla quale è stata tributata una lunga e meritata ovazione.
Il problema è che Franco Maresco è a suo modo un genio. E il suo film (sempre a suo modo, per come può farlo un film di Maresco) è una vera lezione di educazione civica. Oltre che una lezione di cinema per come lo si può praticare in modo artisticamente sensato tra XX e XXI secolo. Alcuni dei miei ragazzi (i ragazzi a cui qui faccio da tutor per dei saggi che scriveranno sulla Mostra, accompagnandoli in archivio e in biblioteca, e sorvegliando il loro lavoro) non avevano mai visto un film di Franco, è stato gratificante leggere negli sguardi di alcuni di loro l’ammirazione se non la meraviglia per il fatto che oggi, in Italia, ci siano artisti in grado di portare a termine opere del genere.
Chi scrive ritiene che alcuni film realizzati con Ciprì, “Totò che visse due volte” su tutti, non siano meno belli dei migliori film di Pasolini, e che con la sua produzione più recente (a fianco sempre il meritorio Rean Mazzone) Franco stia ora esplorando un altro territorio, gli auguro che il viaggio sia il migliore possibile.
Sul perché poi alla fine Maresco non è venuto a Venezia (non venne, se è per questo, pur dopo mille telefonate in cui si cercava di convincerlo, anche quando vinse un premio a Orizzonti per “Belluscone”). Qui si vocifera molto. Alcuni dicono che non è venuto perché la parte finale su Mattarella ha sollevato un casino, spingendo gli investitori istituzionali a ritirare firma e marchio dal film. Chi dice che non è venuto perché gli sono scoppiati dei casini con Ciccio Mira (co-protagonista insieme a Letizia Battaglia del film). C’è anche il fatto che Maresco si mescola a fatica con il mondo ufficiale del cinema che combatte e sbertuccia da una vita, ricambiato dall’odio di molti (ma non di tutti, per fortuna, ed è grazie anche a questo spiraglio che continua a fare film).
Ora: i professionisti della coerenza altrui potrebbero dire che non si attacca il cinema mainstream e poi si manda il proprio film in concorso a Venezia, che di quel mondo è tra le massime espressioni. A questa obiezione si può rispondere col Pasolini che, nel 1968, proprio qui a Venezia, al giornalista che gli contestava di aver boicottato prima il proprio stesso film (“Teorema”) salvo poi cambiare idea per convenienza, ribatteva: “lei pretende da me la coerenza a tutti i costi per pulirsi la sua di coscienza”. A un artista come Maresco l’incoerenza non è perdonata ma è dovuta, se gli consente di guardare il mondo dalla posizione che gli consente di fare quel che fa. Ah. Dimenticavo: aggiungeteci una dose di autolesionismo e malcelato desiderio di sentirsi ai margini.
Sulle polemiche col Presidente della Repubblica. Ho visto che oggi addirittura è stata diramata una nota ufficiale dal Quirinale. Se serve a sollevare un polverone che faccia bene al film, benissimo. Ma altrimenti: il Presidente non deve sentirsi offeso, davvero. “La mafia non è più quella di una volta”, è un film antiretoricamente civico (cioè nell’unico modo in cui forse oggi è possibile fare professione di civismo su certi temi, in certe forme) così come “Totò che visse due volte” (attaccato per vilipendio alla religione cattolica) era un film antiretoricamente religioso, e quindi, oggi, un film religiosissimo.
Ultima. Non è vero che l’Italia è un deserto. Non lo è affatto. Chi lo rivendica sta solo inaffiando il proprio desertino interiore con la pisciata del nacro-narcisismo nazionale. Continuo a dirlo. Non siamo in un deserto. Pensate a Franco Maresco, a Letizia Battaglia, a quelli come loro. Celebrateli e sosteneteli adesso, non quando sarà tardi!

(Nicola Lagioia)

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Il video integrale della cerimonia di premiazione

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La sintesi della cerimonia di premiazione

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Premi ufficiali della 76. Mostra

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Letteratitudine seguirà l’intera rassegna, aggiornando questa pagina giorno per giorno…

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Julie Andrews, nell’accettare la proposta, ha dichiarato: “Sono molto onorata di essere stata scelta per il Leone d’Oro alla carriera. La Mostra del Cinema di Venezia è da lungo tempo considerata uno dei più stimati festival internazionali. Ringrazio La Biennale per questo riconoscimento del mio lavoro, e sono impaziente di arrivare in quella meravigliosa città a settembre per un’occasione così speciale”.
A proposito di questo premio, Alberto Barbera ha dichiarato: “Affermatasi sin da giovanissima sulle scene del music hall londinese e, in seguito, a Broadway grazie alle sue doti canore e interpretative fuori del comune, Julie Andrews deve allo straordinario successo del suo primo film hollywoodiano, Mary Poppins, il conferimento dello statuto di star di prima grandezza, immediatamente bissato da un altro memorabile film, Tutti insieme appassionatamente, per lungo tempo ai primi posti dei film più visti della storia del cinema. I due ruoli la proiettano nell’empireo delle dive internazionali, facendone il personaggio iconico adorato da intere generazioni di spettatori, senza tuttavia esaurire l’ampiezza e la portata della sua carriera artistica.  Al di là del fatto che sia possibile una diversa lettura dell’immagine generata dai suoi due film più famosi – sottolineando la valenza trasgressiva dei personaggi della governante  piuttosto che il loro apparente conservatorismo – va ricordato come la stessa Andrews abbia significativamente contribuito ad evitare il rischio di rimanere imprigionata nel ruolo di icona del cinema famigliare, scegliendo di cimentarsi in ruoli di volta in volta drammatici, apertamente provocatori o intrisi di graffiante ironia. È il caso, per esempio, di Tempo di guerra, tempo d’amore, di Arthur Hiller, e dei numerosi film diretti dal marito Blake Edwards, con il quale diede vita a un sodalizio artistico tra i più profondi e duraturi, che ricordiamo come uno stupendo esempio di fedeltà umana e professionale a un affascinate progetto estetico capace di prevalere sull’esito commerciale dei singoli film. Il Leone d’Oro è il riconoscimento doveroso di una carriera straordinaria che ha saputo ammirevolmente  conciliare il successo popolare e le ambizioni artistiche senza mai scendere a facili compromessi”.

Biografia di Julie Andrews
Julie Andrews è da oltre mezzo secolo un’amatissima stella del teatro, del cinema e della televisione. Era già una leggenda a Broadway quando ha debuttato al cinema con Mary Poppins nel 1964. La sua iconica interpretazione nel ruolo della magica governante le è valsa un Oscar®, un Golden Globe e un premio BAFTA. L’anno successivo ha ricevuto una seconda candidatura all’Oscar® e un altro Golden Globe per l’indimenticabile interpretazione di Maria Von Trapp in Tutti insieme appassionatamente. Ha poi ricevuto la sua terza candidatura all’Oscar® e ha vinto un altro Golden Globe per il suo doppio ruolo in Victor Victoria (1982).
Oggi, il pubblico giovane conosce meglio Julie Andrews nel ruolo della regina che insegna alla nipote adolescente a diventare una principessa nei film di successo Pretty Princess e nel suo seguito Principe azzurro cercasi.
Ha prestato recentemente la sua voce alla creatura marina Kharaten nel campione d’incassi Aquaman (2018). È stata anche la voce della Regina Lillian nella serie di film Shrek 2, Shrek Terzo e Shrek e vissero felici e contenti, e la voce della madre di Gru nella serie di film Cattivissimo Me e dei Minions.  Julie Andrews è nata e cresciuta in Inghilterra, dove conosce i primi successi all’età di dodici anni come giovane cantante dalla voce eccezionale, esibendosi a teatro e alla radio. Ancora adolescente attraversa l’Atlantico per approdare a Broadway, dove nel 1953 debutta nel musical The Boy Friend.
Nel 1956 interpreta il ruolo di Eliza Doolittle a Broadway per il musical My Fair Lady di Alan Jay Lerner e Frederick Loewe, che diventa subito un classico. Nel 1961, Julie è la Regina Ginevra nel musical Camelot di Lerner e Loewe.
Nel 1964 è chiamata a Hollywood per interpretare la parte della magica governante in Mary Poppins, film per il quale vince l’Oscar come migliore attrice.
Lo stesso anno, come protagonista insieme a James Garner, interpreta Tempo di guerra, tempo d’amore, per il quale viene nominata al Premio BAFTA come migliore attrice protagonista. Questa affilata commedia romantico/pacifista, ambientata a Londra durante la seconda guerra mondiale, è considerata dalla Andrews il suo film favorito, un giudizio condiviso dal coprotagonista James Garner.
L’anno successivo interpreta Maria von Trapp nel celebre Tutti insieme appassionatamente.
Nel 1966, Julie Andrews è protagonista di Hawaii, il secondo più alto incasso statunitense dell’anno. Sempre nel 1966, è protagonista insieme a Paul Newman ne Il sipario strappato di Alfred Hitchcock. L’anno successivo interpreta il personaggio del titolo in Millie, per il quale riceve una nomination ai Golden Globe. All’epoca, Millie e Il sipario strappato sono stati rispettivamente il più grande e il secondo più grande successo nella storia dell’Universal Pictures.
Successivamente appare in Un giorno… di prima mattina (1968), film biografico su Gertrude Lawrence, e al fianco di Rock Hudson in Operazione crepes suzette (1970), diretta da Blake Edwards. Julie Andrews e Blake Edwards si sposano poco dopo, e per i successivi 25 anni realizzano insieme una lunga serie di film, tra cui Il seme del tamarindo (1974), 10 (1979), S.O.B. (1981), Così è la vita (1986) e nel 1982 Victor Victoria.
Julie Andrews ha inoltre ricevuto molti riconoscimenti per la sua attività in televisione, a partire dall’interpretazione nel 1957 come protagonista del musical Cinderella di Rodgers ed Hammerstein, e diversi anni più tardi del varietà musicale The Julie Andrews Hour. Inoltre, ha partecipato a diversi programmi speciali, tre dei quali realizzati con l’amica Carol Burnett, e un altro con John Denver e Placido Domingo, intitolato The Sounds of Christmas. Fra i film per la televisione, One Special Night con James Garner, Eloise at the Plaza ed Eloise at Christmastime.
Affermata autrice di best-seller (Mandy, The Last of the Really Great Whangdoodles), Julie Andrews unisce il suo talento a quello della figlia Emma Walton Hamilton nel 2003 per creare la collana The Julie Andrews Collection. A oggi hanno pubblicato più di trenta volumi. La loro attuale serie di libri dal titolo The Very Fairy Princess, è diventata la n. 1 nella lista dei best seller per ragazzi del “New York Times”, come altre serie successive.
La biografia di Julie Andrews, Home – A Memoir of My Early Years, è stata pubblicata nell’aprile del 2008 ed è pure approdata subito in testa alle classifiche di bestseller del “New York Times”. La seconda puntata della sua biografia, Home Work, è prevista per ottobre e copre la vita di Julie dal 1963 fino alla fine degli anni ’80.
Altri progetti creati e/o scritti da Julie Andrews e da sua figlia sono stati o sono in corso di produzione per la televisione, il cinema e il teatro. Fra questi, una nuova serie televisiva recentemente lanciata in tutto il mondo da Netflix dal titolo Julie’s Greenroom, co-creata, scritta e prodotta dall’accoppiata madre/figlia con la Jim Henson Company.
Julie Andrews chiude il cerchio completando suo versatile lavoro come regista di musical. Ha diretto uno straordinario revival di My Fair Lady (il musical nel quale Julie è stata la protagonista Eliza Doolittle nella produzione originale a Broadway del 1956) al Sydney Opera House, con successo di critica e un incasso da record. Il musical è stato successivamente in tournée in Australia con un grande successo di pubblico.
In anni recenti, Julie ha diretto un adattamento musicale del suo libro per bambini (scritto insieme a Emma) dal titolo The Great American Musical, oltre a due produzioni per il teatro di The Boy Friend (del quale Julie è stata protagonista nella produzione a Broadway nel 1953).
Julie si dedica ad alcune cause benefiche fra le quali Operation USA, che ha aiutato a fondare insieme allo scomparso marito con il quale è stata sposata per 41 anni, il celebre regista e sceneggiatore Blake Edwards. Julie fa parte del Consiglio di Amministrazione della Foundation for Hereditary Disease, sostenitrice di Americans for the Arts, ed entusiasta componente del Consiglio di Amministrazione della Los Angeles Philharmonic.
Dal 1992 al 2006 Julie Andrews è stata Ambasciatrice per le Nazione Unite del Fondo di Sviluppo per le Donne (UNIFEM).
Nel 2000, Sua Maestà la Regina Elisabetta II l’ha insignita del titolo di Dame Commander of the British Empire. Oltre all’Oscar, Julie Andrews ha vinto, fra i molti riconoscimenti, diversi premi Emmy e Golden Globe, un BAFTA e un Grammy,. Nel 2001 è diventata Kennedy Center Honoree e nel 2011 è stata celebrata con il premio SAG alla Carriera.
Insieme a Blake ha cresciuto cinque figli e, per sua grande gioia, dieci nipoti e tre pronipoti.

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MARTIN EDEN di Pietro Marcello (con Luca Marinelli)

#MartinEden un film di Pietro Marcello con Luca Marinelli, Jessica Cressy, Vincenzo Nemolato, Marco Leonardi, Denise Sardisco e Carmen Pommella. Dal 4 settembre al cinema. Dopo aver salvato da un pestaggio Arturo, giovane rampollo della borghesia industriale, il marinaio Martin Eden viene ricevuto in casa della famiglia del ragazzo e qui conosce Elena, la bella sorella di Arturo, e se ne innamora al primo sguardo. La giovane donna, colta e raffinata, diventa non solo un’ossessione amorosa ma il simbolo dello status sociale cui Martin aspira a elevarsi. A costo di enormi fatiche e affrontando gli ostacoli della propria umile origine, Martin insegue il sogno di diventare scrittore e – influenzato dal vecchio intellettuale Russ Brissenden – si avvicina ai circoli socialisti, entrando per questo in conflitto con Elena e con il suo mondo borghese…

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La nuova puntata di Letteratitudine Cinema la dedichiamo alla memoria di Franco Zeffirelli (Firenze, 12 febbraio 1923 – Roma, 15 giugno 2019): regista, sceneggiatore e scenografo italiano.

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L’addio a Franco Zeffirelli. Approfondimenti su: la Repubblica, Il Corriere della Sera, Ansa, La Stampa, Avvenire, Il Sole24Ore, Il Giornale, Il Fatto Quotidiano

I funerali si svolgeranno martedì prossimo, 18 giugno, in Duomo a Firenze. A officiare il rito funebre sarà l’arcivescovo di Firenze, cardinale Giuseppe Betori.

Il salone dei 500, in Palazzo Vecchio, ospiterà il 17 giugno la camera ardente, dalle 11 alle 23.

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Nato fuori dal matrimonio da Ottorino Corsi, un commerciante di stoffe originario di Vinci, e dalla fiorentina Alaide Garosi Cipriani, ebbe un’infanzia tribolata dovuta al mancato riconoscimento paterno, che avvenne solo a 19 anni, e alla prematura scomparsa della madre. Fino al riconoscimento paterno, il suo nome fu Gian Franco Zeffirelli, a causa di un errore di trascrizione all’anagrafe del cognome scelto dalla madre, Zeffiretti. Giorgio La Pira fu suo istitutore ai tempi del collegio nel convento di San Marco a Firenze, e dopo aver frequentato l’Accademia di Belle Arti a Firenze, esordì come scenografo nel secondo dopoguerra, curando una messa in scena di Troilo e Cressida diretta da Luchino Visconti.

Compì, insieme con Francesco Rosi, le prime esperienze nel cinema come aiuto regista dello stesso Visconti in La terra trema e in Senso, nonché di Antonio Pietrangeli ne Il sole negli occhi (1953). Nel 1953 curò bozzetti e figurini per l’Italiana in Algeri per la regia di Corrado Pavolini al Teatro alla Scala di Milano. Negli anni cinquanta esordì come regista sia in teatro sia al cinema.

Al Teatro alla Scala nel 1954 curò la regia di La Cenerentola e di L’elisir d’amore, nel 1955 Il Turco in Italia portata anche in trasferta nel 1957 al King’s Theatre di Edimburgo, nel 1957 La Cecchina, ossia La buona figliuola, nel 1958 Mignon e nel 1959 Don Pasquale, al Teatro Verdi di Trieste nel 1958 Manon Lescaut e al Royal Opera House, Covent Garden di Londra nel 1959 Lucia di Lammermoor portata anche in trasferta al King’s Theatre di Edimburgo nel 1961, Cavalleria rusticana e Pagliacci. Sul grande schermo esordì con Camping (1957), una commedia di ambiente giovanile. Ancora al Covent Garden nel 1960 disegnò i costumi di Joan Sutherland per La traviata.

Ancora al Teatro alla Scala nel 1960 curò la regia de Le astuzie femminili e di Lo frate ‘nnamorato, nel 1963 La bohème e Aida, nel 1964 La traviata, al Teatro La Fenice di Venezia nel 1960 Alcina e nel 1961 Lucia di Lammermoor, a Trieste nel 1961 Rigoletto e nel 1967 Falstaff, al Glyndebourne Festival Opera nel 1961 L’elisir d’amore, a Londra nel 1961 Falstaff, nel 1962 Don Giovanni e Alcina e nel 1964 Tosca, Rigoletto e I puritani, al Wiener Staatsoper nel 1963 La bohème (che fino al 2014 va in scena 410 volte) e al Metropolitan Opera House di New York nel 1964 Falstaff e nel 1966 la prima assoluta di Antony and Cleopatra di Samuel Barber di cui è anche il librettista.

Verso la fine degli anni sessanta si impose all’attenzione internazionale in campo cinematografico grazie a due trasposizioni shakespeariane: La bisbetica domata (1967) e Romeo e Giulietta (1968). Nel 1966 realizzò un documentario sull’alluvione di Firenze intitolato Per Firenze. Negli anni sessanta Zeffirelli diresse alcuni spettacoli memorabili nella storia del teatro italiano, come l’Amleto con Giorgio Albertazzi, recitato anche a Londra in occasione delle celebrazioni shakespeariane nel quattrocentesimo anniversario della nascita del grande drammaturgo (1964), Chi ha paura di Virginia Woolf? con Enrico Maria Salerno e Sarah Ferrati, La lupa di Giovanni Verga con Anna Magnani.

Ancora al Metropolitan nel 1970 curò la regia di Cavalleria rusticana e nel 1972 Otello, alla Scala nel 1972 Un ballo in maschera e nel 1976 Otello, a Vienna nel 1972 Don Giovanni e nel 1978 Carmen e al Grand Théâtre di Ginevra nel 1978 La Fille du Regiment. Nel 1971 diresse Fratello sole, sorella luna, una poetica rievocazione della vita di Francesco d’Assisi. Scenografo e allievo di Luchino Visconti, le sue opere furono sempre accurate nelle ricostruzioni di ambiente, e scelse sempre soggetti di forte impatto emotivo sul pubblico.

Nel dicembre del 1974 curò la regia televisiva in mondovisione della cerimonia di apertura dell’Anno Santo. Nel gennaio del 1976 tornò a collaborare col Teatro alla Scala di Milano, allestendo ancora una volta la sua celebre Aida, diretta da Thomas Schippers e con Montserrat Caballé e Carlo Bergonzi come protagonisti. Il 7 dicembre 1976 firmò regia e scene di una storica edizione di Otello di Giuseppe Verdi che inaugurò la stagione lirica del Teatro alla Scala di Milano, con la direzione di Carlos Kleiber e protagonisti Plácido Domingo, Mirella Freni e Piero Cappuccilli. L’opera venne, per la prima volta, trasmessa in diretta dalla RAI.

Dopo il successo del film televisivo Gesù di Nazareth (1976), una coproduzione internazionale sulla vita di Gesù; realizzò, tra gli altri, Il campione (1979), Amore senza fine (1981), Il giovane Toscanini (1988). Nel 1990 tornò a Shakespeare con un nuovo adattamento cinematografico di Amleto. Nel 1981 curò la regia di Cavalleria rusticana e di Pagliacci alla Scala, 1983 mise in scena Turandot di Giacomo Puccini al Teatro alla Scala, e Sei personaggi in cerca d’autore di Luigi Pirandello e nel 1985 Il lago dei cigni alla Scala, al Metropolitan nel 1981 La bohème, nel 1985 Tosca, nel 1987 Turandot e nel 1989 La traviata, all’Opéra National de Paris nel 1986 La traviata e a Trieste nel 1987 La figlia del reggimento.

Ancora al Met nel 1990 curò la regia di Don Giovanni e nel 1996 Carmen e alla Scala nel 1992 Don Carlo e nel 1996 La Fille du Regiment. Nel 1993 tornò al cinema con Storia di una capinera, da Giovanni Verga. Nel 1994 fu eletto senatore della repubblica nelle Liste di Forza Italia della circoscrizione Catania ottenendo un numero record di voti che riconferma con la sua rielezione a senatore del 1996.

Successivamente allestì all’Arena di Verona, nel 1995 Carmen di Georges Bizet ripresa poi nel 1996 e 1997, 1999, 2002 e 2003, 2006, dal 2008 al 2010, 2012, 2014 e nel 2016; nel 2001 Il trovatore opera andata in scena anche nel 2002, 2004, 2010, 2013 e 2016, nel 2002 Aida di Giuseppe Verdi riproposta dal 2003 al 2006, 2010 e 2015; nel 2004 Madama Butterfly andata in scena anche nel 2006, 2010, 2014 e 2017, nel 2010 Turandot di Giacomo Puccini, ripresa nel 2012, 2014 e 2016, e nel 2012 Don Giovanni di Wolfgang Amadeus Mozart realizzata anche nel 2015.

Tra il 1996 e il 1999 diresse i film Jane Eyre e Un tè con Mussolini, quest’ultimo parzialmente autobiografico. Nel dicembre 1999, tornò a dirigere le riprese televisive della cerimonia di apertura dell’Anno Santo. Nel 2002 sempre per il grande schermo, realizzò Callas Forever, liberamente ispirato alla vita di Maria Callas. Ancora per il Metropolitan nel 2002 cura la regia de Il barbiere di Siviglia al Cunningham Park. Fino al 2014 sono oltre 800 gli spettacoli con la sua regia andati in scena al Met.

Il 24 novembre 2004 la regina Elisabetta II lo nominò Cavaliere Commendatore dell’Ordine dell’Impero Britannico (KBE). Nel 2006 curò il suo quinto allestimento dell’Aida interpretata da Violeta Urmana per l’inaugurazione del Teatro alla Scala. Dal 21 aprile a 3 maggio 2007 andò in scena il suo nuovo allestimento de La traviata di Giuseppe Verdi per il Teatro dell’Opera di Roma, con direzione d’orchestra Gianluigi Gelmetti, soprano Angela Gheorghiu, baritono Renato Bruson, tenore Vittorio Grigolo. La prima dello spettacolo del 21 aprile è stata trasmessa in diretta in ventidue sale cinematografiche. Al Teatro Filarmonico di Verona esordisce nel 2012 con Pagliacci.

Muore la mattina del 15 giugno 2019 nella sua casa di Roma, all’età di 96 anni.

(Fonte: Wikipedia Italia)

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Vince “Green Book” come miglior film. Malek e Colman migliori attori protagonisti 2019. Migliori non protagonisti: Ali e King. A Cuaron il premio miglior regia per “Roma”

La 91ª edizione della cerimonia degli Oscar si è tenuta al Dolby Theatre di Los Angeles, ieri, 24 febbraio 2019. Per la prima volta dopo 30 anni, la cerimonia non ha avuto alcun presentatore ufficiale (dopo la rinuncia di Kevin Hart in seguito alle polemiche generatesi per via di alcune frasi omofobe che l’attore aveva pubblicato su Twitter nove anni prima).

Le candidature sono state annunciate il 22 gennaio 2019. I film che hanno totalizzato più candidature sono a pari merito Roma di Alfonso Cuarón e La favorita di Yorgos Lanthimos con 10 candidature a testa, seguiti da A Star Is Born e Vice – L’uomo nell’ombra con 8 candidature cadauno.

Il film che si è aggiudicato il maggior numero di statuette è stato Bohemian Rhapsody, con un totale di 4 premi ricevuti, seguito da Roma, Green Book (che ha vinto il premio per il miglior film) e Black Panther, con 3 statuette ciascuno.

Candidati e vincitori

Miglior film

• Green Book – Jim Burke, Charles B. Wessler, Brian Currie, Peter Farrelly e Nick Vallelonga
• A Star Is Born – Bill Gerber, Bradley Cooper e Lynette Howell Taylor
• Black Panther – Kevin Feige
• BlacKkKlansman – Sean McKittrick, Jason Blum, Raymond Mansfield, Jordan Peele e Spike Lee
• Bohemian Rhapsody – Graham King
• La favorita (The Favourite) – Ceci Dempsey, Ed Guiney, Lee Magiday e Yorgos Lanthimos
• Roma – Gabriela Rodríguez e Alfonso Cuarón
• Vice – L’uomo nell’ombra (Vice) – Dede Gardner, Jeremy Kleiner, Adam McKay e Kevin J. Messick

Migliore regia

• Alfonso Cuarón – Roma
• Yorgos Lanthimos – La favorita (The Favourite)
• Spike Lee – BlacKkKlansman
• Adam McKay – Vice – L’uomo nell’ombra (Vice)
• Paweł Pawlikowski – Cold War (Zimna wojna)

Migliore attore protagonista

• Rami Malek – Bohemian Rhapsody
• Christian Bale – Vice – L’uomo nell’ombra (Vice)
• Bradley Cooper – A Star Is Born
• Willem Dafoe – Van Gogh – Sulla soglia dell’eternità (At Eternity’s Gate)
• Viggo Mortensen – Green Book

Migliore attrice protagonista

• Olivia Colman – La favorita (The Favourite)
• Yalitza Aparicio – Roma
• Glenn Close – The Wife – Vivere nell’ombra (The Wife)
• Lady Gaga – A Star Is Born
• Melissa McCarthy – Copia originale (Can You Ever Forgive Me?)

Migliore attore non protagonista

• Mahershala Ali – Green Book
• Adam Driver – BlacKkKlansman
• Sam Elliott – A Star Is Born
• Richard E. Grant – Copia originale (Can You Ever Forgive Me?)
• Sam Rockwell – Vice – L’uomo nell’ombra (Vice)

Migliore attrice non protagonista

• Regina King – Se la strada potesse parlare (If Beale Street Could Talk)
• Amy Adams – Vice – L’uomo nell’ombra (Vice)
• Marina de Tavira – Roma
• Emma Stone – La favorita (The Favourite)
• Rachel Weisz – La favorita (The Favourite)

Migliore sceneggiatura originale

• Nick Vallelonga, Brian Currie e Peter Farrelly – Green Book
• Deborah Davis e Tony McNamara – La favorita (The Favourite)
• Paul Schrader – First Reformed – La creazione a rischio (First Reformed)
• Alfonso Cuarón – Roma
• Adam McKay – Vice – L’uomo nell’ombra (Vice)

Migliore sceneggiatura non originale

• Charlie Wachtel, David Rabinowitz, Kevin Willmott e Spike Lee – BlacKkKlansman
• Joel ed Ethan Coen – La ballata di Buster Scruggs (The Ballad of Buster Scruggs)
• Nicole Holofcener e Jeff Whitty – Copia originale (Can You Ever Forgive Me?)
• Barry Jenkins – Se la strada potesse parlare (If Beale Street Could Talk)
• Eric Roth, Bradley Cooper e Will Fetters – A Star Is Born

Miglior film straniero

• Roma, regia di Alfonso Cuarón (Messico)
• Un affare di famiglia (万引き家族 Manbiki kazoku^?), regia di Hirokazu Kore’eda (Giappone)
• Cafarnao (کفرناحوم), regia di Nadine Labaki (Libano)
• Cold War (Zimna wojna), regia di Paweł Pawlikowski (Polonia)
• Opera senza autore (Werk ohne Autor), regia di Florian Henckel von Donnersmarck (Germania)